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Son tornati i Dead Can Dan… ah no, in realtà è Brendan Perry da solo, ma accontentiamoci, su! Anche perché il resto, questa settimana, è #musicdiscovery vera.

Partiamo dalla stanza oscura, quella piena di dark e suoi derivati. Anche il Cile vuole dire la sua in materia e lancia fuori dai suoi confini le Diavol Strâin. L’Italia conferma la sua tradizione con metà degli ex Kitsune, ora Lizzie in My Bed. La Francia dei Difference ribadisce che se c’è da rendere glaciale la new wave non è seconda a nessuno. L’industrial made in USA cala un vecchio asso come i Joy Thieves di Dan Milligan.

Nell’angolo del metal e del punk troviamo invece l’angoscia sintetica del nuovo progetto dell’ex Loathe Connor Sweeney (TheBoyShadow), il post hardcore marcio dei Truck Violence, post-punk ossessivo dei Makeshift Art Bar e quella specie di post-grunge delle Grandmas House da Bristol.

In mezzo al resto – così, come il cavolo a merenda, ma molto più appetitoso – una ballata indie folk a firma Ian Pickering, nuovo capitolo del suo progetto solista The Noise Who Runs.

Dead Can Dance: Our Day Will Come

Genere: 🎶Altra musica 🪕Folk

di Max Zarucchi

Sopita la sorpresa, per prima cosa, allineiamo i fatti.

Notiziona: i Dead Can Dance sono tornati! Con un progetto che vedrà la band pubblicare un brano nuovo al mese a tempo indefinito. Anche se, al momento, Our Day Will Come vede come unico membro Brendan Perry. Sì, anche i suoni riconducibili a Lisa Gerrard sono in realtà campionati. Prima lacrimuccia.

Notiziona numero due: i Dead Can Dance decidono di ritirare la loro discografia completa da Spotify, rea di farla passare liscia a chi pubblica roba creata con l’intelligenza artificiale e rubare soldi agli artisti veri. D’ora in poi solo su Bandcamp, singolo compreso. Applausi. Dopo poco però qualcuno fa notare che la copertina del singolo sembra proprio fatta con la AI. E lo statement riguardante Spotify scompare da ogni canale ufficiale. Seconda lacrimuccia.

Notiziona numero tre: Brendan Perry non solo ammette che la cover è stata creata con l’AI, ma anzi tesse le lodi di quella tecnologia che gli permette di arrivare subito al punto di ciò che vuole a livello visivo, senza filtri alcuni. Terza lacrimuccia.

Ecco allora che, passato il legittimo entusiasmo iniziale per una reunion inaspettata, rimangono dei dubbi: ma se è da solo, che reunion è? Vero che anche nell’ultimo album in studio Dionysus l’apporto della Gerrard era al contagocce, però… e lo scagliarsi contro l’AI non dovrebbe comprendere tutti i campi dell’arte? Perché prendere posizione contro la musica “finta” ma abbracciare le arti visive nate da qualcosa di diverso rispetto all’immaginazione umana?

Ecco, questi piccoli crampi spirituali che mangiano lo stomaco possono far perdere di vista il punto centrale: la musica. E se parliamo solo di questa, Our Day Will Come è un gran bel pezzo. Magari non memorabile, ma di certo ci presenta un autore ancora in grado di emozionare (e tanto) musicalmente, vocalmente e liricamente, chiunque abbia voglia di prestare il giusto orecchio. E, almeno qui, si accende un sorriso. Il secondo si stampa nel cuore sapendo che il 50% del ricavato andrà a finanziare l’associazione Medical Aid for Palestinians, il cui nome già dice tutto.

Non resta che, ogni mese, passare a dare un’occhiata alla loro pagina. E continuare a godere della splendida musica che, sicuramente, continuerà a uscire sotto il moniker DCD. Per tutte le altre digressioni, invece, forse stavolta è davvero meglio lasciar perdere e passare oltre.

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Diavol Strâin: 11 Ecos

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Max Zarucchi

Non tutto quello che passa per le session di KEXP diventa virale come gli Angine de Poitrine, ma è innegabile che ogni concerto in quello studio sia più che meritevole di ascolto per chiunque abbia a cuore la buona musica.

Ci sono passate quattro anni fa anche le Diavol Strâin, duo cileno che da diverso tempo ormai infiamma i palchi dei club per nerovestiti sudamericani e potrebbe ora tentare il grande salto “serio” per il mercato europeo e nord-americano.

Il nuovo singolo, 11 Ecos, ha tutto quello che serve per diventare una piccola hit: a partire dal sound (sapientemente miscelato dallo stregone William Faith) che ti stampa subito quelle vibes da death rock vecchio stampo dritte nello stomaco.

Ma l’asso nella manica delle Nostre sta proprio nelle loro radici: l’innesto (volontario o meno) di melodie più calde e melodiche (da noi si direbbe “mediterranee”) rende il pezzo a modo suo memorabile. Le due voci che armonizzano nel ritornello sono semplicemente irresistibili, così come la scelta di utilizzare la lingua madre, che rende il tutto personale e differente da mille altre band. L’attenzione scrupolosa dei dettagli crea tanti piccoli hook che fanno venire voglia di premere PLAY più e più volte (le corde morte dopo il ponte a mo’ di armonici ne sono un esempio). La ballabilità è assicurata ma, perlomeno, è suonata e non mandata da una base. Eccetto la drum machine infatti, le due di Valparaíso suonano per davvero. Si sente e la cosa giova non poco alla resa finale del brano.

Darkettoni, siete avvisati: le Diavol Strâin sono la band da seguire, ora!

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Difference: Tête Bizarre

Genere: 🎸Rock ⚡Electro

di Manuel Graziani

In un genere freddo, al limite del glaciale, come la new wave – per di più suonato da francesi che a freddezza non sono secondi a nessuno – l’aspetto umano, fisico, artigianale può fare la differenza, anzi la difference. È il caso dei parigini Difference che ambiscono a riaccendere, e tenere alta, la fiamma della new wave d’Oltralpe, a loro dire «per troppo tempo in ombra».

Il mini album omonimo del 2024 è stato un buon assaggio, seppur un po’ troppo nel solco della dark wave canonica, con tanto di ballate sì profonde e sì anche stracciacoglioni (passatemi il francesismo).

Il nuovo corso dei Difference abbraccia a tutto tondo la contemporaneità sintetica. A partire dalla scelta di pubblicare singoli in esclusiva sulle piattaforme digitali (Qobuz e Bandcamp) e sul proprio sito web, con l’intento di «creare uno spazio distinto e instaurare un legame più diretto con i propri ascoltatori, invitandoli a ripensare al modo in cui ascoltano e sostengono la musica».

Dopo Rien n’a Changé, tocca ora a Tête Bizarre, che porta i Sound dell’indimenticato Adrian Borland tra le mura umide di un club sotterraneo votato all’elettronica e al post-punk. Molto buono anche il videoclip “autoriale” interamente disegnato a mano e prodotto dal Collectif 313 che cozza piacevolmente con il mood del pezzo.

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Grandmas House: Dog

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Manuel Graziani

Prima di imbarcarsi in un bel tour europeo – che come da triste consuetudine degli ultimi tempi non toccherà l’Italia neanche di striscio – il quartetto femminile di Bristol tira fuori un altro singolo il cui significato va oltre l’aspetto puramente musicale.

Dog prende le mosse da un problema di salute legato a una malattia cronica che per due anni ha tenuto in stand by una componente delle Grandmas House. E da tutto ciò che ne è conseguito, a partire dalle implicazioni psicologiche e dalla frustrazione derivante dal non essere ascoltati e capiti.

La voce di Yasmin Berndt, dal magnifico graffio di Shane MacGowan, è innestata su una dinamica musicale plasmata con cura attraverso l’equilibrata alternanza di aggressività e melodia, come ci ha insegnato certo grunge d’antan (non a caso le nostre citano i Nirvana tra le influenze maggiori).

Siccome non stiamo parlando di massimi sistemi ma solo di R’n’R, è interessante notare alcuni particolari solo in apparenza insignificanti: l’hand clapping al minuto 1:11 e il tempo che a metà pezzo rallenta drasticamente e si dilata sotto il contrappunto di un synth liturgico per ben cinquanta secondi.

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Lizzie in My Bed: Blue Screen

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Max Zarucchi

I più attenti e curiosi forse si ricorderanno dei Kitsune, quartetto trevigiano che, nella prima metà degli anni Zero, ha pubblicato una serie di lavori spesso definiti dark ma che in realtà odoravano più di shoegaze e dreampop.

Un paio di decenni dopo ecco tornare Marco e Silvia, che proprio dei Kitsune erano chitarrista e voce, con un nuovo progetto, Lizzie in My Bed. Le coordinate stilistiche sono le medesime, seppur aggiornate e rifinite, come è giusto che sia dopo tutto questo tempo.

In attesa dell’album di debutto rilasciano questa Blue Screen a mo’ di biglietto da visita. Una rilettura quadrata e spigolosa del genere, drum machine nevroticamente old school, strati di chitarre distorte e cariche di riverbero e una linea vocale cantilenante e ipnotica fanno di questo brano qualcosa di diverso da ciò che ci si può aspettare oggi da una band ultra indie di quella scena.

Non è tutto pulito, quantizzato e leccato, ed è proprio questo il punto di forza: nonostante l’utilizzo di macchine digitali (per le ritmiche e i synth) il tutto risulta sporco, vivo, impreciso, umano, vero. Teneteli d’occhio.

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Makeshift Art Bar: Chocolate

Genere: 🎸Rock ⚡Electro

di Giampiero Pelusi

Già intercettati grazie all’inquieto, straniante, fragoroso singolo Bedwetter, i Makeshift Art Bar da Belfast ci dilaniano l’anima con un post-punk ossessivo, assordante e danzereccio. Ma la balera è una casa degli orrori addobbata per un rave, dalle cui arcate laterali non spuntano fantocci ricoperti di sangue finto, bensì ansie sociali vivide, che pulsano come cuori neri piantati nei muri a sostituzione delle mirrorball.

Chocolate esalta l’amore di Joseph Sweeney e soci per l’electro oscura – Pass the Parcel ci aveva dato modo di scoprirlo: eppure qui il beat freme contemporaneamente di adrenalina rave punk e brividi darkwave, di affondi post-punk e smerigliate industrial. Spintonate i Model/Actriz prima tra i synth freddi dei Boy Harsher e poi tra quelli magmatici degli Yard, assoldate i Ditz e mandateli in guerra con le armature forgiate dal ferro fuso di The Downward Spiral e Psalm 69.

In questo tumulto orgiastico di rumore (e necessario movimento) si erge lo spettro della solitudine: i Makeshift Art Bar musicano il dolore della progressiva assenza, inglobano le urla soffocate dell’alienazione e le rovesciano, come acqua su olio bollente, in questo pastiche tonante che arroventa il dancefloor e scortica le pareti più nascoste di quella terra di nessuno che fa da allaccio tra il rock alternativo e il marasma sconfinato dell’elettronica.

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TheBoyShadow: Give Me a Seam & I’ll Show You the Meaning

Genere: 🤘Metal

di Davide Romagnoli

TheBoyShadow è il nuovo progetto di Connor Sweeney, ex chitarrista dei Loathe, qui spostato verso coordinate ancora più abrasive, industriali e nervose. Per chi già conosceva la band di partenza, il nome può accendere immediatamente qualche connessione. Per tutti gli altri, resta soprattutto una scoperta interessante dentro quel territorio in cui il metalcore di nuova generazione incontra il gusto per la deformazione, il rumore e l’angoscia sintetica. In mezzo ai riflettori, questa volta, c’è Give Me a Seam & I’ll Show You the Meaning, singolo di debutto accompagnato da un video e presentato come l’avvio ufficiale di questa nuova incarnazione.

Il pezzo dura poco più di due minuti, che nel 2026 è anche un modo elegante per dire: niente preamboli, niente worldbuilding da concept band che ha scoperto l’acqua calda, soltanto l’essenzialità, in pratica. Un’essenzialità che mette insieme il lato più pesante e contorto ereditato dai Loathe con una tensione ancora più ansiosa, più scheletrica, più vicina a una crisi di nervi ereditata da Godflesh, Death Grips e altra gente che aveva l’epidermide di carta vetrata. È musica da claustrofobia lucidata male, da corridoio mentale con le luci al neon che sfarfallano e un subwoofer piazzato direttamente nella cassa toracica. Quello che probabilmente avrà ascoltato l’agente Cooper nel suo soggiorno venticinquennale nella Loggia Nera. Solo un po’ più “metalcore” e, in qualche strano modo, comunque più accessibile.

Dal fondo del corridoio, però, si intravede una luce autentica, uno scorcio personale, bizzarro, di sicuro gusto specifico e non solo modaiolo. Ma lasciando perdere le varie speranze (che poi spesso conducono al vano dolore) per adesso la cosa che ci pare intrigante è che TheBoyShadow evita con una certa intelligenza il rischio più banale: sembrare il classico progetto post-band dove uno raccoglie i frammenti del passato, li ricompone in fretta e spera che i vecchi aficionados (effettivamente I Let It in and It Took Everything dei Loathe era davvero un bel disco) facciano il resto. Qui c’è invece una volontà piuttosto chiara di spingere ancora di più su dissonanza emotiva, moda plastica, qualche maschera (naturalmente) e quella angoscia che dà forma consona a un modern metal deviato. E in effetti Give Me a Seam & I’ll Show You the Meaning funziona perché sembra un debutto che conosce già bene questo odore: odore di elettronica cazzuta, psicopatia da Instagram e ferraglia industriale.

Per un debutto, basta e avanza. Per il resto, dopotutto, c’è tempo: le ombre, quando sono fatte bene, sanno allungarsi da sole

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The Joy Thieves: The Wrong End of Your Rifle

Genere: 🤘Metal ⚡Electro

di Max Zarucchi

Diciamolo, l’idea avuta a dicembre 2017 da Dan Milligan di creare una specie di collettivo/supergruppo formato da persone che gravitano attorno alla scena industrial funziona. Eccome se funziona. Perché se è vero che in meno di dieci anni anche il fan più attento è stato travolto dal fiume di uscite/remix/cover e roba varia, il fatto di avere sempre gente nuova che si metteva in gioco ha permesso al progetto di rimanere a suo modo fresco, senza perdere l’urgenza iniziale.

Per questo singolo, ad esempio, assieme al compare di sempre James Scott troviamo Chris Connelly, che i più appassionati ricorderanno nei Pigface, nei Ministry e (ovviamente) nei Revolting Cocks.

The Wrong End of Your Rifle, che già dal titolo trasuda industrial rock made in USA, è la classica bordata pur un po’ hip-hopeggiante nelle strofe, arricchita di qualche sampler trombettato che vorrebbe sì essere fico, ma forse odora di già sentito.

Però dai, insomma, suvvia, è irresistibile sta roba, inutile farci i ragionamenti. Datata forse, poco moderna, ma a un certo punto va bene pure così. Un po’ come la carbonara: quella è, ed è buona. Poi si può discutere sui dettagli. Ecco, qui i dettagli sono a posto, la ricetta è quella classica e il risultato soddisfa appieno. Dato che di Reznor non ce ne sono a milioni, onestamente non si può chiedere di più.

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The Noise Who Runs: Commercial Road

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Max Zarucchi

Ve li ricordate gli alfieri del trip hop Sneaker Pimps? Quelli che trent’anni fa cantavano Waterbaby e 6 Underground? Da cui proviene Chris Corner a.k.a. IAMX? Bene.

Ve li ricordate i Front Line Assembly? Pionieri dell’electro industrial attivi dal 1986 fino a oggi? Bene.

Il britannico Ian Pickering ha collaborato con entrambi e torna oggi con un nuovo capitolo del suo progetto solista, The Noise Who Runs. Dopo un album e un EP, l’8 maggio uscirà RE: GEN X, di cui questa Commercial Road è il secondo singolo scelto come preview. Ci troviamo di fronte a una ballata folk dalla forte tinta indie, trionfo di chitarre acustiche affogate nell’elettronica e melodia a iosa. Ma la cosa che più colpisce è il testo, una riflessione amara su quanto la generazione cresciuta negli anni ‘80 e ‘90 sembri aver dimenticato il concetto di empatia, (s)vendendo anima e vita all’individualismo più becero.

Distante anni luce dalle sue collaborazioni di cui sopra, Commercial Road si fa apprezzare per l’ironia pungente e amara di alcuni passaggi, totalmente british, svelandosi come un brano molto meno leggero di quanto la musicalità possa suggerire.

Bisogna ammetterlo: senza troppa fanfara, anche stavolta il Nostro l’ha portata a casa.

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Truck Violence: New Jesus

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Giampiero Pelusi

Violence si sollevava rantolante dall’underground come una creatura martoriata che prova ad aggrapparsi alla vita nonostante gambe e bacino spezzati: post-hardcore marcio, country e noise che ibridavano la forma del rumoraccio redneck, trasposizione di litanie sanguinanti da un mondo orribile.

Tutto questo ammasso fangoso era secreto dal debut dei canadesi Truck Violence, uscito tramite la piccola label Mothland di Montréal. E, manco a farlo apposta, l’infallibile The Flenser li ha acciuffati dal sottosuolo per The Weathervane Is My Body, in arrivo il prossimo giugno. E quando si parla di oscurità malaticcia l’etichetta californiana non sbaglia mai.

Somiglianze con i Chat Pile erano ben evidenti già nel succitato primo LP, nonostante i Truck Violence abbiano sempre puntato meno sull’impatto, più sulla contorsione sludge e sulle metamorfosi ansiogene del rumore – più Pamela che I Am Dog Now, tanto per tastare con le orecchie le differenze di violenza strumentale.

E New Jesus non fa altro che limare le asperità di un sound prima totalmente devoto all’underground: parliamoci chiaro, la friggitoria lo-fi delle distorsioni lavora comunque egregiamente, ma la potenza, l’esplosività, il resoconto del sound non nascondono un notevole glow up in fase di produzione.

Un passo in avanti che non maschera assolutamente l’urgenza, il disgusto e la decadenza del presente appellata da Karsyn Henderson in questa cascata di liquame noise. Qui annaspiamo, tra arpeggi dissonanti e ruggiti chitarristici, bassi animati da un inquietante (e inquieto) funk e sparatorie in blast beat – à la Agriculture, tanto per rimanere in casa The Flenser.

Una pozzanghera antracite in cui far colare il disprezzo per l’indole fascista che divora come un tumore le interiora del governo americano, l’insoddisfazione e l’impotenza che polverizzano il futuro della società: New Jesus è un’agonia necessaria, quantomeno per provare a sopravvivere.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

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Ecco che Julian Casablancas torna all’ovile, e per farlo si inventa tutto un parallelo metaforico con la sciura che va al centro commerciale – sempre dei soliti Strokes (quelli dell’ultima fase vagamente Eighties) si tratta, comunque. E se parliamo di commerciale, in termini di sound, figuriamoci che qualcuno lo ha rinfacciato ultimamente pure a Fernando Ribeiro, anche se i Moonspell non è la prima volta che virano il loro goth metal verso la darkwave che fu. Cambiamenti di rotta che invece sono la norma per Håvard Ellefsen, da tempo ormai oscuro fantasma che si aggira per l’Europa dietro il moniker Mortiis. Mentre se volete continuare a far polemica a prescindere, fatevi provocare (nel senso di spingere a riflettere) da Nargaroth, oppure guardate il video (solo il video?) fatto con l’AI degli ex SPK, ora SPKtR.

Il resto vede passare, certo non come comparse: la faccia giusta dell’hardcore nelle sembianze dei Mizery, l’heavy psych complesso ma mai troppo complicato degli Elder, il lo-fi punk dei SUX, il Joseph Tholl post-Tribulation e una splendida, dolentissima ballata di Tim Presley, a.k.a. White Fence.

Elder: Through Zero

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Gli Elder sono quel tipo di gruppo che ha preso il vocabolario heavy psych, kraut, prog e stoner e lo ha trattato come si trattano le cose serie: allungandolo, deformandolo, complicandolo, facendolo diventare (soprattutto con il memorabile Lore) qualcosa di molto più elegante della solita jam da furgone e funghetti. Con Through Zero – title track del nuovo album omonimo in uscita il 29 maggio 2026 per Stickman Records in Europa e Blues Funeral Recordings negli Stati Uniti – Nick DiSalvo e soci tornano a fare ciò che riesce loro meglio: scrivere musica che pesa senza sembrare roba da cervelloni da conservatorio e che viaggia senza trasformarsi in turismo psichedelico per benestanti.

Il pezzo, nove minuti abbondanti, conferma esattamente quello che promette il titolo: attraversa una soglia spazio-temporale (ben nota anche nelle precedenti sortite discografiche), si infila in una specie di zona intermedia tra riff massicci, melodie che sanno di folk cosmico (naturalmente in 5/4) e tastiere che luccicano come se qualcuno avesse lasciato i Genesis in una cava tedesca sotto acido controllato. Eppure, per loro fortuna, la bellezza di Through Zero sta nel fatto che gli Elder continuano a suonare come una band che conosce il piacere della digressione senza mai scambiarla per mera pigrizia compositiva. C’è una fluidità molto naturale nel modo in cui il brano passa dalla trazione hard-rock a derive più espanse e contemplative, e questa naturalezza è la vera differenza tra la creatura di DiSalvo e la marea di gruppi che ancora pensano basti allungare i pezzi per sembrare profondi.

Dentro il singolo si sente anche una band arrivata a un punto in cui il proprio stile non ha più bisogno di dimostrare nulla. Gli Elder assorbono influenze da anni senza cadere nel pastiche, e il nuovo disco viene già presentato proprio come un’ulteriore espansione del loro linguaggio, con nuove texture, sequenze e una resa che la band stessa descrive come la più aderente di sempre alle proprie intenzioni creative. In pratica: ancora riff, ancora viaggi, ancora costruzioni da gente che passa più tempo a immaginare mappe sonore che a lucidare pedalini su Instagram. Through Zero è così: come il promemoria che l’heavy psichedelico, quando è scritto da chi ha davvero gusto e visione, può ancora avere una statura quasi narrativa.

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Joseph Tholl: New Dawn

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

È un momento strano per i fan dei Tribulation. Molto spesso infatti i nostri pianificano i tour, ma non sempre i membri ufficiali possono presenziare. Ecco allora che, per esempio, nelle ultime date in America Latina invece di Oscar ha suonato Luana Dametto delle Crypta. Storia simile per le date europee dello scorso anno, dove il posto di Joseph Tholl era stato occupato da Tobias Alpadie, laddove il ruolo di Tholl era in precedenza ricoperto dall’istrionico Jonathan Hultén.

Se quest’ultimo, nella sua carriera solista post-Tribulation, ha dimostrato di aver ben altri assi nella manica, in maniera differente si può dire lo stesso di Joseph, che torna oggi a sonorità più vicine alla sua scrittura pre-Tribulation con questa nuovissima New Dawn.

Apripista del nuovo, secondo album solista It Might Be Art, il brano vede Robert Eriksson degli Hellacopters alla batteria, con Joseph che si occupa di tutto il resto. Siamo di fronte a un mix sonoro – chiaramente rock ma nell’accezione più ampia del termine – con influenze che vanno dal post-grunge all’alternative anni ‘90, il tutto filtrato attraverso una spiccata sensibilità AOR che regala arrangiamenti e refrain irresistibilmente pop. Roba che farebbe piacere ai fan dei Ghost più recenti per intenderci, magari con un pizzico di teatralità in meno ma un boost spinto sulla genuinità. Non male, no?

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Mizery: Renegade Rhythm

Genere: 🤘Metal 🎤Hip Hop

di Davide Romagnoli

Nel sottobosco hardcore c’è – giustamente – sempre una specie di feticismo per la purezza, per il suono che deve arrivarti addosso come una sprangata, per qualche faccia di quelle giuste “da galera” e tutto sommato basta così. I Mizery, per fortuna, sembrano però avere sempre meno voglia di partecipare a questa liturgia per guardiani del tempio con la felpa consumata.

Renegade Rhythm brano d’apertura dell’omonimo EP, uscito il 20 marzo 2026 per Flatspot Records, entra subito in campo con un’idea molto chiara: “forse qualcuno se lo era dimenticato ma vi assicuriamo che ci sappiamo ancora fare!”. Dopo una partenza fortissima tra Survive the Vibe e Absolute Light, la band si era un po’ persa nel pantano pandemico. Poi è arrivata anche la morte del batterista Cayle Sain, e questo nuovo EP nasce anche da lì, dal tentativo di rimettere insieme il suono e il fiato dopo una di quelle botte che la vita sa dare forte (Rocky Balboa docet).

La cosa che più gasa è che Renegade Rhythm suona come se qualcuno avesse preso il crossover anni Novanta, lo avesse ripulito da tutto il macho-porn da palestra e gli avesse restituito un minimo di cervello. C’è groove, c’è strada, c’è l’attitudine da pit band, però ci sono pure aperture, riverberi, una delivery che scivola tra rap e cantato e che rimanda a un triangolo molto eloquente: Downset, Suicidal Tendencies e quasi quasi anche primi Faith No More. Forse meno furia cieca, più sfumature, più melodia, più swagger. In pratica, più personalità e meno cosplay da hardcoreman definitivo. E dietro si sente anche la mano di Taylor Young, che regala al lavoro un suono live, vibrante, molto Nineties, abbastanza largo da far convivere botta, malinconia e melodia senza trasformare tutto in una caricatura revival.

Il bello del pezzo sta proprio lì: gira subito, resta in testa, mena senza comportarsi come un seminarista della violenza sonora. In un’epoca in cui parecchia musica pesante sembra progettata da gente che sogna di diventare brand prima ancora che band, i Mizery fanno una cosa molto più semplice che funziona bene lo stesso, ricordandoci che l’hardcore può ancora essere immediato senza sembrare scemo, duro senza irrigidirsi, emotivo senza annegare nella retorica. Francamente, di questi tempi, è già tantissimo.

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Moonspell: Far from God

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Max Zarucchi

Il giorno della pubblicazione del nuovo singolo (con relativo videoclip) dei Moonspell, una fan di vecchia data, privatamente, ha dato sfoggio del suo dono della sintesi: «Insomma… il bassista ha perso i riccioli, Fernando ha perso la fede, le suore hanno perso la castità e i Moonspell la grinta».

Difficile darle torto, no? Eppure non è la prima volta che i portoghesi alleggeriscono il loro sound, strizzando l’occhio alla darkwave che fu. Forse però non si erano mai spinti così tanto “dentro” quel suono, arrivando a invertire il significato del genere da loro proposto: qui il goth non è più un suffisso per il metal, semmai il contrario. Siamo di fronte a qualcosa di più vicino ai Sisters of Mercy o ai Fields of the Nephilim più romantici che ai Paradise Lost, e se è vero che questo ha fatto perdere loro un po’ di cattiveria, è altrettanto palese che il lato melodico riesce stavolta a prendersi la scena, regalando un brano che, se non fosse per il testo (quello sì, un po’ banalotto e sottotono questa volta), diventerebbe uno dei momenti più sentiti e calienti dei loro live set.

Ora, il punto è: sarà un nuovo inizio o siamo di fronte a un sugo ormai rimestato troppe volte? Un po’ di sale, un po’ di zucchero, ancora sale, altro zucchero… Per adesso Far from God soddisfa e incuriosisce quanto basta: vedremo se l’album omonimo (in uscita il 3 luglio), qualitativamente, avrà un cuore di lupo o sarà un semplice effetto farfalla.

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Mortiis (feat. Sarah Jezebel Deva): Ghost of Europa

Genere: 🎶Altra musica ⚡Electro

di Max Zarucchi

È un periodo in cui, per i detrattori, sembra che il portare dei costumi di scena sia una cosa da stupidi.

Qualcuno sta pensando al duo pallinato del Québec? Ecco, nessuno però pensa mai a Mortiis: cinquantun anni di cui più di trenta a mettersi protesi facciali per trasformarsi nell’elfo malefico creatore del dungeon synth.

Torna oggi, con le sue tempistiche che i burloni definirebbero “ritmo Jamaica”, regalandoci un nuovo brano, antipasto del prossimo full length. Ghost of Europa vanta collaborazioni eccellenti, da Sarah Jezebel Deva (Cradle of Filth, Kovenant) a Laurie Ann Haus, senza dimenticare il tocco, come sempre mai invasivo ma determinante, di Thorsten Quaeschning dei Tangerine Dream.

Il risultato è un brano che si prende i suoi spazi senza mettersi fretta, tra stratificazioni sonore, introspezioni tendenti al lato oscuro di noi stessi e, soprattutto, la negazione della canonica forma canzone in cui trovare un ritornello o un motivetto da canticchiare: al centro di tutto, qui, c’è il creare un mood, dipingere un’atmosfera, stuzzicare i sensi più che la razionalità.

Nonostante la carriera zeppa di cambiamenti di rotta, qui siamo arrivati a un punto zero in positivo, dove è difficile tracciare un identikit sonico definito, in quanto il brano suona in un solo modo: Mortiis. Se la nuova fase del folletto malefico si muoverà su queste coordinate, a giugno potremmo trovarci di fronte a uno dei suoi lavori migliori. Che sia uno degli effetti positivi dell’aver smesso di bere ed essersi convertito alla birra analcolica? Bravo Håvard Ellefsen, così si fa.

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Nargaroth: Requiem Germania

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

In un’epoca dove tutto è bianco o nero, in cui basta un nulla per marchiare a fuoco (non importa se da una parte o dall’altra) chiunque, avvicinarsi a qualcosa come l’ultimo singolo dei Nargaroth può confondere. Richiede, perlomeno, di leggere e capire il testo, comprendere le immagini del video, contestualizzarle.

La perdita delle radici culturali di ogni paese, che vediamo seccarsi giorno dopo giorno, è qualcosa che fa male al cuore. Utilizzare però questo dolore per giustificare ogni forma di razzismo è un escamotage vile e deprecabile. Amare la propria storia e le proprie tradizioni non significa odiare gli altri o non poterli accogliere, così come condannare un genocidio non equivale a odiare una religione. Ma per ragionare liberamente bisogna uscire dalle tifoserie, dal noi contro voi. “Dividi et impera” funziona per quelli in alto: la diversità, se applicata al rispetto e accettazione del prossimo, è ciò che ci rende unici e permette quindi di scambiarsi idee, esperienze, migliorarsi, progredire. Più le radici sono sane e profonde, più i rami crescono rigogliosi, e ogni pianta della foresta, a prescindere dalla specie, può vivere in armonia. La natura insegna, ma l’uomo forte vuole far dimenticare. If the Kids Are United, ricordate?

Ecco. Se nel 2026 un brano accostabile al black metal, con relativo video annesso, può portare anche a queste riflessioni, vuol dire che di sostanza ce n’è, parecchia pure. Va da sé che argomenti simili possono portare a forti discussioni, ma forse è proprio questo il punto: tornare ad argomentare e a confrontarsi, invece che andare avanti a slogan, sarebbe un inizio di rinascita.

Musicalmente ottima, Requiem Germania conferma quanto Ash continui ad avere qualcosa da dire. Rimane controverso? Certo, ma sicuramente più a fuoco rispetto ad alcune interviste di un quarto di secolo fa, meno caricaturale di quando andava ospite nei programmi pomeridiani televisivi a fine anni ‘90, meno cazzaro e più musicista. Anche questo, in fondo, vuol dire crescere.

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SPKtR: The Last Of Men

Genere: ⚡Electro

di Max Zarucchi

Dopo trentanove anni, ritornano gli SPK, o meglio, tornano in una nuova veste: SPKtR.

Chiaro no? Al timone troviamo sempre Graeme Revell, affiancato qui dal figlio Robert, giovane smanettone amante della tecnologia e dell’AI. Il pippone infinito (condivisibile o meno) con cui viene presentata questa nuova fase della leggenda electro industrial è in calce al video su YouTube (ed è stata rimbalzata più o meno pari pari da decine di testate, mascherandola per recensione). In sintesi: l’intelligenza artificiale non è un male, è semplicemente un nuovo tool. Tutto dipende da come la si usa e dai problemi che eventualmente potrà dare a livello di manipolazione mentale, poteri forti, paure e paranoie. Insomma ok, va bene, ci può stare, ma all’ascoltatore più terra terra il dubbio a questo punto rimane: oltre il video, palesemente creato con la AI, qualcuno effettivamente “suona” su questo brano oppure è una grande illusione?

Perché a dirla tutta il pezzo spacca come si deve e, pur non brillando particolarmente, si fa apprezzare quanto basta, soprattutto tenendo conto degli otto lustri di silenzio. Oppressiva, asfissiante, apocalittica ma anche ballabile, volendo, in pieno stile SPK, perlomeno nelle intenzioni. Ma se tutto questo fosse un abbaglio? A qualcuno importerà poco, ma altri la prenderebbero non benissimo. Aspettiamo la prova del nove con il debutto dal vivo al WGT di quest’anno e nel frattempo facciamo girare The Last of Men.

Questi tempi bui costringono anche ad avere dubbi su vere e proprie leggende: speriamo siano sfatati – data la caratura del nome possiamo stare quasi certi della genuinità.

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SUX: No Thx

Genere: ✊Punk

di Manuel Graziani

A leggere il nome Sux la mia memoria nerd vola al gruppo italiano della seconda metà degli anni Novanta guidato da Giorgio Ciccarelli: un autore che avrebbe sicuramente meritato più di quello che gli è tornato indietro. Ok, i nostri meneghini avevano un bel punto esclamativo in fondo al nome, questi tizi di Seattle ci avrebbero potuto mettere al massimo un punto interrogativo.

Perché, lì per lì, qualche domanda te la fai sul senso musicale della faccenda. Ma, come diceva il poeta, «trovare un senso a questa storia, anche se questa storia un senso non ce l’ha» non serve a un beneamato.

No Thx, singolo scelto per spingere Sux Sells (uscito su Youth Riot Records), non cerca il contatto cuore-stomaco. Giammai. Cerca lo scontro fisico dopo averti riversato addosso qualsiasi tipo di improperio: l’ultimo verso recita testualmente «You’re trash trash trash and I’m the fucking Garbage Man!».

Musicalmente ci troviamo al cospetto di un assalto lo-fi punk che supera i livelli consentiti di testosterone. Roba in stile Rip Off Records dei bei tempi: 40% furia cieca, 40% cazzonaggine e un residuale 20% di melodia a basso costo. La voce della cantante e bassista Lolli guida l’arrembaggio, gli altri corrono come ossessi e ogni tanto ci buttano dentro qualche coretto scomposto. Tutto giusto, compreso l’intermezzo noise a metà pezzo eseguito con i piedi.

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The Strokes: Going Shopping

Genere: 🎸Rock

di Emanuele Podda

A sei anni da The New Abnormal, album che ha aperto la corrente decade e si va sempre più delineando come uno dei suoi prodotti musicali migliori, gli Strokes, padri putativi dell’indie rock, sono tornati a sorpresa con Going Shopping, singolo che ha accompagnato l’annuncio di un nuovo album, Reality Awaits, atteso per la fine del prossimo giugno e prodotto dal sempiterno e onnipresente Rick Rubin.

Inizialmente inviato in musicassetta a cento fortunati che avevano inserito il proprio numero di telefono in una sorta di lotteria virtuale apparsa dal nulla sul sito ufficiale della band lo scorso 31 marzo, il singolo è stato poi rilasciato su tutte le principali piattaforme streaming il 7 aprile, e, come normale che sia per un ritorno così atteso, ha subito diviso la fanbase tra estimatori e detrattori.

Diciamocelo chiaramente: Going Shopping non entrerà nella storia come il brano più memorabile della band. Tuttavia, non suona neanche così male da sembrare uno scarto dei Voidz, side-project del cantante Julian Casablancas evocato da alcuni negativamente. Al netto di una certa monotonia – il pezzo sembra non decollare mai davvero – e della infelice scelta dell’autotune, rimane tuttavia del godibilissimo soft rock che si pone in linea di continuità con la svolta Eighties intrapresa dalla band sin dai tempi di Comedown Machine (2013).

Nota a parte per il testo in cui il richiamo ineluttabile dello shopping si pone come allegoria di quello del palco e delle passerelle, connessi a un ritorno della band che non può essere eluso. Casablancas negli ultimi sei anni ha tentato la fuga nella campagna («I moved away to the country»), ovvero si è dedicato ad altri progetti, ma alla fine ha realizzato che «I miss the shop and malls»: gli mancava essere gli Strokes. Insomma, Julian ci è ricascato ancora una volta e nel verso finale ci chiede clemenza: «If you’re better than me, you don’t have to judge me». Ci sentiamo di dire che tutto dipenderà dalla qualità delle prossime uscite. Noi rimaniamo in ascolto e, come sempre, vi terremo aggiornati.

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White Fence: Unread Books

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Manuel Graziani

Il nuovo album Orange esce a ben sette anni di distanza dal precedente. Un’attesa inconsueta per Tim Presley (a.k.a. White Fence) che era partito di gran carriera, arrivando a sfornare anche due album l’anno. D’altronde stiamo parlando di un vecchio amico e sodale di Ty Segall, altro genio che definire prolifico è riduttivo, il quale peraltro Orange lo ha registrato e mixato (oltre ad averci suonato).

Cosa abbia combinato in tutto questo tempo il vecchio Tim è un mistero. Dall’ufficio stampa appuriamo: «Ha solo lavorato al suo repertorio di canzoni più dirette mai scritte fino a oggi». Solita puttanata a effetto? Non direi, a giudicare dall’allegra grazia beatlesiana del primo singolo, accompagnato da un bel video in bianco e nero alla Claude Lelouch.

Questo secondo antipasto ha una dolcezza straziante, letale per i diabetici in odor di depressione. Una ballata dolente, ma nient’affatto dolorosa, sorretta dall’abbagliante batteria sincopata di Dylan Hadley e coccolata dai sintetizzatori ecumenici di Alice Sandahl delle La Luz. Tim ci canta stando attento a non andare né sopra né sotto il tappeto sonoro che è un fiume calmo. Canta a pelo d’acqua. In perfetto equilibrio sulla dinamica musicale. E quel «like you do» pronunciato più volte scalda di un calore lieve e confortevole.

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Sotto un certo punto di vista, Fosco Maraini potrebbe essere considerato il primo vero rapper italiano. Ecco allora l’omaggio di Rancore, a metà tra poesia metasemantica e uno sketch di Amici miei. Uno dei singoli dell’anno, probabilmente.

Gradito ritorno anche quello dei Mclusky: divertenti, affilati, arrembanti. In formissima, insomma – come i Gouge Away (che si sono dati una calmata, ma solo apparentemente), i Venom (innovazione, questa sconosciuta – ma anche chìssene), i Boundaries (nonostante i livelli osceni di compressione del master), Jarboe (Michael Gira non lo ammetterà mai, ma deve sentire la sua mancanza), Delrei (che se la blueseggia alla grande insieme a Collin Hegna) e Dez Dare (vecchio punk DIY che non ha nessuna intenzione di gettare la spugna).

Restano infine due debutti: quello fenomenale dei nostri Alsaint (da non confondere con chi sapete benissimo), e quello di una figlia d’arte che (contro ogni previsione, visti gli scazzi storici tra suo padre e Courtney Love) si chiama come una canzone delle Hole.

Alsaint: Too Brave

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Max Zarucchi

Teramo, A.D. 2026. Un debutto che fa strabuzzare le orecchie (che, per questioni anatomiche, di solito non strabuzzano, ma stavolta facciamoglielo fare). Qualcosa che sembra l’anello mancante tra i Black Sabbath di Ozzy e i Soundgarden. Un riff per la strofa, uno per il ritornello, nota singola per il solo, finale con accenni lontani di Hammond (o qualcosa che gli somiglia vagamente, ma è davvero una sfumatura).

Granitico, essenziale, schietto: il singolo di debutto degli Alsaint certo non fa gridare al miracolo per originalità, ma impatta quanto basta per insinuare una certa curiosità: da dove spuntano questi quattro? Come saranno le altre canzoni? Sono tutti Orange o qualcuno ha avuto l’intuizione di comprimere un Ampeg facendoci un bel cavallotto? L’erba del vicino, oltre a essere più verde, è stata fumata come si deve?

I ragazzi hanno poche idee ma ben piantate e sviluppate come si deve: massicci, densi, fumosi – già da ora gli Alsaint sembrano avere le cart(in)e in tavola per farsi strada nel fangoso mondo sludge e stoner. Aspettiamo molto incuriositi di vedere come evolverà la cosa.

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Boundaries: Skies Cast Amber Black

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Dopo Death Is Little More, che nel 2024 li aveva spinti tra i nomi più difficili da ignorare nel metalcore contemporaneo – soprattutto dentro quella vetrina iperilluminata che è il circuito dell’hype – i Boundaries tornano con Skies Cast Amber Black, primo inedito da allora e debutto sotto Sumerian Records. Tanto basta per mettere in moto il solito teatrino online: chi grida al salto di categoria, chi si mette in lutto per il passato, chi nel frattempo continua serafico ad ascoltare i Knocked Loose e a tirare dritto, sperando di continuare a essere di moda.

Il pezzo, sulla carta e in buona parte anche all’ascolto, colpisce il bersaglio, anche se forse non proprio al centro pieno. Il titolo sembra uscito da un bollettino dell’ultimo giorno del pianeta Terra, il passo è quello del carro armato emotivo, l’impatto resta massiccio come dev’essere e il gruppo di Matthew McDougal conferma ancora una volta la sua specialità: prendere il linguaggio del metalcore moderno e infilarci abbastanza rancore sghembo, groove e cazzimma hardcore da far sembrare molti colleghi dei personal trainer radical chic con la sette corde.

Il punto critico, però, sta nella resa sonora. La produzione sceglie ovviamente una patina muscolare, serrata, aggressiva, lucidissima, ma nel farlo alleggerisce proprio la zona che dovrebbe tenere in piedi tutto: le frequenze basse. Manca quell’aria scura, mefitica, manca spessore nel petto, manca quella “pancia” che trasforma un riff o un breakdown da buona idea a vero e proprio evento fisico. Stavolta perfino il solito tribunale dei fonici da commenti Instagram – quella pittoresca confraternita che ascolta il rullante come fosse il centro dell’universo – ha intercettato qualcosa di reale: a questo pezzo serviva più terra sotto i piedi, più sub, più peso nella pancia.

Tolti i dettami del nostro essere sempre fonici in disguise, c’è comunque da dire che i Boundaries restano una band che sa ancora sporcare il quadro e tenere alto l’interesse nei suoi confronti. In un genere saturo di cloni lucidissimi e intercambiabili, i ragazzotti di Hartford, Connecticut, conservano identità, cattiveria, una faccia riconoscibile. Skies Cast Amber Black ha mordente, presenza e cattivo gusto nel senso giusto.

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Delrei (feat. Collin Hegna): Wicked Wicked Ways

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

Pubblicare un album per la Project Records, soprattutto negli anni ‘90 e ‘00, era un sogno. Riuscire a farlo era segno che la tua musica non affogava nella banalità, né tantomeno era ancorata a dei trend momentanei. Un po’ come per la compagna/rivale inglese 4AD, uscire per l’etichetta americana regalava un sigillo di garanzia, qualcosa che salvava il potenziale acquirente da soldi buttati e ascolti inutili.

Già questo dovrebbe dare un’idea riguardo il valore intrinseco di questa Wicked Wicked Ways di Delrei. Aggiungiamoci anche che come ospite troviamo quel piccolo genio di Collin Hegna (The Brian Jonestown Massacre, Federale) e il quadro è completo.

Il brano è uno dei tre inediti che arricchiscono la ristampa in CD a opera della Go Down Records del primo album, Desolation and Radiation, e mai come questa volta le bonus tracks possono essere un ottimo motivo per riascoltare più attentamente un disco di assoluta qualità, passato ingiustamente sotto traccia. Blues sporco, dark, polveroso e liquidamente crepuscolare: i Bad Seeds sotto metaqualone e lo sguardo vitreo dentro al bicchiere del Johnny Cash meno orecchiabile. Fatelo vostro.

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Dez Dare: When I’m Alone (I Forget You’re Real)

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Manuel Graziani

Dez Dare, all’anagrafe Darren Smallman, non è l’ultimo stronzo della musica alternativa, ma un vero agitatore sottoculturale DIY. Nato a Geelong, in Australia, inizia a bazzicare la scena post-punk nei primi anni Novanta. Suona nei Thee Vinyl Creatures, poi diventati The Sound Platform, nei Warped, nei Toad (condividendo i palchi con Fugazi, Cosmic Psychos ecc.) e fonda etichette indipendenti come Low Transit Industries. Una ventina d’anni fa si trasferisce a Brighton, in UK, dove continua a muoversi nella musica alternativa, davanti e dietro le quinte: si vedano le etichette Battle Worldwide Recordings e God Unknown.

When I’m Alone (I Forget You’re Real) è il primo pezzo della raccolta These Days Are Wild & Blind, che uscirà il 1° maggio, ovvero il sesto album a nome Dez Dare dal 2021. Darren fa tutto da solo. Dalla batteria dritta e tirata agli accordi aperti della chitarra effettata, fino alle tastiere dal sapore pastorale. Quando arriva il ritornello e il nostro canta «These days look like the hearts / Hearts you lose / Made you smile / These days have fractured all my time», il tempo e la ritmica si fermano.

L’immagine che viene in mente è quella di Jonathan Richman a cavalcioni sul ramo di un albero in Tutti pazzi per Mary. Ma con le fregole di un vecchio punk che non ha alcuna intenzione di cedere alla pigrizia del tempo.

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Gouge Away: Figurine

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

I Gouge Away, de facto, si sono dati una calmata (se così vogliamo definirla). Anzi, più che girare attorno al termine acquietamento, dovremmo parlare di un certo tipo di levigatura: Deep Sage, pur conservando evidenti drappelli di impatto sonoro della band floridiana, disegnava un’importante derapata verso campi melodici in decisa antitesi con il ruggito seminale del violentissimo Burnt Sugar – di certo non totalmente privo di aperture, ma erano granelli di zucchero lasciati morire in un’ustionante pepiera hardcore.

Dall’ultimo lavoro in studio (e dai suoi switch umorali) riparte Figurine, dal riffing corposo e circolare che getta kerosene sulla voce grattata di Christina Michelle ai cooling break delle strofe, groove e quattro corde vibranti che placano l’incandescenza e fabbricano ossigeno pronto a rientrare in combustione. Un anello ciclico di ripartenza brutale e distensione, un po’ come il dualismo che permea i testi: Christina si pone davanti a uno specchio, faccia a faccia con ciò che è diventata e con ciò che gli altri hanno sempre voluto che fosse, riesumando passata rabbia adolescenziale, maschere deleterie e senso di alienazione, per poi impacchettare il tutto e saltarci sopra a piè pari in nome dell’accettazione di sé stessa.

Una vita trascorsa a impegnarsi a compiacere gli altri, tramutandosi in una marionetta con l’anima – quella vera – costretta alla cattività. Un resoconto ora filtrato dagli occhi liberi e vittoriosi di chi qualche sassolino dalla scarpa se l’è finalmente tolto.

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Jarboe: The Holy Waters

Genere: 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

È indubbio che gli Swans siano una creatura di Michael Gira. Ci mancherebbe altro. Lui è sempre stato al timone della band, vero e proprio deus ex machina (i maligni direbbero “despota”) che ha traghettato i cigni in ogni loro fase artistica e musicale. Allo stesso modo, è fuori discussione che la fase in cui Jarboe faceva parte della band (‘84-‘97) sia una di quelle più care ai fan, che non hanno mai smesso di seguire il suo percorso solista.

Il 3 aprile è uscito Sightings, il suo nuovo album, e The Holy Waters è il pezzo scelto come singolo apripista. Ci troviamo di fronte a un brano tipicamente suo, etereo e spirituale, con voci filtrate e trattate che, intrecciandosi, vanno a posarsi su una ritmica semplice ma ossessiva, un rituale sonoro che stavolta più che mai affonda le proprie radici in madre natura, vera musa che ha ispirato profondamente la composizione del disco.

Il passare del tempo ha regalato alla newyorkese un gusto raffinato nel saper mantenere in equilibrio lo stupore e l’interesse dell’ascoltatore, spingendolo comunque in una direzione più riflessiva e interiore, regalando nuovamente musica assolutamente non per tutti, ma che come sempre arricchisce chi riesce a entrarci in sintonia.

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Mclusky: As a Dad

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Giampiero Pelusi

Per la serie “graditissimi ritorni”, il back in da business dei Mclusky ce lo meritavamo tutto, considerando il periodaccio preso a male che viviamo da un anno a questa parte. E quale miglior antidoto di Andrew Falkous che ci grattugia le coclee?

The World Is Still Here and So Are We parlava piuttosto chiaro: riprendiamo in mano gli strumenti perché stiamo ancora, inaspettatamente, campando e qualcuno dovrà pur documentare la cosa. E via di clangori post-hardcore e ironia chirurgica, farcitura di un disco che è spuntato come un fungo infestante in un bel numero di top di fine anno, tra una Rosalía che si concede all’orchestra e i Geese che l’orchestra la spaccano in nome di tempi tesi.

Eppure non finisce qui: I Sure Am Getting Sick of This Bowling Alley fa da succulento contorno al succitato ultimo lavoro in studio, EP da sei tracce guidato dai roboanti hula hoop chitarristici della divertentissima As a Dad.

Prendete gli slide arrembanti e il fatticcio groove dei Jesus Lizard di Nub, ficcateci dentro l’incorruttibile sarcasmo – e anche un velatissimo pelo di emotività – dei gallesi e fatelo trottare in un rodeo familiare, tra visioni strampalate sulla vita da padre e sul rapporto con i figli, piranha all’interno di altri piranha e mogli che odiano il marito.

Altri cent’anni di vita ai tre di Cardiff, che ci fanno scordare quanto faccia cagare il mondo su cui poggiamo i piedi.

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Rancore: Fanfole

Genere: 🎤Hip Hop

di Fabio Piccolino

Se il mondo dell’arte in generale e quello della musica in particolare fossero più simili al modo in cui Rancore approccia il suo lavoro, saremmo circondati da opere decisamente più fantasiose, creative, imprevedibili. La curiosità del rapper romano e la sua capacità di realizzare molte delle idee che gli passano per la testa fanno di lui un artista eclettico e innovativo, in un circolo virtuoso che inevitabilmente finisce per stimolare chiunque voglia mettersi sulla stessa lunghezza d’onda della sua musica.

Per questo non stupisce che abbia tirato fuori un brano come Fanfole: un quadro surrealista tutto basato sulla parola, dove gli intrecci metrici diventano assonanze fonetiche e dove le regole della lingua vengono temporaneamente sospese. Eppure, tra vocaboli inventati, giochi di parole, no-sense e neologismi di vario tipo, Tarek infila citazioni, costruisce nuovi significati, gioca con i generi musicali, rappa in arabo e piazza un ritornello efficacissimo.

Visionario ma anche estremamente concreto, Rancore detta le regole del gioco e si smarca dalle imposizioni, svuotando le parole dal loro senso originale per dar loro un’altra forma e un’altra sostanza, ma anche facendo in modo che per decifrare il suo codice sia necessario riflettere.

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Venom: Lay Down Your Soul

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

Questo nuovo singolo dei Venom è di una prevedibilità vergognosa. Il riff è un rimaneggiamento di Black Metal (il brano) e Witching Hour, che a loro volta non è che fossero propriamente diversissimi rispetto a quanto proposto sugli album originali. I suoni sono marci, approssimativi e raffazzonati, e stanno insieme solo grazie a una produzione più moderna e ficcante. Il testo è probabilmente un bozzetto di qualcosa scritto da Cronos quando andava a scuola, riciclato poi più volte nei primi anni della band. Già il titolo e il ritornello la dicono lunga, no? Tre minuti sparati a mille senza troppe menate, giusto inframezzati da una sezione mid-tempo che sembra spuntata fuori da un qualsiasi disco dei Bathory o Hellhammer del primo periodo, messa lì un po’ a caso. Assolo innovativo come il sugo della nonna. Insomma, un disastro.

Ma ha anche dei difetti.

Perché tutto questo, se stiamo parlando dei Venom, è manna dal cielo (ops, dagli inferi!) per i fan. Chi se ne fotte dell’innovazione? Chi se ne frega dei tecnicismi? Vogliamo scapocciare, godere e cantare a squarciagola quelle due o tre frasi-slogan – altro che menate filosofiche. Perché quando non hai paura di fare le cose sopra le righe (e i Venom non hanno mai avuto questo timore) sei talmente oltre da asfaltare tutto e tutti con un semplice “ma vaffanculo!”.

Dovremmo imparare da loro e tornare a essere così: semplici, diretti, veri, goderci la vita e mandare a quel paese senza troppi mezzi termini quello che ci rovina la giornata.

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Violet Grohl: 595

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Max Zarucchi

Ad aggiungersi all’infinita lista dei “figli di” che si approcciano alla musica, tocca oggi a Violet Grohl, il cui padre è sì quello che riempie le arene con i Foo Fighters, ma per i più vecchietti era il batterista dei Nirvana, e già solo per questo nell’Olimpo della musica alternative.

Quindi, quali possono essere le coordinate stilistiche di Violet? Che tra l’altro – curiosamente dato le scornate che si sono dati negli anni Courtney Love e Dave – porta il nome di uno dei singoli di maggior successo delle Hole. Dicevamo: che potrebbe cantare? Ma è ovvio! 595 regala un indie rock grungettoso, patinatissimo (siamo pur nel 2026, e comunque non ce la vediamo reduce da un’adolescenza difficile, a dormire sui divani di chi capita e tirando a campare come può), efficace e di sicuro effetto. Certo, manca completamente l’urgenza, è tutto tremendamente studiato e instagrammabile, ma non si può negare che nel suo DNA ci sia quel talento che fa creare melodie magari banali ma totalmente irresistibili.

Probabilmente sparirà presto dalle scene, come è successo a tanti altri figli d’arte che negli ultimi anni si sono tolti lo sfizio di fare il verso a mamma e papà, ma questo singolo vi terrà piacevolmente compagnia qualche giorno, garantito. Ma mettetele il like, mi raccomando, sennò magari l’hype scende!

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Il gioco di parole è servito su un piatto così irresistibile che non possiamo sottrarci. E allora chiamateli NeurIsis! Sì, stiamo parlando del ritorno dei Neurosis con Aaron Turner al posto di Scott Kelly, e dobbiamo ammettere che il cambio della guardia non ha lasciato strascichi qualitativi, anzi.

E per non perdere il flow con i suoni pesanti, ecco anche le aggressioni all’arma bianca dei Crouch, il post-hardcore matematico degli Hammok e l’HC per niente post ma che si accontenta di fare 2+2 = 99 come Dio comanda dei Twenty One Children.

I Bronco Forte invece prendono sul serio (ma non troppo) tutta la storia dello stoner/hard rock e lo stesso fanno i Midniter con il glam. Mentre i Requiem in White riportano in auge un certo deathrock romantico made in U.S.A. ‘80 e i Cootie Catcher onorano la tradizione indie rock a doppia coppia.

Dall’Italia, Madame conferma che mainstream e musica di pregio possono andare comodamente a braccetto e Elli De Mon allunga la coda del suo ultimo album con un singolo che – oltre a essere superbo – si aggancia anche a un progetto speciale che vi invitiamo a sostenere.

Bronco Forte: Lightning Scar

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Simone Fiorucci

Esiste un tipo particolare di ambizione che non si annuncia con discrezione, ma con un sopracciglio alzato e una macchina del fumo a pieno regime. Lightning Scar, title track dell’imminente esordio dei Bronco Forte, si muove esattamente su queste coordinate: epica e pathos senza troppa etica autoreferenziale – anzi, con quel tanto di autoconsapevolezza che basta per non prendere troppo sul serio il proprio stesso mito, sfregiandogli il volto con un’ascia per poi spacciare la cicatrice per un mezzo sorriso sotto cui seppellirlo.

A tal proposito, partiamo quindi subito dal video, che meriterebbe un piccolo saggio a parte. Immaginate Vikings. Ora immaginate che tutta la serie sia diretta con il senso del ritmo di uno sketch di Benny Hill e disegnata da uno studente di belle arti in fissa con Sin City, ma con i colori sbagliati. Aggiungete un retrogusto leggero di Game of Thrones, azzerate il budget, raddoppiate l’entusiasmo e convincete quattro attori improvvisati a buttarsi nella parte senza riserve. Il risultato è una sequenza di pose eroiche, inseguimenti sospettosamente veloci, quasi-incidenti e la costante sensazione che da un momento all’altro qualcuno possa guardare in camera e chiedere: “Scusate, tutto ‘sto casino e nemmeno un drago?”. Parodia per caso o per progetto – difficile dirlo, e francamente irrilevante.

Per il resto, il pezzo si costruisce su una tensione a lenta combustione, con chitarre che si muovono in cerchio come sistemi meteorologici che hanno letto troppa narrativa fantasy, mentre la sezione ritmica tiene tutto in una presa salda, quasi cerimoniale. Quando arriva il ritornello, o il bridge, sono più presenza che evento. C’è una fisicità precisa, la sensazione di una zavorra che viene spostata da un punto all’altro, come trascinare una storia in salita e, tutto sommato, godersi lo sforzo.

Quello che conta è che la canzone sopravvive al caos visivo – anzi, ci prospera dentro. Il contrasto funziona. La musica resta impassibile mentre tutto attorno minaccia di trasformarsi in una chat medievale degenerata. Questo conflitto tra rigore e spettacolo diventa parte del fascino: un brano che regge il proprio fardello solenne e, allo stesso tempo, sembra sapere che la cosa può davvero far ridere.

C’è dello stoner, e tanto hard rock. I Kyuss e un po’ di Soundgarden che sembrano gli Alice in Chains – ovvero (come volevasi dimostrare) tutta gente che ha ascoltato parecchio i Black Sabbath e si è fermata in tempo, e cioè prima di finire ad apprezzare i Blind Guardian. Un mix sincero senza essere grave, teatrale senza crollare sotto il peso dei propri gioielli di scena, che insinua un dubbio salvifico: forse la grandeur merita una seconda occhiata. Non per smontarla – giusto per rimetterla a fuoco con leggerezza, senza per forza cadere nel baratro del ridicolo (Nanowar of Steel l’avete detto voi, io l’ho solo pensato).

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Cootie Catcher: Straight Drop

Genere: 🎸Rock

di Manuel Graziani

Mai stato a Toronto, ma sono (orgogliosamente) abruzzese. E il capoluogo dell’Ontario conta circa ottantamila miei corregionali. Di fatto è il secondo agglomerato urbano popolato da abruzzesi dopo Pescara. Pertanto, ogni qualvolta incappo in un gruppo che arriva da quella fiorente scena, faccio il giochetto di controllare i nomi dei componenti alla ricerca di un Di Marco, un Di Francesco, un D’Alessandro. Spesso trovo quel che cerco e me ne compiaccio.

In questo caso mi è andata male. Così, a naso, non credo che Anita Fowl (voce e basso), Sophia Chavez (voce e synth), Nolan Jakupovski (voce e chitarra) e Joseph Shemoun (batteria) abbiano mai mangiato un arrosticino in vita loro. Men che meno parkato lu car. Ma va bene lo stesso perché in Straight Drop – il singolo più rappresentativo del recente Something We All Got su Carpark Records – i Cootie Catcher onorano al meglio la consolidata tradizione indie rock della doppia coppia.

Il tempo del pezzo è sostenuto da una batteria frizzante e per niente scontata, qualche suonetto glitch sullo sfondo che pennella la contemporaneità, una chitarra spontanea dall’interessante singhiozzo ritmico e la voce di Anita Fowl come quella che ci si può aspettare da una buona confidente.

Nel testo viene rappresentato il senso di frustrazione e vulnerabilità che abbiamo tutti quando ci troviamo nei posti sbagliati, banalmente anche sull’autobus. Un tema universale trattato al ritmo dell’indie rock.

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Crouch: Lhotse

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

Prima o poi tutto questo dovrà finire. Perché sinceramente l’utilità dell’ennesimo videoclip fatto con l’AI sfugge a chi, nella musica, vede al centro l’essere umano, la sua arte, la sua espressività. È comprensibile che in un mondo basato oramai sulle immagini certe band vogliano accompagnare i loro brani non con un’immagine fissa ma con qualcosa in movimento, ma diamine, a questo punto mille volte meglio una cosa semplice, fatta in casa e a costo zero come una Transilvanian Hunger qualsiasi: perlomeno è reale.

È un peccato, perché questo nuovo singolo dei Crouch – side project dei grandi Wiegedood – è davvero piacevole. Apripista di Breaking the Catatonic State, fa dell’aggressione all’arma bianca disperata e sincopata il suo punto di forza, grazie a un’esecuzione chirurgica ma non asettica e a un songwriting efficace e convincente, pur rimanendo nelle medesime coordinate delle uscite precedenti.

Solo che, con un video simile, il tutto viene sminuito – ingiustamente: la prossima volta, piuttosto, meglio uno sfondo nero con i testi.

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Elli De Mon: Monte Orco

Genere: 🪕Folk 🎸Rock

di Bizarre

Un singolo nuovo per Elli De Mon, che è innanzitutto un progetto speciale da sostenere: il ricavato della vendita del prodotto verrà infatti devoluto a due associazioni (L.A.I.G.A. e CiaoLapo) che si dedicano a un tema delicato e sentito come l’interruzione volontaria (e non) della gravidanza. Il sostegno all’aborto si può esprimere acquistando il 7 pollici in questione, che viene pubblicato anche in versione deluxe con uno scritto della stessa Elli, intitolato Manifesto – La Montagna parla per noi, illustrato dall’artista Silvia Gavasso.

Ma veniamo alla musica. Il pezzo portante di Grembo de Pria è Monte Orco – dalla località del Veneto di cui Elli è originaria. Cantato in dialetto, con un testo ispirato a leggende del posto che parlano di mostri e maledizioni, è un pezzo in linea con il suo ultimo album, Raìse, e dello stesso (elevato) livello qualitativo. L’impianto iniziale è ovviamente folk, anche se alla base di chitarra e percussioni si affianca un tappeto elettronico; ma il bello arriva quando irrompe la violenza della chitarra elettrica con un riff deflagrante, che conferisce al brano, fino a quel momento misterioso e inquietante, una potenza inusitata e una notevole originalità.

La B-side, Late bianco, che non sarà comunque disponibile in streaming ma solo sul suddetto vinile, è meno estrema nel sound ma non priva di fascino. Si regge su un incessante drone luminoso (forse una fisarmonica) e ha il tipico andamento della ballata folk, semplice e iterativa – la voce di Elli è un valore aggiunto.

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Hammok: The Scene

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Look How Long Lasting Everything Is Moving Forward for Once era qualcosa di più che interessante poiché si poneva al centro di mille dubbi: gli Hammok sono emocore? Metalcore? Mathcore? Alternative rock (un po’ troppo) irrequieto? Un po’ tutto questo e un po’ niente.

Il copione dei norvegesi si stacca da ogni riconoscibilità, nonostante nel loro sound vadano a confluire tante di quelle influenze da poterci scrivere un ricettario che Barbieri spostati proprio. Ecco: è una di quelle realtà in cui le venature sono intarsiate in un mosaico talmente particolare da generare un corpo nuovo. È sufficiente dare uno spin a The Scene per spiegare la cosa: un anthem incazzatissimo e caloroso, esattamente come “la scena” hardcore che decanta e onora, ma che di hardcore ha “solo” l’imminenza, il ruggito, la ferraglia che stride violentemente contro il mondo.

Il resto è una pallottola calibro 35 perfettamente levigata, la cui polvere da sparo è un trito di emozione accorata, sputata tramite le vie dello screamo, ma lasciata brillare da un riffing che aggancia i Touché Amoré all’alternative rock schizoide, matematico, fuori di capoccia degli University di Curwen. È post-hardcore che indossa il vestito buono della melodia, è rock che a tratti pare più metal di altro presunto metal, è punk che ha preso l’ascensore verso il livello successivo. Sargent House gli ha aperto le porte di casa, ci sarà un motivo no?

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Madame: Disincanto

Genere: 🌟Pop ⚡Electro

di Fabio Piccolino

Nel macro-cosmo del pop italiano, Madame rappresenta una bella eccezione. Pur essendo un’artista prevalentemente mainstream, infatti, si è sempre distinta per una scrittura preziosa e un’identità molto forte e, pur con le inevitabili concessioni al mercato, si è ritagliata un solido spazio di credibilità, costruita attraverso originalità e sostanza, mostrando che nel nostro paese è ancora possibile fare musica pop di qualità.

Conferme che arrivano con Disincanto, nuovo brano a tre anni di distanza dal concept-album L’amore, a dimostrazione del fatto che per fare le cose bene ci vogliono i tempi giusti.

«Io non vivo più / con sotto le istruzioni» canta Madame nelle prime note, per affermare con forza la necessità di uscire dalle regole, di liberarsi dalle imposizioni, di non seguire le aspettative. Una fuga alla ricerca della realtà che non segue una meta e che non trova risposte, quanto piuttosto un punto di rottura da cui ripartire. Madame la interpreta con intensità mentre l’atmosfera rimane sospesa, provvisoria, grazie all’ambiente musicale visionario prodotto da Bias, Mr. Monkey e Lester Nowhere, rivelando tutta la fragilità che fa da contraltare ai cambiamenti, tra bisogni che diventano necessità e la paura di abbandonare se stessi («Cosa resta di me? / Un’anima nel nulla»).

Un nuovo inizio che fa da abbrivio a un’avventura ancora da esplorare, umana e musicale: sarà interessante osservarne la direzione.

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Midniter: Sugar Man

Genere: 🎸Rock ⚡Electro

di Max Zarucchi

La differenza tra il consumismo e le dipendenze (dalle droghe, dall’alcool, dal gioco, dal sesso, dal potere) è sottilissima. Perché sono due mostri che si autoalimentano in continuazione. Lo sanno bene quelli dei piani alti, motivo per cui ogni volta qualcuno cerca di uscire dai binari prefissati per vivere più umanamente viene bacchettato e non poco.

Un discorso simile è il perno attorno al quale ruota questa Sugar Man, nuovo singolo dei Midniter che, affogando un beat bradipamente ballabile (very anni Ottanta) in una piscina zeppa di lustrini (probabilmente recuperati in qualche baule dei Seventies), riesce a sputare in faccia all’ascoltatore un concetto altrimenti difficilmente digeribile. La voce doppiata di Nic Pugh è il mantra ipnotico che rapisce e stordisce, mentre i synth lavorano in armonia, pronti a colpire di sorpresa l’ascoltatore rovesciando il tavolo delle convinzioni sonore e liriche: come se Marc Bolan resuscitasse oggi, fosse arrabbiato quanto basta e avesse trovato sul tavolo un Roland. Nel senso: è sì arrabbiato, ma è pur sempre glam.

La fascinosità strisciante unita al concept tutt’altro che frivolo prende vita nel videoclip di Paul Juan, per una volta vero e proprio compendio al brano piuttosto che un riempitivo a sé, ciliegina sulla torta di un singolo davvero piacevole ed efficace che se fosse passato su MTV nel 1997 avrebbe fatto faville.

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Neurosis: Last Light

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Dal Vangelo secondo i Neurosis – 20 Marzo 2026. La band pubblica un post dicendo, fondamentalmente: “Bene, con noi adesso c’è Aaron Turner e oggi, in occasione del solstizio di primavera, esce il nostro nuovo disco”. Niente annunci, niente rumors, niente balle. “Ecco il disco di una nuova rinascita, godetevelo”. Basterebbe questo per far esaltare come mufloni imbizzarriti tre quarti (almeno) del pubblico (post) metallofilo, se non che il disco, appena lo metti su, ti fa rendere conto che si tratta di roba fottutamente seria.

I Neurosis sono praticamente uno di quei gruppi che, almeno nel metal estremo, sono diventati unità di misura. E chi non lo sa è solo perché non lo sa ancora. Quarant’anni di carriera, una discografia che ha praticamente codificato il lessico dello sludge e del post-metal in generale, creando una mandria infinita di epigoni, più o meno efficaci. Eppure solo loro – forse anche solo nel nostro immaginario forzatamente gerarchizzato – hanno quella capacità quasi irritante di trasformare il peso in visione, il riff in paesaggio mentale, la disperazione in esperienza collettiva. Poi è arrivata la frattura: l’uscita di Scott Kelly, dopo le sue ammissioni di abusi domestici, ha segnato uno spartiacque umano e artistico che sembrava aver chiuso definitivamente la storia del gruppo. Il ritorno con An Undying Love for a Burning World, dieci anni di vuoto discografico dopo, ha quindi il sapore di qualcosa di molto più delicato di una semplice reunion: è il tentativo di rimettere in piedi un linguaggio, di sancire chi ha ancora lo scettro nelle proprie mani. E (forse spiace un po’ dirlo, ma è così) l’ingresso del mastermind degli Isis al posto di Kelly ha fornito un magma che il precedente frontman si era dimenticato di avere. Benvenuti, dunque, ai NeurIsis.

Dentro un album di otto brani e poco più di un’ora di durata, Last Light occupa il posto che nei Neurosis conta davvero: quello della chiusura-monolite, della traccia finale che deve raccogliere le macerie, rilanciare il senso del viaggio e lasciare l’ascoltatore con addosso una specie di febbre terminale (citare Stones from the Sky come metro di paragone sarebbe ingiusto). Il pezzo dura quasi diciassette minuti e segue a nastro In the Waiting Hours, altro macigno da pelle d’oca (e lo diciamo con ancora altre perle in mente – per esempio Blind). Insomma, Last Light funziona proprio perché sembra contenere tutto quello che rende i Neurosis una religione per iniziati: sludge pachidermico, aperture post-rock, pulsazioni industriali, una tensione spirituale corrosa dall’ansia del collasso.

Magari senza la poesia atmosferica di Eye of Every Storm, magari senza la rabbia di Times of Grace o la potenza esoterica di Through Silver in Blood, o la genialità di A Sun That Never Sets, ma qui c’è roba che scotta. Eppure la cosa che colpisce davvero è che si riesce a evitare l’effetto mausoleo. C’era il rischio di ritrovarsi davanti a un disco gravato dal proprio passato, ingessato dalla propria importanza storica, schiacciato dal trauma che lo precede. Invece, arrivati alla fine di questo ascolto, Last Light lascia la sensazione opposta: quella di una band che ha ancora accesso al proprio centro nervoso, che sa ancora scavare nel fango cosmico che da sempre è il suo habitat naturale, che ci ricorda che “il disco di mestiere” può anche essere “un grande disco di mestiere”: enorme, desolato, lucidissimo, abbastanza vivo da far capire che i Neurosis, anche dentro la cenere, sanno ancora trovare una forma per il fuoco. E sanno ancora amare, senza fine, quel mondo che brucia.

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Requiem in White: Reckless in Misery

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Max Zarucchi

Ci sono delle sorprese che possono far svoltare la giornata a un amante della musica. Mettiamo che la persona in questione porti nel cuore quell’ondata goth chitarristica e sognante proveniente dagli U.S.A. a cavallo tra gli anni ‘80 e ‘90, quella scena deathrock meno aggressiva e più romantica, con quelle chitarre liquide figlie dei Mephisto Walz, dei Faith and the Muse e cose simili. Ecco allora che ritrovare oggi, in un giorno monotono di fine febbraio, un nuovo – inaspettato – singolo di quelle vere e proprie leggende che erano (anzi, sono!) i Requiem in White non ha prezzo.

Le ristampe dello scorso anno devono aver riacceso qualcosa nei membri della band, e se ciò che ci fa intuire questo nuovo singolo sarà presente su tutto il nuovo album, a scatola chiusa si può benissimo dire di trovarsi di fronte al disco – perlomeno nel genere – dell’anno.

La band non scimmiotta ciò che fu: semplicemente prende tutto ciò che era e lo trasporta ai giorni nostri, con una grazia e maestria che dovrebbero fare scuola. Non c’è nostalgia o amarcord nelle note di Reckless in Misery, ma il riappropriarsi di un posto d’onore nel gotha dell’american goth che per troppo tempo era rimasto vuoto. Musica suonata, melodie fantasiose con arrangiamenti non banali, voci vere senza filtri, chorus a colazione.

Gli dei sono tornati, buttate dalla finestra tutta la fuffa (di cui molta creata con l’AI – e vi stupite pure…) per nerovestiti che avete accumulato negli ultimi anni cercando qualcosa di valido: fate spazio ai Maestri.

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Twenty One Children: 99

Genere: ✊Punk

di Manuel Graziani

Il mini After the Storm è uscito a dicembre sull’etichetta americana Slovenly Recordings, che a inizio 2025 li aveva fatti esordire con un EP in vinile 7” Ma il video di 99 è disponibile solo da qualche giorno. Ed è una bomba dall’ambientazione ed estetica rap e dalla sostanza hardcore punk. Una fiammata di un minuto e cinquantotto secondi che proietta il giovane trio di Soweto nel pantheon che ospita Bad Brains, Circle Jerks, Black Flag e gente di tale risma.

«She hates working her 9 to 5 / She likes working on 99 / She puts all her work aside / She dances next to deadline»: sono i versi iniziali del pezzo, che tratta il tema dello sfruttamento sul lavoro, dei padroni con la brutta abitudine di aspettare fino all’ultimo minuto per far svolgere il lavoro, instillando una pressione insopportabile sui subordinati.

I Twenty One Children provengono dalla sottocultura skate punk di Johannesburg, che da quelle parti è una forma di resistenza, non una roba da fighetti. Il curioso nome ha più di un significato. La band è nata il 21 febbraio 2023. Il cantante Abdula Skink insegnava in una scuola per bambini autistici, dove aveva 21 alunni in classe. Il chitarrista Thulasizwe “Thula” Nkosi ha trascorso 21 giorni in un manicomio.

Che spaccino HC punk politico e sociale è una naturale conseguenza. Sul Tubo c’è un video del live al Thula’s di Soweto del 30 agosto 2025, nel quale i Twenty One Children suonano assieme ad altri gruppi e ai bambini dell’orfanotrofio Hope for the Hopeless. Un piccolo-grande concerto autogestito per l’evento benefico Feed the Needy.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

• Wall of Voodoo: vivere e suonare a Los Angeles

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• Accendete la TV, ci sono Jehnny Beth e Mike Patton! E poi ascoltate il resto: dal ritorno degli Ausgang a quello dei Poison the Well

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Due che delle collaborazioni hanno sempre dimostrato di non saperne fare a meno (anche perché son bravissimi a scegliersele) era inevitabile che si ritrovassero insieme, prima o poi. Ecco, meglio prima che poi: le voci (e non solo) di Savages e Faith No More hanno finalmente unito le forze, ed è un bel sentire. Così come, del resto (anche se con meno hype attorno), lo sono gli Underground Youth con Sade Sanchez: shoegaze di qualità e canto da sirena, what else?

Sirene (ma quelle nere) omaggiate anche dai redivivi Ausgang, e riportate in auge dal bedroom pop di After Louise e dal kraut post-rock dei Clâm.

Il resto, invece, va a colpire duro. Dal post-Carnivore aggiornato a questo anno Domini, alle atmosfere sghembe e pesanti dei Failure, passando per quel che sono i Poison the Well quasi vent’anni dopo l’ultima volta che li avevamo sentiti. Per arrivare, infine, all’industrial tagliente di Bong-Ra (uno che dal nome ricorda dolci fumate di peace & love giamaicana, ma invece ti sputa in faccia un getto di pece nera bollente), all’eclettismo techno di A-Tweed, uno dei nostri producer più talentuosi (e, purtroppo, meno celebrati).

A-Tweed: Dixan Cheap Tune

Genere: ⚡Electro

di Bizarre

Dietro il moniker A-Tweed si cela il producer elettronico romano Antonio De Oto, che ha esordito su album lo scorso anno con l’ottimo Spring Music. A pochi mesi di distanza eccolo di ritorno con un EP che ne conferma grosso modo la cifra stilistica e soprattutto le qualità di scrittura. Una scrittura estremamente eclettica, che riprende più o meno i suoni dell’epoca IDM, ma ne offre una versione estremizzata, come nell’Aphex Twin più acido o nella seconda produzione degli Autechre, facendola poi collidere con le tendenze più percussive degli ultimi anni.

Dixan Cheap Tuning – che apre le danze e può essere considerato il brano di riferimento dell’EP – potrebbe essere definito minimal dubstep, poiché se è vero che nasce su un’astratta base di techno minimale, il suo sviluppo si snoda tra inserti di dub gommoso e insinuanti suoni di disturbo che in un crescendo parossistico sfiorano atmosfere sampladeliche. KrautTxeepToon rivede le coordinate del pezzo in un mood electro più armonioso e legato (e con un beat più regolare e insistito, da cui la citazione del termine kraut nel titolo), ma non per questo mancano gli inserimenti nel sound di imprevedibili sonorità complementari, che creano un effetto sorpresa continuo e circolare.

Da segnalare nell’EP la presenza di tre remix, due a cura di Toulouse Low Trax e uno di Kamoun.

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After Louise: Fine

Genere: ⚡Electro 🌟Pop

di Giampiero Pelusi

Se si fa una ricerchina sui social, After Louise potrebbe sembrare il solito prodotto partorito dalla stramaledetta liaison tra visuals e reel da scrolling ossessivo: eppure il dito si muove lentamente quando, in mezzo ad Arturia Minilab e Novation Launchkey che imperano sul pavimento di una cameretta, i loop dell’artista si smarcano da qualsiasi idea di video usa e getta, di musica pronta per essere subito bruciata come file cache.

Il bedroom pop che diventa grande: Fine è, a tutti gli effetti, un pezzo che viene fuori dal circolo social e conferma la bontà di quello che avevamo ascoltato, incastonato tra controller midi, dita ispiratissime e una voce interessantissima. Kick semplici, synth ondulati e un basso funkettone che incolla alle cuffie: trascina come le “correnti” electro-psych-funk dei Tame Impala, andando a toccare e a rubare qualche ciottolino dalle coste stravaganti e colorate dei Magdalena Bay, nonostante un ancoraggio importante al lo-fi e ai suoni ammantati.

Insomma, groove a pacchi e scosse telluriche zona bacino: non male per un progetto nato da una manciata di loop riecheggianti in meno di dieci metri quadri.

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Ausgang: She-Gang

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Max Zarucchi

Ritornano in grande spolvero gli Ausgang, leggende underground del positive punk inglese dei primi anni Ottanta (catalogati poi come death rock o goth negli anni seguenti, un errore storico che ci può stare in fondo).

Lo fanno con She-Gang, un brano non tiratissimo che fa del suo incedere sincopato il punto di forza. Sezione ritmica essenziale ma fantasiosa, chitarre spettrali a segnare il passo, voce alienata ma non grottesca: sembra uscito nel 1983 eppure suona così fresco e attuale, a riprova di come certi suoni riuscirono a essere senza tempo, pur nella loro semplice tribalità. Suoni che vengono dai sobborghi, lontani sia dalle campagne bucoliche sia dai centri frenetici: quella terra di nessuno dove il grigio è imperante e basta una canzone per cambiare – in peggio o in meglio, a seconda delle appartenenze – radicalmente la giornata.

Innovativi? Manco per idea: questo suono hanno contribuito a crearlo in prima persona più di quarant’anni fa – nessun motivo di cambiarlo o di piegarsi alla moda imperante della cassa in 4/4 ballabile con duemila basi.

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Bong-Ra: Duality of One

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

L’olandese Jason Köhnen sembra aver accelerato il passo ultimamente. Fondati i Bong-Ra nel 1997, ha lasciato sempre spazio tra un album e l’altro, probabilmente anche a causa delle proprie infatuazioni musicali che hanno traghettato il progetto dal breakcore passando per il doom fino ad arrivare a un post-metal in cui confluiscono influenze industrial e sludge.

Se l’album del febbraio scorso aveva preso a schiaffi l’ascoltatore medio ignaro, Esoterik (marzo 2026) è il colpo finale che manda K.O. chiunque. Basti ascoltare Duality of One, dove il Nostro riscrive nuovamente la sua versione personale del metal aggiungendoci un pizzico di Godflesh affogato nell’electro.

Opprimente eppure affascinante, il brano inchioda al muro per quasi cinque minuti senza mostrare un benché minimo briciolo di pietà nei confronti di chi ascolta. È un getto di pece nera bollente riempita di pezzi di vetro e metallo tagliente quello che arriva addosso, senza possibilità di scampo.

Roba simile è più nera di molte uscite black metal attuali: poca forma e molta sostanza. Bong-Ra ha nuovamente cambiato pelle, trasformandosi nell’angelo della morte più scintillante che il vostro cielo abbia mai visto. Siete avvertiti.

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Carnivore A.D.: Social Decomposition

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

Quando un tributo smette di essere tale? Quando utilizzare un moniker storico diventa un sacrilegio? E soprattutto, quando portare avanti un progetto nato come momentaneo diventa troppo? Non è facile rimanere obiettivi, ma meglio fare un passo indietro.

I Carnivore sono stati una band seminale del crossover americano di fine anni Ottanta: due album letali che hanno dato al loro frontman Peter Steele la spinta per formare poi gli altrettanto influenti (e irripetibili) Type O Negative.

I Carnivore A.D. nascono come tributo a Steele e a Keith Alexander in seguito alla loro morte, per volere dell’unico membro superstite, il batterista Louie Beateaux. Una serie di concerti “in memoria di” (un po’ come quelli che le varie lineup dei Death stanno portando in giro da qualche anno) e anche il posto dietro le pelli si libera, non prima però di aver dato la benedizione agli altri invitandoli a continuare.

Ora: qualcuno ha rubato qualcosa? Non sembra. E dato che le sonorità di questa prima uscita di inediti sono palesemente prese da quelle che segnavano gli album dei newyorkesi, il nome va pure bene. Tanto c’è l’anno Domini, no? Perché se si ascoltasse il pezzo senza preconcetti, il verdetto sarebbe semplice, ovvero che Social Decomposition è una bomba: suonata, composta, arrangiata come se lo spirito originario della band madre si fosse risvegliato oggi.

Ecco allora che operazioni simili hanno forse più senso di chi vuole maldestramente negare le proprie influenze: qui è tutto nero su bianco, con tanto di benedizione di chi c’era. Per una volta, godersi la musica senza troppe menate è probabilmente la cosa migliore da fare.

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Clâm: Outside

Genere: 🎸Rock

di Simone Fiorucci

C’è qualcosa di silenziosamente sospetto in qualsiasi canzone intitolata Outside. Fa pensare a movimento, aria fresca, magari a un upgrade esistenziale in salsa bio. I Clâm prendono questa promessa e la maneggiano con la diffidenza di chi ha già capito come funziona: mica un passo trionfale verso il mondo, una porta che si apre a metà, piuttosto – una pausa, e la netta sensazione che là fuori qualcuno (o qualcosa) ti abbia già messo a fuoco. E non necessariamente con buone intenzioni.

Per niente un caso, del resto, se questo singolo arriva da un debutto che si rivela una piccola lezione su come si costruisce un ecosistema sonoro credibile senza riempire tutto lo spazio disponibile. Il disco omonimo, infatti, è una specie di derviscio in rotazione continua: basso motorik da Autobahn (vengono da Francoforte e si sente), implosioni psych fuzz e chitarre folk terrose si intrecciano sotto una coltre di synth ambientali leggeri, che si muovono e si disperdono come fumo industriale messo lì a nascondere un’Americana sedotta e abbandonata da Morricone. È musica che non si limita a suonare: organizza relazioni tra strumenti, texture e atmosfera con una lucidità quasi didattica, ma senza mai diventare didascalica.

Dentro Outside questa logica si sente tutta, anche in scala ridotta. La voce di Michelle Blythe gioca una partita fondamentale proprio su una deserta zona di confine. Rimane neutra, calibrata, sospesa: non cerca l’urgenza, ma non si rifugia nemmeno nell’astrazione. Sembra invece valutare, momento per momento, se valga la pena esporsi o restare dov’è. Anche perché – a livello lirico ancor prima che sonoro – “fuori” smette presto di essere un luogo e diventa una condizione. Uno spazio meno filtrato, meno controllabile, dove anche i gesti più semplici si caricano di significato. C’è una consapevolezza sottile che attraversa tutto il brano: uscire non è libertà, è visibilità. E la visibilità, si sa, ha sempre un prezzo.

L’arrangiamento sostiene questa tensione evitando accuratamente di trasformarla in un manifesto. Gli elementi entrano ed escono con discrezione, costruendo una trama che resta stabile eppure in nessun momento del tutto risolta, a conferma delle intenzioni di un collettivo interessato a mappare stati interni su paesaggi esterni prima che a spettacolarizzare il processo stesso.

Alla fine nulla si chiude davvero, ma qualcosa si sposta. La porta resta aperta. L’esterno resta lì. E il pezzo ti lascia esattamente su quella soglia, dove andare avanti o tornare indietro paiono opzioni ugualmente sensate – e, soprattutto, ugualmente compromettenti. D’altronde, tutto è relativo, e il “fuori” del fuori cos’altro è se non il dentro?

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Failure: The Air’s on Fire

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Davide Romagnoli

I Failure hanno sempre occupato una zona precisa e preziosa del rock alternativo americano: quella delle band adorate da musicisti (chi ha detto Maynard?), critici, ascoltatori compulsivi – gente cresciuta a pane, fuzz e dischi consumati fino all’usura (e poi, naturalmente, ricomprati). Band che hanno lasciato un segno profondo senza mai trasformarsi in fenomeno da copertina permanente, insomma.

Nati a Los Angeles nei primi anni Novanta attorno a Ken Andrews, Greg Edwards e Kellii Scott, hanno costruito una grammatica sonora personalissima, sospesa tra alternative rock, space rock, grunge tossico e metallizzato e psichedelia compressa. Certo, Fantastic Planet resta il loro monumento, ma il vero punto è un altro: i Failure continuano a pubblicare musica con una lucidità e un peso specifico che molti loro eredi ancora inseguono.

The Air’s on Fire, nuovo singolo estratto da Location Lost, in uscita ad aprile, riapre subito quella faglia emotiva e sonora che la band conosce a memoria. E non possiamo che sentirci di nuovo “a casa” e gioire di questo pezzo che farà – ancora una volta – la felicità degli aficionados dei late Nineties.

Il pezzo avanza in una nube densa di riverberi, pattern canonici post-punk, chitarre sature e tensione controllata, con Andrews che canta come se stesse attraversando una stanza piena di fumo e memoria, riprendendo infatti l’esperienza legata a un intervento chirurgico e al disorientamento del risveglio post-operatorio che l’ha visto coinvolto. C’è atmosfera, c’è massa, c’è quella loro classica sensazione di instabilità sospesa che rende ogni passaggio quasi fisico, materico, con una scrittura che resta elegante, pesante eppur soffusa, stranamente ipnotica.

Più che un semplice antipasto, The Air’s on Fire è ciò che volevamo: i Failure conoscono ancora perfettamente il modo di far pesare una canzone, di farla respirare male, di farla restare addosso. Per chi li ama da sempre, terreno fertilissimo. Per chi arriva adesso, ottimo punto d’ingresso nel loro universo sghembo e magnetico.

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Jehnny Beth (feat. Mike Patton): Look at Me

Genere: 🎸Rock ⚡Electro

di Giampiero Pelusi

Avessi giusto un decimo della poliedricità di Jehnny Beth, sarei probabilmente capace di replicare l’assolo di Tornado of Souls mentre con l’altra mano cucino il miglior filetto alla Wellington che abbiate mai mangiato. Simpatici scenari a parte – altamente improbabili, eh: il massimo che mi potrei concedere è ascoltare (piangendo) un disco di Elliott Smith mentre riscaldo della pasta col tonno – l’artista francese ha ampiamente dimostrato tutta la sua versatilità nella diversificazione dei talenti. Ma parlando in ambito prettamente musicale, la prova risiede nella miriade di collaborazioni (tutte azzeccatissime) messe su negli ultimi anni: dall’album condiviso con Bobby Gillespie ai featuring con Sextile e IDLES, fino ad arrivare ad assoldare un semidio come Mike Patton nell’ultimo, nevrotico singolo.

Se You, Heartbreaker You risuonava rabbia e distorsione Savages, Look at Me si pone a metà strada tra quest’ultimo e il debut per un ibrido mid-tempo di tensione industrial rock: serpeggia tra angoscia synth futuristica e biforcazioni vocali, ingrossa la sua stazza progressivamente, fagocitando Nine Inch Nails e Marilyn Manson tra storture noise, distensioni di trip hop cibernetico, flash chitarristici – Johnny Hostile ormai fido axeman della Beth – che segano l’aria e girano come elettroni impazziti sui kick metallici, pulsanti come un cuore che pompa ferro fuso.

Sbuffi meccanici ed erotismo diffuso, solitudine e malleabilità dell’animo: Jehnny Beth si veste da Travis Bickle e impersona l’instabilità, Mike Patton è il predicatore in un attacco senza fronzoli ai fenomeni dell’ostentazione, ai trendsetter che annientano il pubblico “debole”, agli inculcatori di presunte verità che girano con le tasche piene di quattrini e la videocamera perennemente sparata in faccia. Ecco, piuttosto che guardare loro, osservatevi dentro: siete migliori di questa gentaglia.

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Poison the Well: Everything Hurts

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Per chi si fosse perso il loro andazzo, i Poison the Well appartengono alla categoria delle band che hanno cambiato davvero qualcosa nel linguaggio pesante, pur restando lontane dalle liturgie più comode del mainstream. Nati a Miami alla fine degli anni Novanta, hanno attraversato metalcore, post-hardcore, screamo e caos melodico con una naturalezza che per molti altri è rimasta un miraggio. O un semplice colpo di cul… ehm, fortuna. Oggi, a distanza di anni, il loro nome continua – un po’ come quello dei Converge – a pesare come una firma lasciata sui muri del genere. L’annuncio di Peace in Place, primo album in studio in diciassette anni, aveva già il sapore dell’evento e dopo il primo singolo, Thoroughbreds, anche Everything Hurts conferma che il fatidico ritorno ha ancora sangue che scorre nelle vene. Di quello giusto, naturalmente.

Il pezzo mostra, rispetto al primo singolo, un lato più avventuroso e stratificato della band, con una scrittura che tiene insieme l’abrasione e lo strappo del post-hardcore, l’apertura melodica di certi Deftones e una strana lucidità emotiva di un alternative metal più da chart americana. L’emotività non è più (come è ovvio che sia) quella degli adolescenti incazzati e insofferenti che non vedevano l’ora di spaccare le loro televisioni, ma di uomini di mezza età che sanno, in un qualche strano modo, che tutto fa ancora un po’ male.

La cosa migliore da percepire, dopotutto, è che i Poison the Well suonano ancora come una band che conosce il valore del rischio di ripresentarsi alla generazione successiva. Nessun compitino da reduci, nessuna autocelebrazione da veterani con il catalogo sottovuoto. Everything Hurts ha il passo di chi sa da dove arriva e ha ancora voglia di complicarsi la vita, che per questo tipo di musica resta il complimento più serio possibile. Per chi li ha amati negli anni di The Opposite of December… e You Come Before You, c’è parecchio da ritrovare. Per chi li incrocia adesso, questo singolo funziona come una porta d’ingresso, ruvida e lucidissima. Il fatto che il disco arrivi dopo quasi due decenni rende tutto più delicato da criticare, più carico d’aspettative, più esposto al grande quesito: se il talento rimane, svanisce o migliora con gli anni (e i capelli) che fuggono?

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The Underground Youth (feat. Sade Sanchez): O’ Evangeline

Genere: 🎸Rock 🎶Altra musica

di Manuel Graziani

Il 31 agosto 1991 ero al Town & Country di Londra a gustarmi il concerto degli House of Love. In realtà “gustarmi” non è proprio corretto perché avevo un febbrone da cavallo ed ero sprofondato nelle poltroncine della galleria. Di sicuro ho pure chiuso le palpebre un paio di volte. Fatto sta che ricordo bene il momento in cui suonarono Christine, il pezzo che apriva l’esordio omonimo del 1988 e che spalancò le porte del mondo alternativo al gruppo guidato da Guy Chadwick.

Perché questa intro? Be’, perché ho avuto un tremendo déjà-vu appena ho ascoltato O’ Evangeline, titolo che è anche assonante.

Il nuovo singolo degli Underground Youth, con il featuring di Sade Sanchez delle L.A. Witch, è un pezzo dreamy shoegaze nel quale la psichedelia viene shakerata con il pop da un barman afflitto da una saudade che se lo porta via.

Il barman, ça va sans dire, è Craig Dyer: frontman del gruppo di base a Berlino, che qui canta, suona chitarre e basso e si è occupato dei meravigliosi arrangiamenti degli archi che paiono scritti apposta con l’obiettivo di abbracciare e accarezzare dolcemente la voce da sirena di Sade.

Per completezza d’informazione, O’ Evangeline è il primo di una serie di singoli che gli Underground Youth pubblicheranno nel corso del 2026. Come spiega lo stesso Craig Dyer: «Evangeline è una delle tante anime meravigliose in tutto il mondo che si oppongono agli oppressori e a coloro che abusano di posizioni di potere. È una figura di protesta, questa canzone è un’ode a lei e a tutti coloro che condividono la sua posizione».

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Questa settimana forse è il caso che facciate scorta di tappi per le orecchie. Per esempio, questa è un’ottima offerta per un bel barattolone da sessanta paia. Sì, perché la selezione di oggi prevede una notevole quantità di decibel da gestire. A partire dai redivivi (termine forse non esattamente centrato, visto che hanno annunciato il loro canto del cigno) Sepultura (o quel che ne rimane), per arrivare agli ennesimi Immolation (da cui sappiamo sempre cosa aspettarci, ovvero Viuulenza!), passando per i Down di Phil Anselmo che omaggiano un grande classico orléanais di Dr. John, i brutaloni nu metal 157frq e i nostri Stormo, alle prese con i fiori ma solo sulla carta.

Ma tranquilli, c’è anche qualcosa di meno movimentato (ma non troppo). Se cercavate i nuovi Litfiba, ecco i Sinezamia. Se vi piace la darkwave alla turca, (ri)ascoltate gli She Past Away. Se il vostro cuore è funk e avete un debole per il sassofono, non potete perdervi Sergio Pomante. Se questo recente articolo vi ha smosso qualcosa dentro, c’è una buona notizia: gli American Football sono pronti con un quarto capitolo.

Un campionato a sé lo giocano infine (ma se non avete vissuto su Marte fino a ieri dovreste già saperlo – anzi, forse anche se avete vissuto su Marte fino a ieri, visto che “marziani” è una descrizione che si addice non poco a questi due) gli Angine de Poitrine, che dimostrano per una volta come non sia tutto e solo hype e pallini quel che luccica.

157frq: Spine

Genere: 🤘Metal

di Giampiero Pelusi

La moda dei prefissi si sta spargendo come un’epidemia nel mondo -core: perché se i 156/Silence non vi dovessero bastare, i 157frq – o semplicemente 157, non è chiarissimo il moniker ufficiale della band – aggiungono un +1 nel numero di riconoscimento e un +1 nel conteggio delle incudini nu metal che ci fanno cadere in testa.

Scurissimi, brutali nel loro killer instinct sonoro, la «heavy music from Midwest» – così titola il loro canale YouTube senza dare troppe info – stritola una Telecaster, tirandone fuori l’equivalente di una ESP seven-string accordata sulle tonalità dell’oblio: Spine rianima il riffing nero corvino di Meegs Rascon e dei Coal Chamber di Dark Days, così come i monoliti ricolmi di angoscia del primo Korn in studio, iniettando il denso succo estrapolato in un pattern che ricorda più il metalcore muscoloso dei Kublai Khan TX che un revival vero e proprio del genere citato in apertura.

La voce fa la differenza in questa sorta di categorizzazione: ombrosa, di una profondità e ruvidezza quasi urticanti, va a sovrastare il rumore secco della strumentale – come accadeva nei Varials (decisamente più tecnici) di In Darkness – fino a graffiare i padiglioni auricolari.

Òcio con l’headbanging, che qui si rischia parecchio.

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American Football: Bad Moons

Genere: 🎸Rock

di Davide Romagnoli

In un mondo in cui più fai il gangster e più salgono i like, c’è forse ancora tempo per fermarsi. E quale occasione migliore per sentirsi di nuovo tristemente umani se non quando Kinsella e soci decidono di far uscire una nuova canzone e annunciare, dopo tanti anni, un fatidico quarto disco? Ebbene sì, l’emo del Midwest non sembra essere invecchiato di una ruga, ma solo maturato, come un buon rosso.

Ci sono band infatti che appartengono a un’epoca, e poi ci sono gli American Football, che appartengono a uno stato d’animo. Bad Moons è esattamente quello che ti aspettavi e quello per cui avevi aspettato così tanto, l’ennesima prova che l’emo – quello vero, quello che non si vergogna della propria vulnerabilità e non pensa al trucco estetico con cui identificarsi – non è mai stato una fase adolescenziale, ma una condizione permanente dell’essere.

Prova ne è anche il bellissimo video di Alex Acy & Rémi Belleville, capace di amplificare la portata emotiva dello struggimento sonoro. Otto minuti. Un tempo che oggi sembra quasi un atto politico, soprattutto se per un singolo di questo calibro. La canzone si apre con quella delicatezza matematica che ha sempre caratterizzato la band: arpeggi cristallini, batteria che accompagna senza pretendere chissà quale valenza, voce che non sgomita per l’attenzione ma la ottiene comunque. Poi, lentamente, qualcosa si incrina. Kinsella ricuce in poche ripetizioni (l’anaforico «in the dark») una carriera intera, sfidando chiunque a non commuoversi con lui prima dell’entrata della parte finale.

Il brano nasce dall’unione di due idee distinte – una più luminosa, una più ombrosa – e si sente. È come se la canzone fosse divisa tra ciò che siamo stati e ciò che siamo diventati: ragazzini ribelli e poi genitori restrittivi. La luce e l’ombra non sembrano più alternarsi, ma convivere in un mite sguardo allo specchio. È qui che il pezzo diventa filosofico senza volerlo: sì, certo, la nostalgia, ma ancora di più, l’identità – quello che resta quando hai smesso di essere “giovane promessa” e sei diventato adulto senza avere ricevuto istruzioni. E chiaramente la voce non è più quella di un ventenne confuso. È più stanca, più consapevole. Eppure non è cinica. È come se accettasse una verità semplice: crescere non significa superare del tutto il disagio, ma imparare a nominarlo meglio, ad abbracciarlo, a diventarci quasi amico.

Bad Moons sembra proprio questo: un lessico nuovo per una malinconia antica. Amichevolmente eterna.

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Angine De Poitrine: Fabienk

Genere: 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

Questa non è una band per tutti. O meglio, questa non è una band: è un duo. Ma non è comunque per tutti. Se per gli ascoltatori “semplici” roba simile è piacevole, curiosa o al limite stramba, per un musicista (amatoriale o meno) è uno di quegli ascolti che ti fanno venire voglia di andare nella sala prove (o cameretta che sia), guardare le migliaia di euro spese in pedali, effetti, strumenti, migliorie varie, far scendere la (comprensibilissima) lacrimuccia e buttare tutto dalla finestra. Come un “io non sono degno” di waynesworldiana memoria, ma meno ironica.

Perché questi misteriosi canadesi mascherati a pois sono mostruosi. Niente basi, niente aiutini. Solo una chitarra doppio manico (chitarra e basso), una batteria, qualche effetto e un paio di loop station. Il risultato è un matrimonio cosmico tra Voivod, Primus, Avantgarde, John Zorn, e la Pimpa, ma in bianco e nero.

Se gli algoritmi non vi hanno ancora beccato e non avete mai sentito nulla degli Angine De Poitrine, fatelo ora, subito! Partite pure da questo nuovo (bellissimo, eccitantissimo, qualsiasi “issimo” vi venga in mente) singolo e poi andate a spulciare tutto il resto, soprattutto le performance dal vivo. E non dimenticate né il tovagliolo per asciugarvi la bava estasiati né di chiudere a chiave la stanza della musica di cui sopra, altrimenti darete davvero fuoco a tutto. Questo duo pallinato è una delle cose migliori del nuovo millennio: la conferma che tutto è stato già scritto, ma il segreto è come lo si rilegge. Grandiosi.

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Down: Right Place, Wrong Time

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Seppur non con i gain alzati come ce li si aspettava, udite udite, i Down sono tornati. Ebbene sì, non con un brano nuovo di propria invenzione che ci avrebbe fatto scendere lacrime di nostalgia per i bei tempi discografici che furono, non con la classica heavy song intrisa di southern comfort, ma con qualcosa che parla ancor più forte delle radici da cui provengono: una cover di Right Place, Wrong Time – il classico funk/R&B di Dr. John del 1973 – pubblicata in occasione del Mardi Gras, il carnevale di New Orleans che è tanto festa quanto simbolo culturale della città natale della band.

La scelta potrebbe sembrare a prima vista fuori contesto per un quintetto noto per il proprio sludge denso e poroso, ma in realtà rivela qualcosa di più profondo sul rapporto dei Down con la propria eredità. Right Place, Wrong Time non è certo, infatti, un pezzo qualsiasi: era il primo singolo dell’album In the Right Place, diventato il più celebre nella carriera di Dr. John e un manifesto groove innestato nella storia musicale della Big Easy, con bassi funky, ritmi R&B e quella strana umidità sonora che definisce un’intera epoca. Roba con cui Pepper Keenan, Kirk Windstein e Jimmy Bower (e non solo!!) si sono sicuramente presi una sbronza, più di qualche volta.

«È probabilmente una delle prime canzoni che ho ascoltato e imparato da piccolo. Siamo cresciuti nel quartiere francese e la musica di Dr. John era ovunque. Ho sempre voluto registrare questa cover e sono felice di averlo fatto con i Down. È stato bellissimo girare il video. C’è pure mia mamma!». Grazie, Phil, per riuscire a farci esaltare con poche parole. Effettivamente quello che si respira nel video è proprio una sensazione di “essere a casa”. Ed è forse questo l’elemento che più andrebbe apprezzato di questa uscita.

Restando fedeli all’originale nella struttura e nel groove, Anselmo e soci aggiungono i loro “ingredienti” più familiari: riff pesanti e bluesosi, un senso di fango sonoro che sembra assorbire il funk e restituirlo con puzza di sudore e fumo di palude, e un approccio che rende questa cover meno un semplice omaggio e più una reinterpretazione emotiva, vera e senza troppi fronzoli. Il tutto, naturalmente, con quel piglio quasi parodistico che – come emerge nel video e nei costumi – lascia un retrogusto atipico ma, tutto sommato, di gran carisma.

Il gesto dei Down non è isolato nel vuoto: la band sta lavorando al suo primo nuovo album dal 2014, previsto per il 2026, e questa cover arriva come un segnale di vita dopo anni di silenzio relativo. Right Place, Wrong Time suona quindi come una tappa preparatoria, un modo per ricordare da dove provengono prima di guardare dove stanno andando. Che sia una svolta, un divertissement, una rimpatriata tra amici e familiari o un semplice zuccherino per i fan poco importa. Qui c’è davvero da leccarsi i baffi.

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Immolation: Adversary

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

Quando trentacinque anni fa un ragazzino curioso, girovagando per la fiera di paese, decise di spendere diecimila lire per comprare (incuriosito dalla copertina) Dawn of Possession, non avrebbe mai pensato che gli Immolation – seppure dopo diversi cambi di lineup – sarebbero andati avanti così tanto. Non per la qualità, ma insomma come fai, fisicamente parlando, a suonare quella roba dopo i quarant’anni? E invece…

Qui non è una questione di scatto: è l’endurance che stupisce e affascina. Un po’ come è sempre stato per gli AC/DC, gli ex ragazzi dello Stato di New York, non hanno assolutamente cambiato il loro sound – e per chi si fosse perso tre decenni di album e tour, poco male: le coordinate rimangono le medesime, con un suono che è ancora più o meno quello, seppure arricchito dalle produzioni moderne.

Adversary è la classica bordata tinta di nero con testi fortemente anticattolici, pugni in faccia death metal alternati a due mid-tempo ben distinti tra loro, che – se possibile – vanno a caricare ancora di più l’assalto sonoro ai danni dei padiglioni auricolari. Tre minuti e rotti dove non c’è appunto assolutamente nulla di nuovo: tutto è già sentito, ma bisogna ammettere che funziona alla grande, coinvolgendo in toto stomaco e nervi. Un brano ben scritto, ben arrangiato e suonato chirurgicamente da dei vecchietti che ancora riescono a far scapocciare come si deve.

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Pomante: More Now

Genere: 🎶Altra musica 🎷R&B

di Manuel Graziani

Pomante, che di nome fa Sergio – come Mattarella e Tacchini, Endrigo e Caputo – è un musicista che suona con molto Brio, che di nome fa sempre Sergio. Un James Senese bianco come il post-punk. Un Papetti rapito dagli alieni e ributtato su un peschereccio nell’Adriatico. Un John Coltrane Stereo Blues, citando gli eroi californiani del Paisley Underground che non hanno alcuna intenzione di dargliela su.

Mettendo un punto alle stronzate, parliamo di un musicista talentuoso e ingegnere del suono sopraffino (ha fondato l’ottimo Noiselab Studio) che ha sempre avuto la curiosità e il coraggio di attraversare i generi: basti ricordare che, tra gli altri, ha suonato negli Ulan Bator, nei Sudoku Killer e pochi anni fa ha messo su l’ottimo trio The Breakbeast.

Il progetto solista che porta il suo cognome nasce nel 2023 all’insegna di un funk fisico, analogico, viscerale, humano, che ha un solo obiettivo: far sobbalzare il dancefloor. Ce lo sbatte in faccia More Now, il singolo che apre la strada al nuovo Funk the System in uscita ad aprile su IRMA Records.

Ritmica che farebbe ballare pure un palo della luce, magnifici sax a volo di rondine e quelle voci magnetiche che irrompono sulla scena come fosse un assolo. Voci «cantate e registrate più volte con intenzioni, ottave e colori diversi, per rendere la parte corale, rituale, con più personalità», come conferma Sergio. Alla fine: meno di tre minuti per beccarsi quel dolce virus che risponde al nome di groove.

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Sepultura: The Place

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

“No Cavalera = No Sepultura”. Questo è lo slogan che va per la maggiore da svariati anni tra gli ammiratori degli ex ragazzi di Belo Horizonte. Comprensibile, in fondo: il buon Max era il frontman e la voce del progetto, nonché fondatore assieme al fratello Igor. Però non è che Paulo e Andreas abbiano scippato qualcosa: prima il cantante e poi il batterista se ne sono andati. Che dovevano fare gli altri? Ripartire da zero vanificando anni di impegno e sacrifici? Trovarsi un lavoro diverso? Suvvia: sono discorsi etici buoni per chi sta dall’altra parte, nessuno di noi manda al diavolo qualcosa per cui ha sputato sangue per un tempo indefinito solo perché un collega se ne va.

E ci mancherebbe. L’unica sfortuna dei Sepultura post-1996 è che le cartucce buone, i capolavori, erano già state sparate, e pur non scadendo mai nel discaccio pessimo, non ci si è mai avvicinati a una qualità elevatissima alla Arise o Chaos A.D. – nemmeno Max eh, ma vabbè: non facciamo polemiche sterili. Il punto è un altro: i Nostri hanno dichiarato che a fine tour si scioglieranno e arrivederci, ma non prima di regalare ai fan un ultimo EP, in uscita il 24 aprile e anticipato da questo nuovo singolo.

E com’è? Usando un paragone da serie TV, qui è da un po’ che si è saltato lo squalo. Eppure è innegabile quanto The Place sia, a modo suo, accattivante e piacevole, molto più di tante altre cose simili che giocoforza sono derivative rispetto a quanto messo sul piatto trent’anni fa dai brasiliani.

Tre decenni, appunto, non l’altro ieri. Una perseveranza non comune, soprattutto quando hai parte del pubblico e della stampa a sfavore, sempre e comunque. Se questo è davvero il loro canto del cigno, giù il cappello in segno di rispetto e alzare il volume per l’ultima volta.

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She Past Away: Mizantrop

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Max Zarucchi

La cosa che fa scervellare tantissimi nerovestiti è: ma come hanno fatto gli She Past Away ad arrivare dove sono ora? Impossibile non trovarli ovunque in qualsiasi classifica delle migliori band goth contemporanee. Eppure non è che siano così diversi da tanti altri: 4/4 dritti, giro di quattro note discendente, ritornello di quattro note ascendente, Sisters of Mercy post-1984 e Clan of Xymox sul comodino. Eppure piacciono, molto, e probabilmente il segreto è proprio la semplicità della loro proposta, quel già sentito che però, sempre in zona Cesarini, evita la banalità completa. Quella zona grigia che fa storcere il naso agli esigenti, ma che soddisfa e appaga il pipistrellato pronto a sfoggiare le Winklepicker fresche fresche di lucidatura (o, false, di acquisto su Temu).

Ecco allora che i turchi hanno trovato la formula magica per piacere quel tanto che basta che permette loro di suonare in giro per il mondo, vendere paccate di merch e farsi ascoltare, senza troppo impegno, un po’ da chiunque. Simile all’effetto che fa questo nuovo singolo: senza credits sarebbe impossibile capire chi lo abbia fatto e quando, ma il piedino batte e c’è di peggio. Consci che la stessa cosa avevamo più o meno scritto due anni fa, elegantemente (ri)mangiamo la solita minestra, sperando però che il prossimo piatto sia quantomeno diverso.

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Sinezamia: Freddo

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

Quest’anno i Litfiba festeggiano il quarantesimo di quel capolavoro che è 17 Re. Oltre al solito toto-scaletta (a parte il disco per intero, cosa altro faranno?), i fan si chiedono chi sarà ad aprire i loro concerti. Probabilmente è una follia, un sogno, ma sarebbe bellissimo che per ogni data ci fosse una band locale che proprio dal suono di Piero e compagnia è stata quantomeno ispirata.

Fosse così, un posto d’onore andrebbe ai Sinezamia, fosse anche solo per il ritornello di questo nuovissimo pezzo che fa «Terre di eroi / Dentro di noi», un tributo dovuto e necessario da parte di una band che da più di vent’anni continua imperterrita per la sua strada, alla faccia di mode o trend del momento.

Un sound ormai forse un po’ (volutamente?) datato, ma non per questo privo di fascino e tiro, dove la matrice “wave” si stempera lasciando più spazio a un rock dalle forti venature dark, e un riuscitissimo gioco di voci a opera di Marco Grazzi che ti fa stampare in testa il refrain già dopo il primo ascolto.

Lode infinita alla cocciutaggine dei Sinezamia: non mollare mai quando credi nella tua musica, e al diavolo tutto il resto.

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Stormo: Gesti

Genere: ✊Punk

di Maximiliano Bianchi

Gli innesti hanno attecchito, le talee hanno generato radici e un germoglio è spuntato. No, non state leggendo un articolo di Casa in fiore o un post di qualche blog di giardinaggio. Parliamo di vegetali per rimanere nella scia della metafora e delle copertine che accompagnano gli ultimi due album degli Stormo, il gruppo punk HC che da diversi anni regala soddisfazioni agli appassionati del genere al di qua e al di là delle Alpi.

Venendo al sodo, stiamo parlando di Gesti, il singolo che anticipa l’album in uscita il 23 marzo per Anfesibena, l’etichetta, appena fondata dal quartetto, dal nome di un mitologico serpente a due teste in grado di muoversi in direzioni diverse. Una mossa che mira all’indipendenza totale, in linea con l’ambiente DIY in cui il gruppo è nato, e che va di pari passo con la decisione di distribuire il nuovo disco sulle piattaforme digitali escludendo Spotify – presumiamo a causa degli investimenti da oltre seicento milioni di euro in tecnologie militari.

Le sonorità di Luca Rocco e compagni, da sempre situate all’incrocio dei venti hardcore, screamo e noise, trovano ulteriore ispirazione nelle caustiche raffiche del crust – Cursed, Doom e His Hero Is Gone – a supporto di testi che promettono che «Non saremo un lontano miraggio / Siamo sogni che invadono il cielo / Lasciando la polvere al loro passaggio».

Sono liriche che traggono linfa dall’isola di Ponza e da quella portoghese di Terceira, entrambe di origine vulcanica, dove piccole piante resistono in ambienti climaticamente ostili, generando un ecosistema che «porta vita in un luogo dove, apparentemente, la morte avrebbe dovuto vincere». Piante che hanno la stessa forza che servirebbe agli umani per ristabilire quella «social catena» che, quasi due secoli fa, un poeta recanatese invocò nel suo ultimo soggiorno sulle coste campane, rendendo omaggio a un fiore capace di crescere sull’«arida schiena» del Vesuvio per invitarci alla solidarietà e al mutuo aiuto. Giacomo Leopardi, punk molto prima di noi.

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Altro che la serata dei duetti a Sanremo! Anna Calvi invita l’Iguana in un ballo sfrenato, e Iggy dimostra ancora – ce ne fosse bisogno – di non aver perso le movenze giuste.

Edda invece preferisce prestarsi a una reincarnazione nel corpo di Laura Poggi, dentro la palestra Visconti. Il tutto mentre gli Snüff chiamano a gran voce una certa Luciana a suon di ROK, i Caveiras guardano al Sud America dalla Toscana con una ghigna tribal punk, gli Essaira mettono un certo ordine motorik nel loro purgatorio cyberpunk e Alessio Bosco passa dai Float al nuovo progetto 30 Door Key per dare un senso più attuale alla parola hauntology.

Dal Belpaese è tutto. Ma, guardando oltre, abbiamo anche il ritorno dei Gong (anche se ormai ci siamo persi dentro i vari cambi di formazione) e degli And Also the Trees (perfetti e inappuntabili sempre e per sempre), il pop punk fatto con gli avanzi degli ex Small Wood House (ora Suitor) e il soft rock minimalista dei Friko.

Buona #musicdiscovery!

30 Door Key: ISDC

Genere: 🎶Altra musica

di Giuseppe Rapisarda

Nel 2017 Float di Alessio Bosco era un lavoro influenzato da un’idea di pop colto con derivazioni che rimandavano a Brian Eno per una ricerca microscopica applicata alle tessiture armonico-sintetiche (vedi la malinconia cullante di She Appeared as a Ghost). A riprova del fatto che al musicista palermitano piace spostare l’asse della sua osservazione troviamo il progetto denominato 30 Door Key con A Warning to the Curious dello scorso anno, album questa volta ispirato a un’idea di musica sfuggente, da intendersi come una sorta di library music obliqua frammista a sci-fi.

Sempre sotto l’egida di 30 Door Key, l’artista palermitano condivide un esperimento di grande fascinazione denominato ISDC e ispirato allo sceneggiato Il segno del comando, andato in onda sulle reti nazionali nel 1971. La musica si inerpica lungo i solchi di un progressive spiritico, fantasmatico nel collocarsi nelle anse misteriche suggerite dai frames tratti proprio dallo sceneggiato e dai samples della voce suadente di Carla Gravina («Dicono che io sia una strega») che alimentano un senso di inquietudine crescente. Le immagini deformate di Ugo Pagliai nel relativo video fanno il resto, insieme al richiamo di un simbolismo esoterico che voleva turbare in prima serata i sonni delle famiglie italiane.

Siamo di fronte a un prodotto colto che fa emergere come flusso inconscio un immaginario perduto o solamente sepolto per proteggersi da antiche paure. Forse mai come in questo caso ha senso parlare di hauntology.

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And Also the Trees: The Silver Key

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

Se esistesse una classifica per le band che hanno raccolto infinitamente meno di quanto seminato in ambito darkwave, sicuramente sul podio ci sarebbero gli And Also the Trees. Incredibile come, a distanza di ormai più di quarant’anni dal debut album, nonostante una carriera costellata di capolavori alternati a dischi comunque Belli (da scriversi e leggersi con la “B” maiuscola), i Nostri siano perlopiù rimasti una formazione di culto. Ed è, stavolta davvero e senza complimenti, un peccato. Perché la consistenza e lo spessore del loro catalogo è inattaccabile, a meno che uno non sia sordo o semplicemente con le orecchie in pappa. Inoltre, riescono sempre a mantenere altissimo il livello di ispirazione, facendo trasparire in ogni uscita il cuore e l’anima che ci hanno messo.

Basti prendere ad esempio questa nuovissima The Silver Key, preludio al disco in uscita a fine febbraio, The Devil’s Door: trovate qualcosa in questi quattro minuti e rotti che non sia semplicemente perfetto, struggente ed emozionante. Cercate una nota di troppo o una mancante, un fraseggio fuori posto, qualcosa che non vi rubi anima e corpo. Non lo troverete, fidatevi. Gli And Also the Trees erano e restano musicisti unici, inarrivabili nel loro essere se stessi, veri alfieri di un modo di intendere la musica (viscerale, poetica, dolorosa, emozionante, di spessore) che ancora resiste, nonostante la mannaia della tecnologia che crea a ripetizione paccottaglia di bassa lega (anche nel genere, pure usando l’AI – che pena, vero?).

Una garanzia per chi li ama da sempre, un primo passo verso un mondo elegantemente decadente per tutti coloro non li conoscevano. Semplicemente eterni.

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Anna Calvi (feat. Iggy Pop): God’s Lonely Man

Genere: 🎸Rock

di Vasco Viviani

God’s Lonely Man è un brano rock’n’roll che parte dai canti del blues, da due voci che si uniscono sopra un ritmo sempre più incalzante, da due calori che si fondono in una fiamma liquida e incandescente. Sotto, una batteria inarrestabile e una chitarra acida che sembra strisciare negli antri più bui, serpeggiando.

Non può succedere nulla di buono, con una coppia del genere in giro. Del resto Anna Calvi, britannica di Twickenham, non è di certo nuova a questi exploit: aveva iniziato lo scorso anno insieme a Perfume Genius e si dice che ci saranno Laurie Anderson e Matt Berninger sul suo prossimo album. Ma tra l’annunciare collaborazioni importanti, incollare parti in studio e fondersi c’è una bella differenza. E alla fine siamo qui per parlare di questa canzone nello specifico, no?

Un brano dove uomo e donna diventano una cosa sola: sono Bonnie & Clyde, Adamo ed Eva, Johnny Cash e June Carter, unendosi per il proprio signore, mischiando carne e spirito nell’ultimo sacrificio. Urla, crescendo, profondità e collisioni come se non ci fosse possibilità di fermarsi, come se i corpi, i polmoni e le voci fossero ormai stati risucchiati verso l’altissimo.

Di certo l’Iguana sta gestendo al meglio la sua vecchiaia: chi altri potrebbe immaginare di muoversi in questo modo a quasi ottant’anni? Musica ai massimi livelli, impossibile da non amare: questa è roba che smuoverebbe grandi e piccini, che potrebbe essere rilanciata per decine di volte dandoci una solida base per spiccare il volo verso la perdizione: la solitudine, l’isolamento, la follia. Sappiamo quanto sbagliato sia, ma come fare a resistere?

Anna Calvi sta scavando nelle parti più oscure del proprio essere e non poteva scegliere un Caronte migliore.

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Caveiras: Cadeira Do Dragão

Genere: ✊Punk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Caveiras, formazione italiana ma proiettata mentalmente, idealmente e stilisticamente nelle più profonde vibrazioni afro-brasiliane, colpisce a fondo con il suo ritorno. Trio composto da Zé-Caveira, Diabo Branco e Bicho, torna su Ur Suoni unendo i bassi più grassi del quartiere, una voce che se non è punk io non capisco più nulla, un lessico che rapisce e un’atmosfera malsana, dove sesso, sangue, morte e disperazione si fondono prendendo tre filhos da ria per veicolare rabbia in una forma cruda e ballabile. Difficile, difficilissimo resistere inermi di fronte a tanta forza ritmica, rimirando immagini che aumentano ancor di più l’immersione totale in un mondo lontano come quello carioca, veicolato però da mani e teste nostrane.

Quanto conta il calarsi nei panni di una situazione e farla propria? È fondamentale, ne va della propria credibilità, e le aperture acide sul finale del brano dimostrano che i tre sono pronti a tutto, anche a mandare a ramengo un pezzo slabbrandolo, dirigendolo altrove. Incontro a un mondo che non conosciamo, a un sottosuolo dove ogni risata risuona come se fosse quella di un malintenzionato o di un maniaco.

In realtà si parla di brutali torture, soprusi e tecniche di interrogatorio utilizzate dai militari durante la dittatura. Ma noi, guidati dalla musica dei Caveiras, saremmo pronti ad andare ovunque, facendoci accarezzare e accompagnare da questo insieme di suoni, feroci e colorati, pronti a esplodere.

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Edda: Mucca rossa

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Vasco Viviani

Siamo a Milano, nella celebre palestra Visconti, ora sede di ARCI Bellezza (pista che vede molti di noi bazzicare sotto al palco) ma già storico luogo di pugilato, dove passò anche Luchino Visconti alla fine degli anni ‘50 per girare alcune scene del mitico Rocco e i suoi fratelli. Qui Laura Poggi incarna il corpo di Edda, prendendone gli spazi sul palco e nelle parole. Vive il suo amore mentre quest’ultimo si muove in maniera speculare a lei, quasi fosse un angelo custode vestito da operaio. La ragazzina protagonista del racconto sembra avere paura. Edda le indica la via, le dà suggerimenti su come gestire la situazione, come se non volesse peggiorare la situazione.

Tutto questo crea una forte tensione drammatica in un pezzo che è un tira e molla, un tour de force emotivo. Sintomatico che il tutto sia ambientato in quella vecchia palestra, appunto, quasi come se il sacrificio, la dedizione, il sudore e le lacrime dalla location entrassero direttamente nella creazione artistica, lasciando un’opera ferita e stordita al tappeto. Ma è una sensazione che conosciamo troppo bene: imperfezioni, persone e amori, in un corpo che è impossibile da abbandonare e del quale possiamo soltanto prenderci cura. Due essenze che finiscono per completarsi l’un l’altra, legate dalle parole, dalle vicende, in una relazione che non si esaurirà con la fine della musica ma che continuerà ad aleggiare.

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Essaira: I.I.C.

Genere: 🎶Altra musica ⚡Electro

di Vasco Viviani

Chissà cosa vorrà dire I.I.C.? Difficilissimo decodificare una musica che sembra pura trasposizione emozionale: battiti, pulsazioni e umori passati in un convertitore audio e riprodotti a tutto volume dagli Essaira. La gente la conosciamo: Paola Paganotto, Nico Pasquini e Angelo Casarrubia non sono certo novellini e riescono a risuonare e a ribaltare idee vecchie di quaranta e più anni in qualcosa di personale e coerente.

La voce di Paola corre lungo beat che sembrano ferite pulsanti e sporche, andando sempre più a incrinarsi fino al cambio di ritmo. Qui sale con i vapori sonori, prendendo corpo e autorevolezza. Si mischia e si rimanda, creando una coltre di suono e vocale ubriacante tanto da far girar la testa. Il brano è quasi uno stallo dove una sorta di purgatorio cyberpunk prende il sopravvento sulla nostra forza di volontà. Fuggiremmo a gambe levate se non avessimo di fronte una colonna sonora così bella, perfetta per ipnotizzarci grazie a quattro-parole-quattro. Scopriamo poi che l’acronimo sta per Indifference Is Complicity e il fatto che questo brano abbia raccolto la nostra (e la vostra, siamo sicuri) attenzione ci porta a comprendere anche l’altra frase ripetuta: «Call for a ceasefire». Richiesta di cessare il fuoco.

Non credo serva altro da dire. Segnatevi il nome: Essaira, stanno arrivando.

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Friko: Seven Degrees

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Giampiero Pelusi

Che bell’anno musicale il 2024: il ritorno di Mount Kimbie e Mannequin Pussy, l’esplosione dei KNEECAP, la conferma degli Xiu Xiu (e che conferma!). Ma tra tutti c’è stato un disco dal bagliore genuino e dalla copertina d’altri tempi che ha riposizionato le scintille sui miei occhi davanti a un lavoro indie rock: Where We’ve Been, Where We Go from Here. Album che punzecchiava l’anima come pochi altri hanno fatto nell’ultimo quinquennio, tra carezze intime e sregolatezza college rock, un po’ come gli stessi Friko, bravi ragazzi con un pathos smisurato quando si tratta di sedersi a comporre e ad assemblare emozioni.

Per questo li abbiamo aspettati e loro se ne tornano in punta di piedi (e con la formazione a quattro), accantonando momentaneamente le vampate di distorsione amplificata: Seven Degrees, infatti, ingloba raffinatezza da ballad soft rock e quel minimalismo folk che lascia rimbombare ancora più forte le parole. Perché se a mancare è la farcitura orchestrale, non per forza il pensiero rimane con il culo a terra: ed è proprio nell’analisi di scopo e mezzo che si struggono le liriche di Niko Kapetan, dondolate da questa culla che unisce e allontana le persone nel gioco splendido che è la vita.

Connessioni conquistate che si perdono, sguardi cercati assiduamente, ma che non riescono a realizzarsi: Seven Degrees celebra il percorso e non la sua fine, poiché il bello cammina sullo stesso asfalto che percorri tutti i dannatissimi giorni.

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Gong: The Wonderment

Genere: 🎸Rock 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

Quand’è che una band smette di essere tale? O meglio, quando il moniker non ha più senso di esistere? È giusto che i Napalm Death continuino pur non avendo più nessun membro originale? E i Nomadi? Basta solo Beppe Carletti – unico superstite della lineup del 1963 – a renderli credibili? Queste sono alcune delle sciocche pippe mentali che arrovellano i (ahinoi, pochi) neuroni funzionanti degli appassionati di musica.

Poi però ci pensano loro, gli artisti, a mettere i puntini sulle “i”.

Quando nel 2014 uscì I See You, lo stesso Daevid Allen (unico rimasto del nucleo originario, morirà di lì a poco di cancro) fece scrivere sulla copertina che i Gong, «qualunque cosa siano, cambieranno». Perché il concetto alla base del gruppo era più importante dei membri dello stesso.

Quindi avere un nuovo album dei Gong, oggi, è naturale e giusto. Bright Spirit, in uscita il 13 marzo, sarà il terzo album in studio dopo la dipartita di Allen, e se le premesse sono quelle che si intravedono dal primo singolo Stars in Heaven e da questa The Wonderment, i fan dei tè allucinogeni possono stare sereni: se è vero che ogni membro porta ovviamente con sé il proprio bagaglio artistico, la magia di fondo del gruppo è ancora tutta qui. Viaggi lisergici in mondi magnifici, vero e proprio culto che non dà reali segni di cedimento e, oggi come allora, abbraccia il passato per proiettarsi senza paura nel futuro. Roba da trip, di quelli che non si trovano più così facilmente a forza di mischiare tutto con schifezze varie.

Chi ci suona, dunque? Ma in fondo, che importa quando il risultato è questo?

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Snüff: Luciana

Genere: ✊Punk 🌟Pop

di Manuel Graziani

Dal nulla o quasi, a fine 2024, gli Snüff hanno dato alle stampe uno dei migliori album italiani di rock obliquo di quell’anno. Togliamo pure la “C”, ché il trio padovano con lo stesso nome – dieresi a parte – della storica punk band inglese formata nella seconda metà degli anni Ottanta, incarna alla perfezione la nuova scena ROK tricolore: qualunque cosa significhi. Una scena-non-scena che se ne fotte delle etichette rigide, dei paletti di genere e che non ha alcun problema a mostrare il fianco smielato della melodia, pur restando saldamente ancorata alla nobile idea DIY.

Luciana, con il suo allegro video fatto in casa, è l’apripista del secondo Silly Not Silly, in uscita a fine marzo su Wild Honey, l’etichetta bergamasca abituata a scovare e lanciare giovani leve di talento esattamente come la Dea.

Un centro pieno. Pop e punk che corrono a debita distanza e, come d’incanto, s’incontrano sul dolce Sendero Luminoso del garage. La voce di Giorgia Malagò – che è anche la batterista del gruppo – riporta alla mente l’indimenticata Kim Shattuck dei Muffs. Nel complesso il pezzo fa pensare un po’ anche a quel piccolo miracolo di Tu e l’estate dei tedeschi Bam Bams che finì, chissà come, dentro L’ultimo bacio di Muccino.

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Suitor: Factory

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Vasco Viviani

Inizialmente erano gli Small Wood House, poi mutarono quando Chris Corsi ed Emma Shepard iniziarono a suonare da soli, in una famiglia che negli anni è cresciuta, prendendo nome Suitor e diventando un quintetto (John, Steve e Ryan i nuovi acquisti), ormai pronti per il loro secondo album.

Con Factory sembra di trovarci a un incrocio, nel quale le influenze sono molteplici e poco inquadrabili. L’attitudine è punk, anche se il suono alla resa dei conti sembra più vicino a una sorta di pop lo-fi baciato da suoni e giri irresistibili. Poi però entra la voce di Emma e ci si ritrova in pieni anni ‘80, con una sorta di romanticismo tormentato che viene sdrammatizzato dai suoni della stessa band. Come se l’intensità non dovesse crescere ma rimanere qualcosa di vicino, intimo, casalingo. A tratti sembra di ascoltare le Luscious Jackson insieme alle Bananarama e a Kim Gordon prodotte da Bernard Sumner. Un vero e proprio colpo al cuore, ne converrete, pensando soprattutto al percorso che la band ha già avuto e alla maturità che riesce a dimostrare in questi pochi minuti.

Di certo, se tutto il disco sarà a questa altezza, una delle attrazioni del 2026 è assicurata. Se è un sogno non ci svegliate, non vorremmo fosse l’ultima trovata dei Duffer Brothers per riportare in auge un sentore iconico e antico, anche se la grana del video ricorda più un Harmony Korine, di certo più adatto a uno sbando sfacciatamente seducente come questo.

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Ci mancava, il pop mai banale di Marco Jacopo Bianchi, e adesso che è ricomparso a farci “ciao” con la manina, siamo ben felici di ricambiare con un ascolto attento. Lo stesso vale ovviamente per il nuovo lavoro di Bonnie “Prince” Billy, che rivendica il sacro diritto a dimenticare. E se parliamo di attenzione, certo non possiamo lesinarla a Billy Bragg, di nuovo in pista per denunciare i soprusi del mondo (soprattutto il mondo di là dall’Atlantico, nel caso specifico) sulla scia del Boss.

Passiamo poi alle quote rosa, anche se è un rosa come quello delle tue guance dopo che la voce di Courtney Levitt e il metalcore così melodico da sfiorare il pop rock dei suoi Love Rarely ti hanno schiaffeggiato a dovere. Pop che sembra andare ad accarezzare anche Amalie Bruun, in odore di Eurovision con il suo progetto Myrkur. Folk pop più classico invece, quello di Lande Hekt, uno di quei casi in cui non ci si può esimere da tirare fuori aggettivi come “estatico” e “struggente”, anche se a malincuore. Di tutt’altro genere, infine, le divagazioni mistiche di Lili Refrain: ipnotiche, profonde, mediterranee, multietniche.

Il resto va dalla psichedelia dei viterbesi Cool Cats, al minimalismo indie folk dei canadesi Crack Cloud, passando per il garage surf degli australiani Straight Arrow.

Billy Bragg: City of Heroes

Genere: 🪕Folk 🎸Rock

di Vasco Viviani

Nel medesimo giorno in cui Bruce Springsteen ha messo online la propria Streets of Minneapolis anche Billy Bragg ha detto la sua accompagnandosi con la chitarra. In City of Heroes riparte da una delle citazioni più famose dello scorso secolo, quella «prima vennero…» di Martin Niemöller, pastore e teologo di Lippstadt che in un sermone poi diventato poesia metteva in mostra un immobilismo passivo che avrebbe portato a stringere il cerchio della repressione sempre più intorno a ogni singolo individuo.

Billy sceglie di unirsi agli eroi che stanno lottando, interferendo e manifestando per Renée Good, uccisa alla guida della sua auto e alla quale sono stati negati i soccorsi. Per Alex Pretti, assalito mentre cercava di difendere due obiettivi dell’ICE. Per Maher Tarabishi, che non ha potuto stare accanto al figlio Wael, da lui curato per la malattia di Pompe e impossibilitato a sopravvivere. Per Liam Conejo Ramos, usato come esca a cinque anni al suo rientro dall’asilo e arrestato con il padre Adrian Alexander Conejo Arias. Per un’intera popolazione, quella di Minneapolis e degli Stati Uniti, che sta reagendo a una brutale forza istituzionale, quella dell’Immigration and Customs Enforcement che il presidente Trump si ostina ad armare.

Ma la popolazione non intende fare passi indietro e con questa chi osserva, sostiene, narra, racconta e canta di tutto ciò che succede nelle strade, nel 2026 così come nella storia passata. Una popolazione che, come dice Billy Bragg, nella sua resistenza è un’ispirazione per tutti noi. Come Martin Niemöller, come Billy stesso.

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Bonnie “Prince” Billy: They Keep Trying to Find You

Genere: 🪕Folk

di Giuseppe Rapisarda

Will Oldham custodisce i codici di una scrittura emotiva che ha radici antiche, risalenti al tempo sospeso di Master and Everyone, così come la capacità di modellare la cesura silenziosa tra un respiro e l’altro. L’Americana diventa segno distintivo ed esistenziale di una poetica dolorosa e vitale che risuona nell’atto di rovistare nel caos della vita e di un mondo la cui luce declina verso il tramonto. Nonostante la copiosa produzione, c’è una latente sensazione che Bonnie “Prince” Billy abbia sempre cercato di seminare chiunque si fosse messo alla sua ricerca: lasciare tracce di sé ogni volta solo per dissimulare una direzione per poi, invece, sterzare all’improvviso su una strada secondaria non segnalata.

They Keep Trying to Find You è la traccia che anticipa il nuovo We Are Together Again in uscita il 3 marzo per la Domino Records. Il brano, nel video diretto da Abi Elliott, rappresenta un’idea di nascondimento in forma di danza come fuga o rifugio da una lettera senza mittente («A letter came to your door today / You opened it, read it, then threw it away») o dallo squillo del telefono («Thе phone on your table is ringing and ringing / You leavе it unanswered»). Scampoli di una vita ordinaria che chiede ogni giorno il conto.

Ecco allora che si tratta di rivendicare una sorta di diritto all’oblio solo per riavere indietro il tempo di riabbracciare finalmente se stessi e trovare le risposte giuste senza farsele suggerire da altri. Il linguaggio è quello consueto del folk rivestito di una trama intessuto di un bucolico mood cameristico di fiati che orientano il verso di una musica che ci sembra di avere già sentito mille e mille volte ma di cui abbiamo ancora bisogno.

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Cool Cats: Make Up, 7AM

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Emanuele Podda

I Cool Cats sono una band formata da cinque giovanissimi ragazzi viterbesi che, con il loro chamber pop psichedelico dal retrogusto jazzato, rappresentano una delle realtà indie più interessanti del sottobosco laziale contemporaneo. Fondato nel 2022, il gruppo ha rinunciato (per ora) all’album classico per concentrarsi sul rilascio di singoli brani e Make Up, 7AM segna il capitolo più recente di questo percorso.

Il brano, che con i suoi sei minuti abbondanti rappresenta il più lungo mai pubblicato dalla band, si caratterizza per un arrangiamento orchestrato arioso e pulito, a tratti lisergico grazie all’utilizzo mellifluo dei sintetizzatori, su cui si innesta perfettamente la voce baritonale, quasi da crooner, di Tommaso Sapronetti – chiaramente ispirata a quella di Alex Turner. A metà brano, un assolo di sax di oltre un minuto conferisce quella sfumatura jazz che contraddistingue il sound della band, seguito da una chitarra elettrica quasi floydiana che accompagna verso l’ultima ripetizione del ritornello e la conclusione della canzone.

Analizzandone il testo, Make Up, 7AM si rivela un ritratto spietato di bovarismo contemporaneo: la protagonista vive con «The literature manual / On her head, at all hours», intrappolata in un’identità costruita su modelli idealizzati. Come l’Emma di Madame Bovary, anche lei accumula strati di trucco («And then more / And then more / More makeup») nel tentativo disperato di colmare il divario tra ciò che è e ciò che vorrebbe essere, mentre sfoglia ricordi che non valgono «a single pound» perché incapaci di competere con la narrazione romantica che si è costruita. I Cool Cats riescono così a fotografare e mettere a nudo l’insoddisfazione di chi è troppo occupato dalla propria immagine per vivere davvero, sempre «Looking for a pleasure / On the way to a purpose» che resta sempre fuori portata.

La capacità di coniugare raffinatezza musicale a una tale profondità lirica lascia in conclusione intravedere una maturità sorprendente per una band così giovane che sembra essere decisamente proiettata verso futuri successi. Noi, come al solito, vi terremo aggiornati!

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Cosmo: Ciao

Genere: 🌟Pop ⚡Electro

di Vasco Viviani

Sono ormai diciotto anni che Cosmo ci racconta le sue storie: prima con i Drink to Me, poi da solista e come membro di Ivreatronic. Ma soprattutto sono ormai diciotto anni che riesce a mettersi a nudo, parlando dei propri meccanismi interiori, delle relazioni e della sua vita.

Se la musica, oltre a essere espressione, è anche allenamento e catarsi, allora una canzone come Ciao può arrivare ad aiutare, ad aiutare davvero. Quando Cosmo canta dell’arrendersi al proprio cuore, del lasciarsi attraversare dal dolore e dalle paure che spesso non vogliamo sentire, sta condividendo emozioni profonde e importanti. La paura, la perdita, il trovarsi in una situazione nuova e spaventosa. L’immobilità, il sentirsi bloccati: sono sensazioni che tutti abbiamo provato. Spesso però si sbloccano grazie a input esterni, a energie che riusciamo ad attivare attraverso codici, melodie, parole.

E allora forse il ballo e il movimento possono aiutare: il lasciarsi sollevare dalla musica. Quella di Cosmo – come già nel precedente Sulle ali del cavallo bianco, sostenuto da un altro brillante talento, Alessio Natalizia alias Not Waving, presente anche nell’imminente La fonte – è unica, capace di unire l’immediatezza del pop italiano a un suono vaporoso e mai banale. Una musica che crea panorami più grandi di noi, ma dentro i quali possiamo imparare a muoverci. Ne vale la pena.

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Crack Cloud: Safe Room

Genere: 🎸Rock

di Fabrizio Siliquini

I Crack Cloud stanno ormai creando da diverso tempo la loro storia. Il collettivo canadese si è sempre contraddistinto per la propria indipendenza, la volontà di essere fuori dagli schemi, la capacità di essere originali e ogni volta sorprendenti. Lo avevano fatto nel 2024 con il loro ultimo Red Mile, che presentava delle sonorità da punk moderno e raccoglieva una serie di brani che mostravano ancora una volta la crescita inarrestabile di una band unica nel panorama musicale attuale.

Safe Room è il brano che anticipa l’uscita prossima del loro nuovo Peace and Purpose e si presenta diverso da quelli del loro ultimo lavoro, con una batteria sequenziata e chitarre con accenni folk: un pezzo minimale e inusuale nella produzione di Zach Choy (mente e frontman del gruppo) che ha dichiarato di volere tornare alle origini per creare qualcosa che privilegiasse l’intuizione immediata.

Il testo è introspettivo e la metafora del luogo sicuro indica quel posto nel quale poter essere liberi con i propri ricordi, salvi dalle proprie colpe e rimorsi: un posto che non ti protegge completamente, ma dove puoi continuare a vedere le tue ferite guarire, una comfort zone da cercare e da costruire dentro di sé per la propria salvezza.

Il video che accompagna il pezzo è un collage di riprese personali che vanno dal 2001 a oggi e nei quali troviamo gli ultimi giorni di suo padre Danny Choy (spesso ricordato con dolore in molti suoi brani) e momenti felici come immagini di un matrimonio, il tour europeo, fino ad arrivare ai giorni della realizzazione del nuovo album.

Al riguardo, aspettiamo fiduciosi, sicuri che i Crack Cloud sapranno ancora sorprenderci.

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Lande Hekt: Lucky Now

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Manuel Graziani

Quando si prova a raccontare musica di questo genere, gli aggettivi “estatico” e “struggente” vengono fuori come una scorreggia non più procrastinabile. La retorica del recensore musicale va a braccetto con la banalità della fisiologia umana, tocca farsene una ragione. Almeno io non saprei descrivere in altro modo la title track del nuovo album della cantautrice inglese, già bassista e cantante dei Muncie Girls.

Su Mojo hanno messo nero su bianco che la Nostra «brilla nella migliore tradizione indie post-Smiths». Mi piace, anche se non so esattamente cosa significhi. Da (ex) ragazzo di provincia, che ricorda bene le proprie turbe adolescenziali, penso più ai Sundays e all’elegante timbro vocale di Harriet Wheeler.

Con una grazia malinconica dai toni pastello – dico pastello non a caso, riferendomi proprio ai Pastels – Lande Hekt mette in fila momenti della sua vita per esorcizzarli nella speranza di un futuro migliore. I versi «Walking around my old life now to make sense of a changing scene / Crisp packet in the storm, that was you since you were born» non sono leggeri: hanno a che fare con dilemmi e delusioni legati alla sua precedente band, all’incendio del locale in cui lavorava e ai conseguenti problemi di alcol che l’hanno perseguitata.

Lucky Now è una (bella) canzone pop con più di un prefisso. Ne cito solo tre: indie, jangle, twee.

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Lili Refrain: Nagal

Genere: 🎶Altra musica 🪕Folk

di Max Zarucchi

Torna Lili Refrain e continua ad ammaliare e rapire, grazie a un metodo compositivo stratificato, che non può non incantare completamente l’ascoltatore più attento. Se è vero che il punto di forza dell’artista italiana sono gli spettacolari concerti dal vivo (vere e proprie performance dove la bravura e l’intensità della Nostra riescono a raggiungere un climax inarrivabile), è altrettanto vero che anche l’ascolto dei lavori in studio dell’artista capitolina continua a regalare non poche soddisfazioni.

Nagal (termine ispirato al sanscrito antico) descrive trasformazione e profonda saggezza, simboleggiate da un serpente sacro, Naga, appunto. Il senso di rinascita e purificazione è palpabile nello scorrere del brano, come un respiro che si fa man mano più intenso e profondo, un’azione catartica che abbraccia tutti i sensi e li eleva in qualcosa di superiore.

Tratto dal disco di prossima uscita (Nagalite, il 27 marzo), questo singolo visionario e ipnotico porta con sé radici profonde che affondano nel mediterraneo multietnico, allargando ancor di più il raggio d’azione di Lili, vera sciamana positiva dei nostri tempi, un’artista il cui unico limite è dato dalla pigrizia dell’ascoltatore medio. Ma lei, fortunatamente, se ne frega e va avanti per la sua strada.

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Love Rarely: Will

Genere: 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Sondaggio: vi è mai capitato di chiedervi cosa potrebbe venir fuori da una (im)probabile fusione tra gli American Football e gli Animals as Leaders? No? Questo vuol dire che siete sani, cari lettori, a differenza di chi vi sta scrivendo con tanto amore.

Okay le associazioni alquanto esotiche, però troppo lontano non devo esserci andato facendo girare i Love Rarely in cuffia. E se il concetto di amicizia tra djent e midwest emo vi fa venire un’improvvisa voglia di un’overdose di Gaviscon per seppellire il bruciore, allora addolciamo la pillola: la band di Leeds sperimenta parecchio con il math rock (University), in maniera più seria nei precedenti singoli, per vie più groovy – ma non meno impegnate liricamente – nell’ultima Will.

Slap traslato sulle chitarre in clean, melodie che uncinano metalcore melodico (Good Tiger) e pop rock, subito pronte a infiammare picchi in modalità screamo (in ciò aiuta il doppio cantato di Courtney Levitt), tempi che vanno a farsi fottere, tra interruzioni brusche e dilatazioni eteree che fanno boccheggiare una trama strumentale dalla notevole tecnica e dall’effluvio jazzy che tanto ci piace.

Un po’ di freschezza compositiva (e di timida genialità) a sgrossare il panorama alternativo inglese, fin troppo saturo di band fotocopiate.

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Myrkur: Touch My Love and Die

Genere: 🤘Metal 🌟Pop

di Max Zarucchi

È curioso constatare come nella musica, in generale, la storia si ripeta un po’ per tutti. Spesso si inizia con una proposta fuori dagli schemi, che attrae l’attenzione dei duri e puri. Questi ultimi vanno a consolidare lo zoccolo duro principale, la pietra su cui costruire poco alla volta il trampolino che porta nelle zone alte della classifica. Il fan numero uno non lo sa, ma tendenzialmente l’iter è quello. Ecco allora che, uscita dopo uscita, gli angoli si smussano, i suoni si fanno più accomodanti e la proposta artistica assomiglia sempre di più a qualcosa di pop(olare), con sdegno del gruppetto sottopalco di cui sopra, ma con nuove folle adoranti pronte a tutto.

Ecco, non ci sono ancora le ragazzine che copiano il look e si scambiano i braccialettini colorati ai concerti, ma ascoltando questo nuovo singolo di Myrkur è evidente che la strada è quella. Magari più snob e d’élite, ma insomma è alle arene che punta la bionda danese. Nulla di male, sia chiaro: finché il compromesso sarà formato da brani come Touch My Love and Die la qualità non si discute.

Molto più orecchiabile del solito, Amalie Bruun gioca la carta della sensualità epica e inavvicinabile, per un brano che – spera – porterà la Nostra (pensa un po’) all’Eurovision 2026. Di folk c’è rimasto poco, di metal pure (questa è roba da colonna sonora, siamo onesti) ma per ora Myrkur ha ancora molto da dire. Speriamo non si perda troppo.

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Straight Arrows: Middleman

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Manuel Graziani

Il garage, con il suffisso “rock” o “punk” fa lo stesso, è un genere dichiaratamente revivalista. Estetica Sixties a pallettoni, quindi strumentazione vintage con immancabile chitarra o basso Vox, Beatle Boots, acconciature âgé, orridi pantaloni a zampa d’elefante, striminziti giubbottini scamosciati ecc. – non se ne può più.

Per fortuna sta prendendo piede la nuova scena weirdo che se ne fotte dei canoni stilistici. Ma anche tra i tradizionalisti del genere c’è qualcuno che esegue il compito con una personalità che fa rima con originalità. Tra costoro gli Straight Arrows di Sydney, che dopo quattro album e una decina di singoli continuano a incendiare i dancefloor R’n’R.

Middleman, lato A del nuovo 7” su Goodbye Boozy – il loro terzo singolo pubblicato dall’etichetta abruzzese che c’invidia l’intero mondo underground – poggia su una solida chitarra dal riverbero surf che apre la strada alla voce effettata, seguita da un andirivieni di cori nelle retrovie. Il pezzo parla di come relazionarsi «con persone senza una propria opinione, i facilitatori. Baciare il culo al capo mentre si fotte il dipendente, il tutto con un sorriso»: queste le parole esatte del frontman Owen Penglis che ha tratto ispirazione dal breve periodo del COVID, durante il quale si è dovuto trovare un vero lavoro.

Owen Penglis che, per la cronaca, è un bel figlio di buona donna: nel senso che sa come toccare le corde giuste. E, sempre per la cronaca, è anche un bel figlio d’arte: negli anni Sessanta il padre Theo è stato il chitarrista e fondatore della band surf The Atlantics.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

• Il quieto incendio di Roberta Flack

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• I Motorpsycho che continuano a non sbagliarne una, il circo cosmico dei Sacred Cowboys, i Dining Rooms con Chiara Castello

• Danno e la voglia di portare il rap altrove

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Esordiamo con una domanda sibillina ma non troppo: come fanno? Stiamo parlando dei Motorpsycho, sì. E se avete la risposta, fate un fischio.

Ma rimaniamo in tema di vecchi volponi che continuano a centrare il bersaglio: gli Exodus e la loro ennesima bordata micidiale, i Sacred Cowboys con ancora una carogna sul groppone che la metà basta, ma anche il buon Cesare Malfatti, qui di nuovo in pista con il progetto The Dining Rooms e la collaborazione di Chiara Castello.

Restando in Italia, ecco anche il post-rock onirico dei Northway e il talento cristallino – a metà tra folk e metal – di Erika Azzini, in arte Kæry Ann.

Il resto vede scorrere in ordine sparso l’intimismo dolente di Pem, il rock trascinante degli Sky Valley Mistress, il guitar pop molto Yo La Tengo degli Special Friend e l’hardcore ringiovanito degli XCOMM, progetto di Revel Ian, figlio di Scott Ian degli Anthrax.

Exodus: 3111

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

La prima cosa che colpisce di questo nuovo brano degli Exodus in realtà c’entra poco con la musica. Il videoclip scelto dai thrashers per promuovere il loro 3111 è sicuramente pieno di immagini violente, riguardanti l’assunzione di droghe pesanti, lo spaccio delle stesse e tutte le paccate di soldi che ci girano intorno, dai cartelli della droga ai paesi che la importano. Bene, in un momento storico in cui ogni giorno persone di tutte le età (dai bambini ai vecchi) sono bombardate da immagini strazianti di infanti massacrati a Gaza o di semplici manifestanti che a Minneapolis vengono freddati senza pietà da uomini pagati dal governo, la mannaia della censura di YouTube fa sorridere un pochino. Amaramente.

Ma torniamo alla musica. È un piacere sentire come i Nostri abbiano inglobato nuove influenze: vi sono forti venature in stile Asphyx nella lunga intro, così come è impossibile non intravedere un paio di passaggi alla Slayer. Eppure il tutto suona tremendamente Exodus dall’inizio alla fine, perché quando sei tra quelli che hanno fondato un genere, non hai paura a pescare qua e là: quelle sono le tue radici e nessuno te le può toccare. Il brano spacca parecchio, è una bordata micidiale, con un mid-tempo letale che farebbe il paio perfetto dal vivo con una ‘Til Death Do Us Part, ovvero tutto ciò che un fan della band vuole oggi.

Se proprio bisogna trovare un neo, è la produzione: un po’ asciutta e fin troppo schiacciata, a dire il vero, ma d’altra parte siamo nel 2026, le cose vanno così ed è inutile continuare a sognare un mondo sonoro che non c’è più. Ottima prova per Gary Holt e soci, in attesa del nuovo album, Goliath.

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Kæry Ann: Todeslied

Genere: 🪕Folk 🤘Metal

di Vasco Viviani

Todeslied è una dimostrazione di fiducia, un lasciarsi andare per raggiungere letteralmente l’altro mondo. Un brano ipnotico che sembra tenere a bada e a regime le nervose trame chitarristiche quasi per prenderne solo le porzioni e la potenza necessarie. La batteria pulsa come un cuore, come se potesse cessare da un momento all’altro, mentre, con voce da angelo (o da sirena), Kæry Ann incarna questo eterno abbandono, da cui partono sfuriate strumentali dopo le quali è troppo tardi per recuperare la pace tanto ambita, quella eterna. Ma forse è soltanto catarsi, forse è l’ultimo guizzo prima di abbandonare un luogo carnale e pratico del tutto distaccato dal sentimento che qui si proclama.

Una canzone di mortalità più che di morte, che, essendo traccia concreta, non potrà essere né fagocitata né scordata. Magari rimarrà come simbolo, come ricordo di storie passate a miglior vita o al nulla. Di certo la potenza espressa da Erika Azzini è personale e studiata, come una scarica scagliata in un percorso prestabilito. Potrà crepare le pareti e gli angoli, ma non cambiare la direzione di marcia. Si contano i passi, i respiri, si sentono i suoni forse per l’ultima volta, si alza il volume (ecco, ancora) come se non ci fosse un domani. Insieme a lei, il basso di Francesca Papi, le pelli di Fabio Orticoni e la chitarra di Davide Rosa, a creare su richiesta un muro di suono che prelude all’ineluttabile.

Difficile decidere quale potrebbe essere la propria ultima canzone. Bello pensarci ascoltandone una, cercando di immaginare il più grande mistero che ancora ci rimane. Ascoltiamola, passeggiando, osservando, lanciando corna al cielo e vibrazioni alla terra, sperando che nell’aldilà abbiano un impianto audio divino, o infernale. De gustibus, basta che regga l’urto del massimo volume.

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Motorpsycho: The Gaia II Space Corps

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

La domanda che ci si dovrebbe porre, semplicemente, è: come fanno? Sono passati trentacinque anni dalla nascita dei Motorpsycho e negli ultimi giri della Terra attorno al Sole i Nostri non solo non hanno diradato le uscite come è comune fare tra i musicisti della loro generazione ancora in attività, ma hanno intensificato! Si parla ormai di un album all’anno, come nei favolosi anni Settanta e Ottanta.

Ma non è solo una mera questione di numeri: riescono (ma come? Come?!) a mantenere un livello qualitativo altissimo, che scavalla di non poco il semplice compitino continuando a sfornare dischi e canzoni ispirate, di livello nettamente alto.

Prendete questa nuovissima The Gaia II Space Corps, title track del prossimo album in uscita il 23 marzo. Un suono polveroso imbevuto di Seventies, tra hard rock e proto-heavy metal, atmosfere sci-fi e suggestioni lisergiche. Qualcosa che rimane però assolutamente personale: se in superficie sembra di ascoltare una roba lontanissima dallo stile di coloro che pubblicarono quel capolavoro che era Angels and Daemons at Play, bastano un paio di ascolti fatti come si deve per ritrovare quel gusto unico nel tessere armonie e trame melodiche subdole ma terribilmente affascinanti, quel fintamente svogliato che ha fatto la fortuna dei norvegesi.

Ironizzando, l’unica scommessa che si può fare, arrivati a questo punto, è: quando faranno un disco mediocre? Probabilmente mai.

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Northway: Surrender

Genere: 🎸Rock

di Giuseppe Rapisarda

Dopo una lunga pausa i Northway pubblicano per la label I dischi del Minollo Impulse, Surrender!, un EP espressione diretta di una visione cinematica della musica che guarda al post-rock come mezzo espressivo più naturale. Il nuovo lavoro ha una spinta che porta con sé il senso di una rinascita, anche grazie a una nuova line-up. Le due tracce sono in qualche modo legate reciprocamente da un medesimo filo conduttore, da un’energia che sembra irrompere sulla scena da un momento all’altro, come a volere a tutti i costi riempire un vuoto immaginario.

La seconda, Surrender, è una lunga scia sonica di quasi sette minuti, costituita da segmenti di diversa portata emotiva che si intersecano fra loro fino a creare un climax che lentamente si costruisce più sulla sottrazione che per saturazione: forse la sintesi di quello che i Northway sono diventati oggi, nonché uno scorcio di un futuro prossimo.

Siamo su un territorio vicino ai languori Mogwai così come agli Explosions in the Sky per la modalità di un andamento marziale su cui poggiano le note, oltreché per la ricerca di una soffusa magniloquenza. Si percepisce come la band milanese abbia assimilato l’interplay di Munaf Rayani e Mark Smith per la definizione delle sospensioni e delle ripartenze, ma soprattutto per la narrazione di una dimensione di fragile intimismo che sembra essere il posto più sicuro in cui rifugiarsi in tempi così oscuri.

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Pem: Milk, Blue

Genere: 🪕Folk

di Giampiero Pelusi

«And everyone’s new / You’re the new moon». Perdita e reincarnazione, due anime che cercano disperatamente di stringersi senza riuscire più a trovarsi. Due piani paralleli che paiono distanti anni luce, eppure c’è qualcosa che tiene vivo questo legame invisibile: è una luna radiosa, che lavora come un instancabile argano, tirando a sé le due estremità, quella del dolore terreno e quella dell’amore eterno.

Pem ci parla di labilità, di caparbietà, di sentimenti che non si arrendono nemmeno al più straziante dei distacchi: quello con l’aldilà. Ma è un aldilà di cui la musicista bristoliana cerca disperatamente una prova tangibile, tentando di costruire una rotaia – o meglio, uno shuttle emotivo – per raggiungerlo.

Si accontenta di un punto d’incontro, di questa luna piena e lucente, la stessa che cullava gli ultimi sospiri del padre, la stessa che da quel giorno torna ciclicamente a risplendere di un’intensità confortante: in Milk, Blue sentiamo l’abbraccio di un folk minimalistico che rade al suolo qualsiasi tipo di sperimentazione – pochi accordi arpeggiati garbatamente e accenni di archi che lacrimano senza far troppo rumore, come a non voler scalfire l’intensità cruda delle liriche – e la voce di Pem che boccheggia distorta, come se parlasse dall’interno della navicella, come se volesse mascherare il tremore nelle parole.

È un’ode dilaniante: a chi non c’è più e alla forza psicologica di affrontare la propria fragilità, spogliandosi completamente dinanzi al chiarore di una notte insolitamente luminosa.

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Sacred Cowboys: Cosmic Circus Escapees

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Manuel Graziani

I Sacred Cowboys hanno pubblicato il primo singolo, Nothing Grows in Texas, nel lontano 1982. Un pezzo che sapeva di Wall of Voodoo – l’anno prima Stan Ridgway & Co. avevano dato alle stampe quel capolavoro di Dark Continent presto doppiato da Call of the West – e anticipava le slabbrature post roots dei Violent Femmes, probabilmente senza immaginarlo.

A intermittenza, pochi alti e molti bassi, i vecchi ragazzi di Melbourne sono arrivati ai giorni nostri con una carogna sul groppone che metà basta. Almeno questo farebbe pensare il delirio hard R’n’R noise messo su in Cosmic Circus Escapees, apripista del nuovo album In the Manifesto che esce a quasi vent’anni di distanza dal precedente.

Voce attufata, chitarre neurodivergenti, sezione ritmica nelle mani di due galeotti in permesso premio, un sax free che spernacchia senza particolare senso, qualche coro scomposto nel finale. Praticamente gli Stooges resuscitati giusto per due minuti e poco più.

Ricordate cosa diceva George Clooney nella pubblicità della Nespresso?

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Sky Valley Mistress: Too Many Ghosts

Genere: 🎸Rock

di Vasco Viviani

La pilota e il comandante – Kayley “Hell Kitten” Davies e Max “Leather Messiah” Newsome – sono due tipi particolari e non potevano che unirsi come Sky Valley Mistress. Amano i suoni grassi, la velocità e il rock’n’roll. Kayley in più ha una voce stratosferica e Max dei capelli bellissimi, cosa che non guasta. Talmente attenti all’immagine e allo stile che stupisce quasi siano tanto gagliardi, segno dell’attenzione a un disegno generale che non ti abbandona più una volta incrociato il tuo sguardo.

Non c’è nulla in Too Many Ghosts che non sia già stato fatto, cantato e suonato un milione di volte, eppure è tutto diverso, ancora. Perché quando Hell Kitten arrota in quel modo l’ugola, lasciando che il suono si prenda gli spazi creando quasi delle turbine che aggiungono cavalli all’automobile lanciata, è impossibile non scuotere la testa. Cintura allacciata, serena, fino a incontrare Leather Messiah in mezzo al nulla e lasciare che prenda il suo prezioso strumento dall’auto collegandolo agli amplificatori. D’un tratto mi torna in mente una scena di Cuore selvaggio: Lula Pace Fortune smette di guidare improvvisamente nel nulla, risveglia Sailor Ripley e gli dice che non ne può più della radio, che ha bisogno di rock’n’roll e quando becca la frequenza giusta è ballo, è amore, è catarsi. E questo gli Sky Valley Mistress lo sanno perfettamente, mentre alzano il volume e lasciano che tutti gli elementi tornino al loro posto.

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Special Friend: Breakfast

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Manuel Graziani

Guillaume Siracusa canta e suona la chitarra. Erica Ashleson canta e suona la batteria. Un duo misto. Lui francese, lei americana (la troviamo anche nella formazione allargata degli ottimi EggS). Si sono conosciuti a Parigi nel 2018 tra il pubblico di un concertino. Da quel momento hanno iniziato a suonare assieme un indie pop spontaneo, integro, scarno, mediamente lo-fi.

Per lanciare il terzo album, in uscita a marzo su Howlin’ Banana, scelgono la strada del minimalismo più spinto. A partire dal video che definire DIY è un eufemismo: il modello di Breakfast è Crawl Babies dei Pastels, ma loro riescono a farlo ancora più basico.

Erica ha una bella voce, naturale, ammaliante al punto giusto. Guillaume armonizza dietro, con discrezione, abbottonato dentro la sua tuta oversize Sergio Tacchini anni Ottanta. Musicalmente, siamo al cospetto di un guitar pop ben ritmato che ha il sapore degli Yo La Tengo più sbarazzini.

Alla fine dei due minuti netti del pezzo, puoi solo constatare che amici speciali come questi due non ce li hai. E che vorresti averli. L’umore ne gioverebbe.

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The Dining Rooms & Chiara Castello: Just Pretend

Genere: ⚡Electro 🪕Folk

di Vasco Viviani

Le cose bisogna farle bene e i meneghini Dining Rooms, da quasi trent’anni sulla traccia, le hanno sempre fatte così.

Prendiamo questa Just Pretend, un brano che diremmo cesellato oltremanica, fra umori folk e vapori trip hop, con la voce meravigliosa di Chiara Castello a legare mondi fra sogno e finzione. Un pezzo che sembra sciogliersi fra le mani come sabbia impossibile da catturare, e che ci rimane attaccato come un ricordo leggero, quello che di solito ci scrolliamo di dosso al mattino sciacquandoci la faccia. Una storia che passa attraverso gli elementi e che non possiamo che seguire con il naso all’insù, dietro all’animazione del video con le illustrazioni di Sara Vivan, guardando viaggiare una piccola scheletrina fra i colori, seduta su una musica. Sembra quasi che il testo rispecchi ciò che proviamo ascoltandolo: «If we move with the shadows / of dreams that slipped away / we’ll never walk alone».

E allora siamo noi a camminare, mentre questa bellezza, questa grazia e queste atmosfere ci accompagnano rincuorandoci: a Milano ma guardando oltremanica, fino a sorvolarla a bordo della stessa nuvola. Un tempo forse l’avremmo chiamata folktronica, di certo è musica che ha resistito mantenendo quel tipo di candore e di innocenza, muovendosi nel cielo così come lo faceva Shara Nelson per le strade di Los Angeles in Unfinished Sympathy con i Massive Attack. Convinta e lineare, seguendo solo il proprio ritmo, a chiudere un percorso personale che diventa collettivo e condiviso.

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XCOMM: Fake ID

Genere: ✊Punk 🤘Metal

di Max Zarucchi

È stato curioso vedere la crescita artistica e musicale di Revel Ian, figlio di Scott Ian degli Anthrax, dato che il padre – spesso e volentieri – nei suoi social postava video amatoriali in cui lo si vedeva duettare proprio con il pargolo, coverizzando pezzi di Sepultura, S.O.D. o robetta simile.

Non è strano quindi che, all’età di soli quattordici anni, il ragazzino sia già seduto dietro le pelli per un debutto discografico vero e proprio assieme a qualche amichetto. Raccomandazioni? Beh, suvvia, non nascondiamo la testa sotto la sabbia. Sicuramente una spintarella può far comodo, ma è innegabile quanto il Nostro sia davvero dotato di talento, alimentato e sostenuto sin dalla tenera età.

Il brano di questi XComm è una bordata hardcore made in U.S.A. con i controattributi: letale, tagliente e precisa come un’anfibiata in bocca. E suona pure da dio! Poi uno guarda e vede che alla produzione c’è Ross Robinson. E allora torniamo al punto di partenza: le raccomandazioni – come il denaro – non sono tutto, ma se ci sono aiutano molto.

Che questo sia il punto di partenza per una carriera florida (un po’ come è stato per l’altro figlio d’arte, Taj Trujillo, con il papà ben saldo dietro le quattro corde dei Metallica) sarà tutto da vedere. Di certo le carte in regola sembrano esserci tutte, vedremo se l’album di prossima uscita (Time to Burn) sarà una piccola sorpresa o meno.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

• Danno e la voglia di portare il rap altrove

• Bad Bunny al Super Bowl ha fatto ballare tutti, meno Trump

• Guida al krautrock (dal ‘70 al ‘75) in 10 dischi

• I Sunn O))) in duo, i Cardinals che cantano l’amore anche se non è per sempre, i Tacoblaster che se la spassano come al solito

• Chi diamine sono i Kneecap?

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Non serve troppa gente per sventrare i padiglioni auricolari, soprattutto se vi chiamate Greg Anderson e Stephen O’Malley. Stessa cosa per provare a dare un minimo di visibilità alla musica occitana, se vi chiamate Caroline Dufau e Lila Fraysse. Così come non serve troppa teatralità per cantar d’amore, soprattutto se ti chiami Euan Manning. E alla fine puoi fingere di essere un surfista californiano a suon di R’n’R disimpegnato, anche se sei francese e ti chiami Tom Caussade. O riassumere il pop rock internazionale in poco più di un minuto, anche se sei campano e ti chiami Rosario Memoli. Se invece ti chiami Sophie Harris? Allora, con quella voce che ti ritrovi, puoi fare un po’ quello che vuoi.

E poi abbiamo Emmett O’Connor che non fa sfigurare la storia synth punk di Cleveland. I Brigitte Calls Me Baby pronti per un bel pigiama party. I Fotocrime che fanno incontrare Bruce Springsteen e i Killing Joke. I Trauma Ray fanno i conti con la fine degli anni Novanta (Helmet, Deftones, Silverchair, Alice in Chains… proseguite voi la lista).

Brigitte Calls Me Baby: Slumber Party

Genere: 🎸Rock

di Fabrizio Siliquini

I Brigitte Calls Me Baby hanno esordito nel 2024 con The Future Is Our Way Out, un album che raccoglieva per la maggior parte brani già pubblicati negli anni precedenti e qualche pezzo nuovo, come per esempio I Wanna Die in the Suburbs, che dimostrava ampiamente le loro qualità. Un buon esordio che comunque non li ha esonerati da qualche critica, in particolare quella di essere eccessivamente derivativi, vista la loro prossimità al sound degli Smiths e alla voce (e al ciuffo) del carismatico frontman Wes Leavins, che – con variazioni da crooner – lo avvicina allo stile del nostro caro Morrissey. Critiche pretestuose, perché l’album era delizioso e la band ha dimostrato con un lungo tour (che ha toccato anche l’Europa e tuttora continua) un notevole impatto anche live.

Slumber Party annuncia l’uscita del loro nuovo album Irreversible, che sarà la vera prova del loro valore, e per il momento non delude, grazie a una batteria martellante e una scintillante chitarra jangle che lascia a tratti spazio all’ottimo basso di Devin Wessels (uno dei punti di forza del gruppo).

Il testo parla di isolamento e solitudine (anche qui ci troviamo un po’ di Morrissey): il pigiama party simboleggia il momento della vicinanza per aiutare a uscirne, così come la citazione nel testo del film Blue Velvet non è causale, considerate le tematiche di isolamento e alienazione presenti nel capolavoro di David Lynch.

Insomma, i Brigitte Calls Me Baby sono tornati per dimostrare a tutti che hanno una loro anima, unica e originale, ancora da scoprire pienamente.

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Cardinals: I Like You

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Emanuele Podda

Dopo una prima metà del 2025 caratterizzata da una relativa stagnazione, la band irlandese dei Cardinals ha cominciato a rilasciare a partire dallo scorso settembre una serie di singoli che anticipano uno dei debutti alternative rock più attesi del 2026, ovvero Masquerade. I Like You, l’ultimo a essere pubblicato, rappresenta la prima canzone scritta appositamente per la nuova opera.

Con questa traccia, i cinque ragazzi di Cork confermano l’arricchimento della loro palette sonora rispetto alle sfumature post-punk degli esordi – che avevano attirato paragoni con i connazionali Fontaines D.C. – dimostrandosi assolutamente padroni di una ritmica slacker rivestita da una patina lo-fi. A essa si aggiunge poi un tocco folk, da un lato grazie all’utilizzo della fisarmonica, strumento tradizionale irlandese onnipresente nelle loro produzioni e che in questo caso segue una progressione armonica che ricorda da vicino quella di This Is the Day, dall’altro tramite la voce cruda e viscerale di Euan Manning, che richiama molto quella di Conor Oberst, cantante dei Bright Eyes.

Il tema centrale della canzone, costruita intorno al verso «Don’t change your hair for me» (citazione diretta da My Funny Valentine di Chet Baker), è il rifiuto della teatralità amorosa. Al suo posto, un rapporto sicuramente più situazionale ed effimero – e quasi sicuramente destinato a finire – ma forse più immediato e sincero. In questo senso va letto il candido «I like you», titolo del brano che Manning ripete nel ritornello e che riduce il carico melodrammatico del pezzo rispetto alla possibile, pesante alternativa: «I love you».

Il risultato finale è una ballad amorosa post-moderna in cui a essere celebrata è l’autenticità di un sentimento vissuto con un certo distacco nella coscienza della sua finitudine. Una sensazione meno travolgente dell’amore classico ma, in prospettiva, sicuramente più autoconservativa per chi, come Manning, non vuole che il suo dolore strabordi oltre i margini del foglio quando dovrà scrivere la canzone d’addio per la sua bella.

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Cocanha: Diuré samsir

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Da Tolosa, Caroline Dufau e Lila Fraysse sono le attuali Cocanha (dopo la defezione di Lolita Delmonteil-Ayral e Maud Herrera, presenti rispettivamente nei primi due e nel terzo album), duo occitano di voci e percussioni che, insieme al produttore spagnolo Raül Refree, porta avanti un’attualizzazione del proprio canto tradizionale. Le due artiste lo fanno slegandolo dai solchi standard ed entrando con merito nella grande famiglia francofona tornata in auge in questi anni, fatta di persone diverse tra loro, ma pungenti e profonde come Alice, Loup Uberto e Bégayer, La Tène.

In Diuré samsir le voci di Caroline e Lila rappresentano e rispecchiano una campagna, un’agricoltura violata e ricoperta di cemento. Testarde e alla deriva nella democrazia come si dipingono, di certo l’apparire desuete o bizzarre sarà l’ultimo dei loro problemi. Infatti, confermano quanto risaputo: partire da se stesse, dal cuore, dall’anima, è sempre l’arma vincente. Lasciare un messaggio umano e personale non potrà che portare attenzione, ammirazione, interesse affinché si possa approfondire una proposta e innamorarsene perdutamente.

La lingua occitana è bellissima, anche se per cercare tracce passate la mia memoria viaggia addirittura ai magici Lou Dalfin di Sergio Berardo. Questo ingresso delle Cocanha (o la loro attuale visibilità, a me nascosta per anni) sul nostro asse musicale è una boccata d’ossigeno, intellettuale e fisico, che ci porta a provare passi di danza nuovi e parole azzardate e vitali.

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Emmett O’Connor: Chrome Crusher

Genere: ✊Punk ⚡Electro

di Manuel Graziani

Chi segue il punk primigenio sa che Cleveland è uno snodo principale. Dai Rocket from the Tombs – da cui avranno origine Pere Ubu e Dead Boys – ai Pagans, passando per il proto-punk di Mirrors, Electric Eels e senza dimenticare i Devo della vicina Akron.

Ergo, se vieni da quelle parti lì ti senti addosso un discreto peso. Ancor più se hai un padre che ha fatto parte della scena punk, seppur negli anni Novanta: mi riferisco a Marty O’Connor, ex batterista degli Aggravators, oggi capo battaglione dei vigili del fuoco di Cleveland e apprezzato pittore.

La storia ha inizio una decina d’anni fa quando i fratellini, in senso letterale, Cullen (organista e cantante quattordicenne) ed Emmett (batterista e cantante diciassettenne) mettono su l’esplosivo duo Archie and the Bunkers. Ne sa qualcosa chi ha avuto il piacere di vederli nel 2017 sul palco del Festival Beat di Salsomaggiore Terme.

Poi si cresce, la vita prende altre strade, la fratellanza r’n’r si appanna ed Emmett diventa un pompiere come il padre. Tutto è bene quel che finisce bene? Col cazzo. Se di giorno spegne incendi, la sera li appicca, il nostro bel ragazzotto dell’Ohio. Nel 2024 si rimette a percuotere la batteria e urlare al microfono con il trio MK Ultras, sei mesi fa se ne esce con un delirante album solista.

Nel singolo Chrome Crusher, disponibile in una limitatissima edizione in vinile 5” trasparente, continua a scavare nel pozzo del synth punk più macilento e lo-fi. Tastierine e drum machine super basiche da fine del mondo, voce strozzata e via andare. Una fiammata per pochi. Di certo per chi continua ad amare i Suicide.

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Fotocrime: Plowjob

Genere: ✊Punk ⚡Electro

di Vasco Viviani

Plowjob dei Fotocrime (con i contributi ai cori di Aaron Turner dei Sumac) è un brano perfetto per come spinge il cantautorato rock’n’roll verso il noise, attraverso un filtro ‘80. Citare Ministry e Killing Joke non sarebbe a vanvera, ma si sente anche moltissimo Bruce Springsteen dentro a questi tre minuti e poco più.

La band ha subìto una mezza rivoluzione attorno alla figura del leader Ryan Patterson, con l’entrata di Benjamin Clark alla chitarra e David Cundiff al basso, ma credo che Mother (la fedele drum machine che accompagna le gesta di Patterson fin dall’esordio Principle of Pain del 2018) sia ancora della partita.

Plow è un vero e proprio aratro, attrezzo in grado di scavare e poi esternare e far reagire un piccolo bambino solitario dopo anni passati a ingoiare. La reazione non è un urlo, ma pura intensità che esce direttamente dalle nostre viscere, un suono compatto che apre al rock’n’roll lambendo lo stoner, con la consueta vis electro alla quale la band di Louisville ci ha abituati.

Alla resa dei conti Plow è un brano per nulla innovativo, ma che – oggi come quarant’anni fa – può convincere grazie a pochi e dosati ingredienti, fatti montare con la giusta furia.

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Modern Woman: Dashboard Mary

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Giampiero Pelusi

Potremmo trovarci in una sala semideserta di un cinema, nel momento esatto in cui le luci iniziano a smorzare la loro intensità e la macchina da presa inizia a scaldarsi. Ma potremmo essere anche sul cassone di un pick-up o su un vecchio autobus con la tappezzeria andata a farsi fottere, con gli occhi dispersi in scenari labili e strade che vengono inghiottite dai sogni e dai rimorsi.

Una pellicola on the road o un viaggio allucinato di cui ricordiamo solo alcuni preziosi dettagli: viene fuori così Sophie Harris, con questo climax che pare non riuscire più a contenere il fardello emotivo e le ampie vedute strumentali dell’artista inglese, tanto che il moniker Modern Woman si sbriglia dal singolo e ingloba al suo interno l’idea di una band.

Era necessario, e il risultato è fenomenale, tanto che Dashboard Mary emana un bagliore evocativo nella sua crescente orchestralità, coltivando lentamente lo storytelling – si aprono atmosfere rarefatte e calde alla Ethel Cain di Preacher’s Daughter – fino a farlo detonare, tra liriche accarezzate prima e vocalizzi liberatori dopo, che incollano i mattoni strumentali – ambient folk in ingresso, soft rock da ballad al centro, fuochi d’artificio simil nu gaze e classic rock (di stampo americano) per un finale estatico.

Sophie Harris riveste il cantautorato con una giacca di pelle, lascia che Dashboard Mary sia il banco di prova per la sua estensione vocale – provate a immaginarvi, per un attimo, una creatura ibrida la cui ugola sia accudita da Florence Welch, Dana Margolin e Anna B Savage – e compatta tutto nel miglior biglietto da visita possibile per i Modern Woman.

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Sunn O))): Glory Black

Genere: 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

Tornano i Sunn O))), stavolta come duo, con un nuovo brano anticipatore del prossimo album omonimo in uscita il 3 aprile per la gloriosa Sub Pop.

Se è vero che la formula dei nostri bene o male è rimasta la medesima, è altrettanto evidente quanto la loro ricerca sonora (leggi: voglia di guardare oltre il classico muro di suono) continui a risultare interessante, perlomeno per tutti coloro che hanno sempre seguito il progetto dei ragazzi di Seattle. Non ci si trova di fronte a un cambiamento radicale, sia chiaro, ma è innegabile quanto l’atmosfera si sia diradata, pur rimanendo stratificata all’inverosimile.

Ciò non vuol dire assolutamente che ci troviamo di fronte a un singolo pop orecchiabile e piacevole (sia mai!), anzi, le prerogative del loro approccio rimangono intatte. Certo è che sarà curioso ascoltare il brano nella sua interezza all’interno dell’album, a volumi osceni, con lo stomaco e i vicini che chiedono pietà.

Greg Anderson e Stephen O’Malley hanno colpito ancora: avvertite i vostri padiglioni auricolari.

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Tacoblaster: Toxic Surfer

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Manuel Graziani

Il testo rasenta il ridicolo. Praticamente «Get out of my wave» urlato a ripetizione per metà pezzo. Ma, siamo onesti, chi dà peso alle parole nel R’n’R? È la botta la componente principale-irrinunciabile. E in Toxic Surfer c’è eccome.

A sottolinearlo il video, con i suoi effetti (tutt’altro che) speciali, diretto dal biondino emaciato Tom Caussade, che nel trio di Bordeaux fa gran parte del lavoro: canta, suona le chitarre (elettrica, acustica, lap steel), sovente la batteria e il basso, nonché il piano, l’organo e il theremin.

Quando parte la ritmica dritta, con i rintocchi dei synth spernacchianti, siamo catapultati in uno di quei DJ set alt rock anni Novanta frequentati da studenti fuorisede. Bicchieri di vino rosso al metanolo e via andare.

La voce sta sotto, soffocata dagli effetti e forse anche dal vino di cui sopra. Chitarra e basso diventano un tutt’uno e provano a fare la voce grossa tra le onde alte del surf punk in bassa fedeltà, riuscendo nell’intento soprattutto quando affondano sul pedale del fuzz.

Alla fine, come nel gioco delle carte dei ragazzini nerd, con questa “strategia di avvelenamento” i Tacoblaster portano a casa la loro piccola partita.

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The Provincials: Don’t Mind

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Vasco Viviani

Don’t Mind dei Provincials è il classico brano perfetto per passare dalla notte al giorno, o dal giorno alla notte. Canzone che mette il suo meglio nei passaggi sotto traccia e che quando alza la voce è già conclusa, come le migliori albe o tramonti più speciali.

On the road, seguiamo uno scacciapensieri fissato allo specchietto sulle strade (ovviamente provinciali) mentre con trentacinque parole Rosario Memoli ricama perfettamente il genere umano maschile, il suo arrovellarsi senza riuscire a concludere nulla, poco più di un minuto e mezzo che potrebbe durare una vita intera. Il darsi il tempo iniziale, la chitarra che entra, l’essere ripetizione continua in una vita che segue le nostre inclinazioni e le nostre possibilità e la coerente espressione delle note, che alla fine sono sette anche loro. C’è l’urlo alla luna, la serenità di averci provato, la guida come riflessione e possibile soluzione ai problemi. Ma soprattutto ci sono un suono che sembra uscire dagli attimi migliori degli scorsi decenni e un momento che pare continuare all’infinito per portarci fino al termine della notte.

È questo il segreto di una manciata di note, di una manciata di parole, di un’energia che aspettava soltanto gli anni di clausura (brano e disco sono stati registrati ben quindici anni fa e sono rimasti in un cassetto finora) per esplodere in maniera dolente e strascicata in una notte alla guida.

Negli altri sedili Luciano Evangelista e Mario Villani annuiscono, dopo aver confortato la visione del Nostro per questi lunghi anni. Un ritardo che ne ha portato l’esplosione vicina al gusto di un vino aperto dopo un’eternità: un sorso pieno e la voglia di non sciacquarsi mai più la bocca.

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Trauma Ray: Hannibal

Genere: 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Il buon Chameleon aveva consacrato i Trauma Ray dinanzi al grande pubblico, eppure di talento – seppur ancora acerbo – ne avevamo captato anche nell’omonimo EP del 2018: lì la band di Fort Worth lavorava quasi in trincea, chiudendosi a chioccia tra le labili ali di un nu gaze dagli slanci dream pop. Ma con il tempo si infiammano le cicatrici e risalgono gli impeti: il fulcro sonoro del primo full length è il medesimo, però le sei corde induriscono i bicipiti, il groove si infittisce e si conforma, il fuoco spodesta l’ariosità.

Hannibal preannuncia il nuovo extended play dei texani – Carnival, in uscita il 20 febbraio – attingendo proprio da questo inspessimento del sound: morsetto attaccato alla stessa Chameleon – la title track in particolare – per assorbirne il fragore amplificato, Uri Avila e compagine segmentano il riffing, pompando di taurina ogni singolo power chord.

L’intro è un lungo altare ai Nineties, alle geometrie ruvide di Page Hamilton e dei suoi Helmet, ai Deftones di Around the Fur e agli (ipercriticati) Silverchair di No Association. Ma entra in risonanza anche con gli ultimi Alice in Chains – vedi il bollore chitarristico di A Looking in View.

Post-grunge nevrotico e vulcanico che matura in escapismo nu gaze: i Trauma Ray incanalano la fredda frustrazione della mancanza di riconoscimento e il dolore silenzioso che si incista a causa della distanza affettiva, la brutalità che risiede nel desiderio di spaccare il mondo che si liquefa dinanzi alle fragilità interiori.

I texani rimangono dei maestri nel riportare il lato scomodo dell’emotività, ma, come si suol dire, qualcuno deve pur farlo.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

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• 10 anni di Aurora, l’album de I Cani che ha dato il via all’it-pop

• Il Boss sulle strade di Minneapolis, Madonna in bambola per Patty Pravo, i Calibro 35 sulle orme di Sandokan

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Quando Bruce Springsteen si incazza scrive, e quello che è successo a Minneapolis ha fornito incazzature buone per tre o quattro dischi. Per adesso ci accontentiamo di una instant song dedicata a Alex Pretti e Renee Good e alla città dove le squadracce dell’ICE li hanno impuntemente fatti fuori.

Di tutt’altro tenore è la considerazione per cui Louise Veronica Ciccone, Nicoletta Strambelli, Domenico Dolce e Stefano Gabbana sono quasi coetanei (una decina di anni di differenza al massimo, più o meno): che è un modo come un altro per giustificare Madonna che coverizza Patty Pravo per un noto brand del fashion italiano e internazionale. Mezzo secolo invece si interpone tra il Sandokan di Sergio Sollima e quello di Jan Michelini: i Calibro 35 (con la collaborazione di Giovanni Succi ed Elisa Zoot) riescono a far sì che non si sentano.

Rimanendo in Italia, per i veri aficionados dell’indie di provincia, un nuovo singolo di Andrea Casali è sempre un evento, e anche questa volta non delude le aspettative. Stessa cosa potremmo dire per i Christine Plays Viola, a patto di declinarla in termini goth/darkwave. Senza ovviamente farsi mancare il pop, con Fausto Lama alle prese con i primi tentativi da solista post-Coma_cose.

Il resto va dalla sperimentazione soffice di Tatiana Paris alle cavalcate poliritmiche degli Shaking Hand, passando per roba decisamente più arrabbiata: Noelle Mansbridge e il suo breakcore impazzito, il math rock su tempi drum’n’bass dei Robber Robber e il blackgaze disagiato dei Bosse-de-Nage.

Bosse-de-Nage: No Such Place

Genere: 🤘Metal

di Davide Romagnoli

Ci sono notizie che non migliorano la vita, ma magari evitano che peggiori di netto. Il nuovo singolo dei redivivi Bosse-de-Nage rientra perfettamente nella categoria. «Nuovo Bosse-de-Nage? Bene. Ritardo il suicidio» si legge in commento d’umorismo caustico su YouTube. E poco più sotto: «Sono rimasto vivo per questo». Giusto per far capire quanto la formazione americana fosse entrata nei cuori dei post-hardcorers o blackgazers più emotivi, ancora memori, probabilmente, del miracoloso All Fours del 2015, sotto l’egida della saggia Profound Lore.

Aspettando il nuovo Hidden Fires Burn Hottest, in uscita a marzo prossimo per The Flenser, possiamo dire che No Such Place non è una rinascita, né un ritorno estremamente trionfale per una formazione antesignana di quel blackgaze che tanto ha fatto la fortuna di Deafheaven (con cui hanno condiviso uno split album) e soci trasformatori della musica del demonio più oscuro in album dalle copertine rosa. Però – soprattutto dopo questi anni d’assenza – è un riemergere da sotto strati di disagio ben sedimentato: tutto così familiare, conosciuto, vicino. Esattamente quello che ti aspettavi da quei tristi bontemponi di San Francisco che tanto ci erano piaciuti anni fa.

Otto minuti (più o meno) di post-black metal che non ha più nulla da dimostrare sul piano della ferocia o dell’innovazione, e che invece lavora sullo spazio, sull’aria viziata tra una sbraitata post-hardcore e l’altra, sulla semplicità di fare “il genere”. I Bosse-de-Nage non suonano certo più come una band che vuole distruggere il mondo. Non ce l’hanno fatta allora e non ce la faranno adesso. Ci accompagnano come qualcuno che ha già accettato che il mondo si distrugga da solo e – ora, un po’ più avanti con l’età – ne osserva il collasso. Il tutto da una stanza che, Bryan Manning (in arte solo B.) e compagni ci assicurano, esiste per davvero, sotto forma di una «common room shared by everyone and that the greatest misfortune is to awaken there».

Eppure – ed è qui la truffa emotiva meglio riuscita – qualcosa resta ancora. Non un appiglio, non una speranza, ma una compagnia che si conosce bene. No Such Place funziona e ci piace perché è esattamente cosa speravi fosse. In un panorama post-black (ma non solo) sempre più incline alla catarsi prefabbricata o al misticismo da boutique, i Bosse-de-Nage continuano a fare la cosa che sanno fare meglio. Senza grandi scossoni, dicevamo, la vita può continuare. Poteva andare decisamente peggio. E questo è già un successo.

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Bruce Springsteen: Streets Of Minneapolis

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Max Zarucchi

La cosa che fa più male, è il silenzio assordante. Che viene disturbato giusto da un po’ di tifo, di quello becero. Perché se c’è un solo lato positivo del vivere perennemente con un telefono in mano, è che quasi qualsiasi cosa, anche la peggiore, viene filmata. E se un video può legittimamente risultare dubbio per l’inquadratura, due lo sono meno. E al terzo c’è poco da filosofeggiare.

Quello che sta succedendo, ora, negli Stati Uniti è aberrante: famiglie che vengono distrutte, gente inerme che viene freddata senza motivo da persone mal addestrate e guidate in modo ancora peggiore, con il volto coperto e un’aura che grida «Impunità data dal Presidente». E se gli starnazzi dei tifosi possono dare fastidio, il silenzio di buona parte delle istituzioni, dei nomi di spicco, di quelli che fanno parte dell’entertainment, è ancora più doloroso. Tranne qualche caso sporadico (ci sono, ma pochi, troppo pochi per la barbarie che si sta consumando) sembra che farsi i fatti propri sia la tattica più usata.

Non da Bruce Springsteen. Non dal Boss. Uno che è Americano al 101%, che del suo paese ha cantato contraddizioni e sogni, cadute e rinascite, sempre e comunque mettendoci la faccia. Ecco allora che la sua instant song, Streets of Minneapolis, acquista un significato che va ben oltre la musica in sé. Anzi, il semplice fatto di essere stata pubblicata ha una valenza ancora più grande del (commovente, amaro, struggente) testo. Perché si espone, e sa di avere un pubblico, che ascolterà. E magari farà ragionare anche solo un dubbioso: perché qui si va oltre la politica da stadio. Non c’è destra o sinistra: ci sono diritti umani universali (per cui molti nostri antenati hanno dato la vita) completamente cancellati e messi da parte, come un giocattolino che non serve più. Ma la vita non è un gioco, soprattutto se a perderla per mano di chi invece dovrebbe proteggerla è un cittadino comune, che di criminoso non aveva commesso nulla.

Una canzone semplice, come tante del Boss, ma che – forse proprio per essere stata scritta, registrata e pubblicata in tempo reale – trasuda da ogni poro le emozioni dilanianti di chiunque abbia ancora un cuore di fronte a quelle immagini. Una ballata dura e coraggiosa: nessuna licenza poetica qui, solo nomi, cognomi, date, fatti, sangue e lacrime, sempre mettendoci la faccia, dove l’interpretazione vocale di Springsteen vale tutto il pezzo, con la rabbia mista a dolore e frustrazione che non possono non cedere il passo alla fierezza. Perché non bisogna mollare, non ora. E non solo in America: ovunque. Tutto questo deve finire al più presto, prima che la disumanizzazione sia completata: il fatto che a ricordarcelo sia un uomo di quasi ottant’anni invece che un giovane sul trampolino di lancio per il successo, la dice – tristemente – lunga. Ora e sempre: RESIST!

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Calibro 35 (feat. Giovanni Succi & Elisa Zoot): Sandokan

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Era il 1883 quando Emilio Salgari pubblicava la prima puntata di La tigre della Malesia su La Nuova Arena di Verona, dando il La a un’operazione che svelerà i propri intenti in circa sei mesi. Nel 1976, per la serie di Sergio Sollima, furono gli Oliver Onions dei fratelli De Angelis (Guido e Maurizio) a occuparsi di un brano che diventerà un urlo inarrivabile e indimenticabile.

Cinquant’anni dopo è Jan Michelini a riportare sullo schermo Sandokan, pirata gentiluomo che fu Kabir Bedi e che oggi è Can Yaman. Alla voce del tema di Sandokan troviamo Giovanni Succi ed Elisa Zoot, perfettamente a loro agio nel cantare gesta da pirati.

Se ancora non sappiamo quale sarà la resa video del progetto e il nostro cuore è ancora ancorato alle interpretazioni di anni fa, possiamo comunque sperare per quanto riguarda il lato sonoro della rievocazione. D’altronde, la musica dei Calibro 35 ha ricchezza compositiva e groove e i due vocalist non fanno rimpiangere i fratelli originali (né l’omaggio di Claudio Baglioni datato 2021) nemmeno per un secondo, dimostrandosi anzi perfetti per ampliarne la profondità nei loro contrasti.

Se del frontman e compositore di Madrigali Magri e Bachi da pietra sappiamo tutto o quasi, Elisa Zoot è la vera scoperta. Già attiva con i Black Casino and the Ghost, la scorsa primavera ha pubblicato l’album Clever Crow, crocevia fra suono elettronico, cantautorato e pop oscuro parecchio intrigante. I Calibro 35, insomma, lavorano da produttori, ideatori e strumentisti costruendo un vero e proprio arsenale di frecce nei loro archi, rilanciando versi imbattibili che da mezzo secolo aspettavano di essere cantati a squarciagola da più generazioni.

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Caso: Dalla parte dell’orso

Genere: 🪕Folk ✊Punk

di Vasco Viviani

È passato molto, troppo dall’ultimo disco del bergamasco Caso: Ad ogni buca è addirittura del 2018, ma basta qualche secondo per rientrare in scia della sua poetica.

Cantautore per immagini che da sempre deve qualcosa a un certo punk, Caso prende una posizione e si dipinge l’anima ancora un’altra volta, in un ritratto che parte dalla fabbrica e arriva alle stelle. Sembra di vedere quello che racconta: l’asfalto, le fionde, l’orso. Ma i collegamenti sono ampi e accendono letteralmente le sinapsi, tanto che ad ascoltare questo brano mi sono ritrovato a Sardagna, sopra Trento, con la città e il Centro sociale Bruno sotto di me, questione di plantigradi. Sarà che da sempre Andrea Casali mi ha trasmesso una sincera passione, una capacità di andare in profondità lasciando scoperta molta polpa sotto le sue polaroid ed è bello sentire ancora le stesse vibrazioni considerando che il suo esordio è del 2009 e siamo maturati e invecchiati nel frattempo.

Così come è bello (per citarlo) «stare ad abbracciarci le ginocchia sui gradini ancora un po’ e non importa se gli altri ci aspettano oppure no». Piccole cose, scritte bene, cantate da dio, che trasudano più di una vita nella quale rispecchiarci. Siamo ancora qui, costellazioni finite sulla terra per caso, qualcuna baciata fortunatamente dalla musica.

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Christine Plays Viola: Confession

Genere: 🎸Rock

di Manuel Graziani

Poco noti in questi lidi, eppure i Christine Plays Viola si avviano a tagliare il traguardo dei vent’anni di una carriera che li ha portati a suonare in tutta Europa, calcando i palchi di festival importanti come il Wave Gotik Treffen di Lipsia, l’inglese Tomorrow’s Ghosts e il polacco Castle Party.

Il “problema” per l’alternativo medio con la puzza sotto il naso è che i CPV sono una band darkwave dura e pura, come la pietra bianca della “montagna Madre” Maiella dalla quale provengono. Di quelle band che si portano appresso tutta l’iconografia gotica e i relativi pregiudizi del genere.

Per lanciare il quinto album, intitolato appunto F.I.V.E. – che sta per Fear Increases Violent Emotions –, col cazzo che spalancano la finestra nel mezzo di una giornata assolata. Continuano a menare fendenti nella fredda oscurità, con chitarre malvagie sinuose che pagano dazio a monumenti del post-punk come Daniel Ash dei Bauhaus e il The Edge pre-problemi tricologici. L’ossessività con la quale vengono ripetuti i versi «It’s time to kill myself» fino alla fine del pezzo trapana il cervello. E mette paura.

Ciò detto, Confession non è indirizzata solo agli ex adolescenti che rimpiangono ancora le creeper nere scamosciate, acquistate a Portobello Road negli anni Ottanta.

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Fausto Lama: A tanto così

Genere: 🌟Pop

di Fabrizio Siliquini

Fausto Lama ha deciso di non perdere tempo e ricominciare subito, almeno professionalmente, dopo la fine improvvisa del progetto Coma_Cose, che in dieci anni di attività li ha visti crescere fino al brano Cuoricini al Festival di Sanremo del 2025.

Oggi i cuoricini non ci sono più perché Fausto Lama e Francesca Mesiano hanno deciso di terminare anche il loro matrimonio celebrato un anno prima: una fine sicuramente dolorosa (visto il lungo percorso di vita carico di soddisfazioni che hanno condiviso, anche professionalmente, dall’ormai lontano 2016), ma affrontata con la dignità e la serenità che ci si aspettava da persone intelligenti quali sono.

Vedremo che fine faranno le loro canzoni, ma nel frattempo è lui a farsi vivo con un brano decisamente riuscito, forte di un testo che con delicatezza e qualità esprime un modo di essere: quella sensazione di sentirsi sempre a un passo dalla felicità senza mai riuscire ad afferrarla pienamente, a un passo dall’essere capiti o amati.

Fausto unisce questa sensazione soggettiva alla descrizione della fine di una relazione con parole deliziose (ma non è una sorpresa – conosciamo da tempo le sue qualità di autore), accompagnato da un sound minimale che lascia ampio spazio alla sua voce: un pezzo indie pop che certifica un nuovo inizio partito con il piede giusto.

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Femtanyl: BODY THE PISTOL

Genere: ⚡Electro ✊Punk

di Giampiero Pelusi

Noelle Mansbridge poteva essere come tutti i bimbi normali: poteva giocare tranquillamente a prato fiorito sul computer regalatole dai genitori al compleanno. Invece no, ha deciso di scassarlo con il breakbeat e con un moniker che, di ‘sti tempi, complica un attimo le ricerche sul web.

Femtanyl prende la PC music e la frammenta, acchiappa i Daft Punk e li imbottisce di anfetamine, assembla i kick con il santino di Zoë Mc Pherson stampato sul muro a vigilare.

BODY THE PISTOL non sarà il concentrato di glitch e furia di GIRL HELL 1999, ma rimane comunque una pistolettata brutale di breakcore impazzito: prendete i Machine Girl, non quelli scomposti e arzigogolati di Wlfgrl, bensì quelli più quadrati e on point di MG Ultra, poi evocate i Sextile di Imposter e il rave punk da acidi dei Lip Critic di Hex Dealer, sacrificateli sul sacro altare dei Prodigy – quelli di Invaders Must Die – e avrete la composizione chimica di questo yo-yo con la tachicardia (e con più di una rotella fuori posto).

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Madonna: La bambola

Genere: 🌟Pop

di Vasco Viviani

Prodotta da Stuart Price per la nuova campagna di Dolce & Gabbana, La bambola è il remake del brano di Ruggero Cini, Franco Migliacci e Bruno Zambrano che, nel 1968, lanciò letteralmente la carriera di una ventenne Patty Pravo.

Madonna, che a Patty Pravo deve solo dieci anni (l’avreste mai detto?), si inserisce nel solco dei grandi cantanti anglofoni che si cimentano con la canzone italiana, senza nulla smussare della propria personalità. A tratti la pronuncia è farraginosa e questo sporco rende l’operazione ancor più magnifica: non c’è sensazione karaoke né uno stanco tributo, ma solo la semplicità di una voce riconoscibile fra miliardi al servizio di una grandissima canzone, sostenuta da una produzione che spinge il brano in territori ancora più caldi. Le imperfezioni, i gemiti, i lievi inciampi ci mostrano Madonna onesta e carnale, dedita e sincera nel non essere più un gioco fra le mani di un ragazzo.

Miss Ciccone, da parte di padre, è originaria di Pacentro, in Abruzzo, e possiamo per un attimo immaginarcela stretta in un legame italiano, rinsaldato ancor più dal mettersi alla prova con questo caposaldo. Saperla nata per la pubblicità di un profumo del noto brand di moda non fa che rendere questo pezzo un’esperienza più sinestetica. Provate a chiudere gli occhi: gireranno immagini, profumi, suoni illuminati, una donna libera e naturale, emancipata e di classe. Chissà che ne pensa la Strambelli?

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Robber Robber: The Sound It Made

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Simone Fiorucci

Quando la vita ti tira via il tappeto da sotto i piedi senza il necessario preavviso (nel caso specifico dovremmo dire il pavimento, visto che – true story – i membri della band sono stati costretti ad abbandonare casa e buttati in mezzo a una strada perché l’edificio in cui vivevano è stato dichiarato inagibile da un giorno all’altro), hai due opzioni: processare il tutto lentamente nel corso degli anni, oppure scrivere una canzone che scoppietta come la marmitta bucata dei tuoi pensieri mentre danno gas impennando per lasciare sul posto la tua presunta capacità di stare al passo con i casini che ti sono toccati in sorte. Indovinate cosa scelgono i Robber Robber.

The Sound It Made sottolinea (dis)armonicamente il lato oscuramente comico della faccenda: energia in movimento, costante rifiuto di stare fermi e la sensazione che la stabilità (comunque vogliate intenderla) abbia appena abbandonato la stanza facendovi il dito medio, portando con sé tutte le istruzioni su come tirare avanti. Non a caso procede per istinto, senza un piano o una mappa ben precisi, lasciando le spiegazioni a gente ben poco incline al dialogo: tipo il rumore e il ritmo.

E il testo? Il testo c’è, pure troppo. Ma assomiglia alla colonna sonora del monologo interiore in cui si è imbarcato il tuo cervello nel momento in cui la realtà ha deciso di sorprenderlo. Inizia con qualche speranza che si presenta nei panni di un paio di versi a metà tra una frase per rimorchiare e una sfida contro i buoni propositi («Wanna spend a while just me and you / Got sports on the radio, and away we go») e da lì in un batter d’occhio gioiosamente abbandona ogni parvenza di logica narrativa. Nina Cates consegna il suo collage di immagini con un tono di calamità casuale e una voce imperturbabile che sarebbe ottima per vendere assicurazioni sulla vita citando Nietzsche o per recitare haiku il giorno dell’Apocalisse (trova le differenze).

Niente di nuovo sotto il sole del confuso stream of consciousness indie (Dry Cleaning, mi sentite?), non fosse che a questo giro sta sopra un intricato pattern math rock che flirta con la drum’n’bass a frequenze di metronomo piuttosto alte, manco chitarre e batteria non si potessero vedere dalle scuole elementari ma avessero comunque deciso di festeggiare il diciottesimo compleanno insieme. Frenetico, di sicuro – ma c’è del metodo in questo scompiglio: lo conferma anche il video, che si allinea all’irriverenza raccontata con la luna storta della canzone, mostrandoci cenni di un sommesso ammutinamento, in corso però in un posto dove il tetto è già crollato da mo’.

Perché ci piace? Perché per una volta non ci troviamo di fronte a un pezzo che ti fa accomodare in un angolo al sicuro per raccontarti una storia. Anzi, come prima cosa fa di tutto per rendere quell’angolo uno spazio pericolante, e poi ti chiede di raccontargli l’effetto che fa. Nel senso: facile catturare il caos in musica, ma trovare qualcuno capace di renderlo l’ingrediente principale del proprio nucleo emozionale non capita tutti i giorni.

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Shaking Hand: Cable Ties

Genere: 🎸Rock

di Manuel Graziani

Si risolve in una lunga cavalcata di quasi nove minuti, l’ultimo singolo di avvicinamento all’album su Melodic Records che segna il debutto del giovane trio di Manchester. Per fare una scelta simile, devono essere sicuri di loro stessi al limite della superbia.

Il viaggio di Cable Ties parte a marce basse e procede a velocità di crociera regolare su un’autostrada che attraversa paesaggi desolati. Il primo segnale vitale arriva dopo poco più di due minuti e mezzo, quando gli accordi si fanno lassi, la bacchetta sinistra va sul bordo del rullante e quella destra abbozza un timido swing sul ride.

Nell’aria aleggia un senso di precarietà che potrebbe precipitare in un secondo ed esplodere subito dopo. Non succede niente di tutto ciò in questa suite soffusa e poliritmica di post-rock epico. E, in fondo, va bene così.

Per la cronaca gli Shaking Hand sono uno dei primi gruppi ad approdare sulla nuova piattaforma londinese Cantilever: un servizio di streaming per la musica indipendente, soprannominato “il MUBI dello streaming musicale”, che offre un numero limitato di album alla volta. Ogni album rimane disponibile un mese per mantenere il catalogo focalizzato, garantire royalties eque agli artisti e offrire un flusso costante di nuovi album. Almeno così dicono.

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Tatiana Paris: Hibbon

Genere: 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Quante volte abbiamo vissuto la musica come magia? Quella perfezione in canzoni di un paio di minuti, dove tutto si sposa e parte per una corrente del tutto personale? Questo riesce a fare la francese Tatiana Paris con Hibbon, brano che – grazie a una classe e un’eleganza sopraffina – trascende legami e peso, posizione e ambiente per crescere in maniera differente.

La voce passa attraverso filtri senza però mai raffreddarsi, i suoni sono gestiti tra flusso acustico e digitale ponendoci il perenne dubbio sulla realtà di ciò che stiamo ascoltando, sulla nostra capacità uditiva e percettiva. Tatiana Paris potrebbe anche non esistere, essere una pura realtà virtuale o questo un brano prodotto dall’intelligenza artificiale, da un botanico, da un giardiniere. Tutto quello che ci convince del contrario è nella sua bellezza, nel suo esistere come battito in qualche modo cardiaco, umano, empatico. Empatico sì, al punto che vorremmo essere in grado di rappresentare e trasmettere le emozioni con questa grazia, quest’eleganza e questa finezza, immedesimandoci con lei nel momento in cui tramandiamo la sua opera come se ci rappresentasse.

Un casino, un insieme che potrebbe risultare facilmente accozzaglia e che invece è magia e bellezza, come chi apre il proprio cuore per donarsi all’altro, attraverso cinque minuti scarsi di musica che abbiamo la fortuna di ascoltare.

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Nella storia della musica non è certo la prima volta che un mentore coverizza un suo protégé. Oggi tocca agli Afghan Whigs con Poliça e Still Corners, ma ci rimane la voglia di sentire cosa avrebbero fatto alle prese con l’Americana gioviale di ER Jurken oppure (e qui le cose si fanno complicate) con il drone folk di Maria BC. Greg, prendi nota!

E questo è tutto dagli Esteri. Sì, perché a questo giro, il resto è tutto Made in Italy.

Mauro Ermanno Giovanardi in versione solista post La Crus dimostra di avere ancora un bel sacchetto di cartucce da sparare. Giorgio Quarzo Guarascio continua a fare il fenomeno (ma non come tutti, lui sul serio). Gioele Valenti torna a casa durante una breve pausa dai JuJu e ci presenta Giuda suo fratello. Federica Rubino ci insegna come dovrebbe essere Sanremo in un mondo ideale. Francesca Bono e Vittoria Burattini portano la musica non etichettabile su un altro livello. Kid Yugi stipa in meno di due minuti e mezzo una quantità di immagini e di parole che se il rap fosse un quadro di Bosch… insomma, ci siamo capiti.

Alla fine, italiano per metà lo è anche Tatum Rush. La carta di identità dice che per l’altra metà è svizzero, ma a sentire quest’ultimo singolo, probabilmente pure un po’ brasiliano.

Bono / Burattini: Ora sono un lago

Genere: 🎶Altra musica ⚡Electro

di Vasco Viviani

Il nuovo brano di Francesca Bono e Vittoria Burattini, Ora sono un lago, è quello che dà il titolo al loro prossimo album. Dopo aver viaggiato fra le pellicole di Maya Deren, la coppia sembra essere partita per «le porte del Cosmo che stanno su in Germania», riprendendo Eugenio Finardi.

In realtà, forse mai come ora, il duo è un insieme unico che non guarda a nessuno ma si trasforma, cambiando forma, stato e note, fino a diventare altro. Una sequenza nuova e inedita, che se profuma di antico e di vecchie avanguardie è soltanto perché i suoni difformi partono sempre e comunque da un fulcro che pulsa, oggi come mezzo secolo fa.

Musica che sembra condensare in una processione matematica un mondo fertile e fiorente. Una cascata di suoni che si susseguono, variazioni e ritmi che a differenti velocità articolano un cambiamento, un percorso. Musica elettronica suonata? Musica acustica imbrigliata in pattern e frattali? Magia? Difficile e forse inutile pensarci, di fronte a una freschezza che è quella dell’espressione necessaria, della cura e dell’unione fra energie umane e sonore, senza porsi limiti.

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ER Jurken: I Do

Genere: 🪕Folk 🎸Rock

di Manuel Graziani

«Nato a Milwaukee tra la fine degli anni Settanta e i primi anni Ottanta», dice la sua striminzita bio online. E li dimostra tutti gli anni che ha, anche per via di un’esistenza complicata che lo ha segnato. Fuori e dentro la musica. Fuori e dentro la vita stessa.

In tutta evidenza, ER Jurken è (stato ritenuto) un mezzo fenomeno, visto che la Drag City ha creato la sotto etichetta Country Thyme per pubblicare l’album d’esordio nel 2021.

Cinque anni dopo, la sua voce acuta, tenorile, con un falsetto quasi naturale, torna a squillare sciolinando testi surreali «I’ve planted flags on every corner / I’ve lost a thread on seven streets».

Nella commovente semplicità il video racconta la canzone molto più, e molto meglio, di qualsiasi recensione. Ma siccome siamo qui, vorrei aggiungere che I Do è Americana dall’aspetto gioviale, è folk pop che non produce alcun effetto collaterale, è una Cadillac Serie 62 del 1959 che spruzza zucchero filato dai fanali posteriori.

In fondo I Do è un distillato di purezza. Come un Daniel Johnston che sta risalendo la china o, volendo, un Jonathan Richman senza coolness.

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Giuda Mio Fratello: Casellario giudiziale

Genere: 🎸Rock

di Manuel Graziani

Prima o dopo quasi tutti cedono al richiamo delle radici. È un processo naturale, che si tratti di tornare a vivere dove si è nati o di esprimersi nella propria lingua.

Il palermitano Gioele Valenti non sfugge alla regola, che giustifica così: «Nel pieno dei tour internazionali, in territori sostanzialmente anglofoni, sentivo nascere il bisogno di parlare ai miei connazionali, in una lingua condivisa e con materiali coerenti con la mia storia».

Ecco, allora, che agli apprezzati progetti internazionali Herself e Juju affianca questo nuovo gruppo dal nome che ispira subito curiosità.

Se il primo singolo, Eroina, era più cantautorale – l’immagine che vedo nella mia testa ritrae Nino Buonocore e Gianluca Grignani a mollo in una piscina imbevuta di acido lisergico – Casellario giudiziale riprende le orme di certo alt rock tricolore anni Novanta che, ahinoi, si è perso per strada: penso ai corregionali Flor de Mal e, in subordine, ai livornesi Snaporaz.

Certo, ci sono delle differenze. La narrativa politica del pezzo è innervata da linee vocali che puntano all’orizzonte melodico, danzando attorno a pozzanghere psichedeliche. E questo non è poco.

In ogni caso, si torna alle radici anche per provare a estirpare quelle marce: Casellario giudiziale farà parte del mini album d’esordio dei Giuda Mio Fratello che, non a caso, s’intitola Italia infame.

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Kid Yugi: Berserker

Genere: 🎤Hip Hop

di Vasco Viviani

Meno di due minuti e mezzo cuciti da Ill Santo e Ft Kings, mentre il rapper di Massafra cita, riprende e articola un mondo come di norma pieno di immagini fino a scoppiare. All’interno di questo brano le storie si intersecano tra mitologia, porno, suoni jerk e una foga lucida, riannodando fili con il passato.

Il berserker era già stato esempio di eroe morente in Capra a tre teste insieme ad Artie Five e a Tony Boy e qui evolve, a rappresentare una canalizzazione di energia per Kid Yugi, pronto al combattimento contro un mondo che si palesa in ogni riferimento culturale.

La passione, il lavoro, l’ossessione, gli eroi muoiono, uno sparo. L’escalation di Berserker è quella che segue le regole del rap, la rivalsa e la riuscita, ma lo fa usando Fabrizio De André, Angela Merkel e lo Zio Fester come pedine su una scacchiera invisibile.

Dopo un anno nel quale a tutti gli effetti è stata la cartina di tornasole nei dischi dei colleghi con un featuring più riuscito dell’altro, ora ha affilato le unghie e il lancio di Anche gli eroi muoiono sembra una mossa prossima all’Armageddon.

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Maria BC: Marathon

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Giampiero Pelusi

Oggi parleremo di pompe di benzina. Anzi, le elogeremo. E se ci dite che siamo strani, beh… felici di esserlo. Perché le connessioni bisogna sentirle: ce le raccontavano i Wednesday con TV in the Gas Pump, ce lo riconferma (in maniera più accorata) Maria BC che c’è qualcosa di evocativo nelle stazioni di rifornimento. Quello scambio di informazioni sospeso, il finestrino dell’auto come mediatore, questo colosso in prefabbricato che appare e scompare a ogni passaggio, così come gli anni, gli amori, le persone che vanno e vengono.

Marathon è un altarino agli istanti che si allontanano, alla nostalgia di mille sguardi del passato. Il drone folk della musicista di Oakland respira con i bronchi pesanti, seppur il testo si ritagli un cunicolo in questo flusso sottile di armonia che brilla fioco: è il dualismo di un pezzo gravido di malinconia e di ignoto, che sfrutta il minimalismo gargantuesco di una strumentale quasi glaciale – a tratti viene fuori la Kathryn Mohr di Waiting Room, per quel che resta la Ethel Cain plumbea di Perverts – come contrappeso a una vocalità dolce, che stride dinanzi agli amplificatori rombanti, ma che riesce comunque a prendersi la scena.

Un po’ come il silenzio di un viaggio in autostrada, mai così assordante come quando si riempie di pensieri: magari con un occhio al di là di un vetro pieno di goccioline, con una grossa “M” luminosa a fotografarci nell’intimità del nostro raccoglimento.

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Mauro Ermanno Giovanardi: Veloce

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Max Zarucchi

Tutti dovrebbero conoscere i La Crus o, meglio, tutti dovrebbero conoscere i Carnival of Fools (di cui recentemente è uscito uno splendido documentario) e di conseguenza i La Crus (I 2+2=5 e i Sir Chime and the Lovers sono per intenditori, suvvia – ma cercateli!).

Va da sé, quindi, che Mauro Ermanno Giovanardi non ha bisogno di presentazioni: è un vero piacere ritrovarlo oggi – dopo un periodo che lo ha visto coinvolto per l’ultima volta proprio con i La Crus – in veste solista, con un brano che se fosse presentato a Sanremo farebbe gridare finalmente al mezzo miracolo.

Veloce, infatti, è il perfetto equilibrio tra musica d’autore italiana del secolo scorso e un certo tipo di new wave stilosa e di classe, con un testo assolutamente non banale che descrive tristemente – fin troppo bene – uno dei cappi che penzolano sulla testa dell’uomo moderno. L’interpretazione sempre in bilico tra l’intimista e il declamante di Ermanno è quel qualcosa in più, valore aggiunto che regala al pezzo il focus necessario per tenere insieme egregiamente questi due mondi musicali, solo all’apparenza distanti anni luce.

Con questo antipasto del nuovo album E poi scegliere con cura le parole, in uscita il 20 marzo, dopo quarant’anni suonati di carriera, sembra proprio che il ragazzo abbia ancora molte cartucce da sparare.

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Rubino: Quando tutto crolla

Genere: 🌟Pop

di Max Zarucchi

Siamo in periodo sanremese, ovvero quella manciata di settimane che si ripresenta ogni anno in cui chiunque – dal cultore della musica più affamato alla casalinga che è già tanto se ascolta la radio – si mette a parlare di partiture, testi, melodie e cose che tendenzialmente non gli competono. In fondo Sanremo è un po’ come i mondiali di calcio: per un attimo sono tutti preparatori tecnici. Così qui sono tutti critici, e già si sentono arrivare le solite lamentele di chi nella musica, tendenzialmente, cerca altro: “Ah, io a Sanremo invece che questa fuffa vorrei sentire Lili Refrain, i Messa o la band technometal di mio cugino”.

Il problema è che, per definizione, il Festival della Canzone italiana deve abbracciare un concetto nazional-popolare della musica, che si basa tendenzialmente su melodie pop, testi facilmente orecchiabili, gusto per la melodia e arrangiamenti fatti come si deve. La vera lacuna lì è la carenza di qualità, vero cruccio di quelle settimane liguri.

Ecco allora che non bisognerebbe tirare fuori i nomi più cool dell’underground, basterebbe che la manifestazione si riempisse di gente come Federica Rubino per alzare non di poco l’asticella. La cantautrice romana ha tutte le carte in regola per poter essere apprezzata e amata da un pubblico molto più vasto rispetto a quello che – purtroppo – si ritrova oggi. Provate per un attimo ad ascoltare il nuovo singolo Quando tutto crolla e immaginatelo su quel palco – circondato da musicisti con gli attributi e una produzione leccata quanto basta ma senza scadere nella paraculaggine – e ditemi voi se non bucherebbe gli schermi di milioni di italiani.

Rubino è una fuoriclasse e non sa di esserlo, grazie a un’ottima attitudine verso la composizione – solo apparentemente semplice, ma in realtà multisfaccettata – che continua a mantenere alto l’interesse dell’ascoltatore anche dopo ripetuti ascolti.

Insomma, un gran bel pezzo pop, termine di cui troppe volte ci si vergogna, ma che in realtà ha una sua assoluta dignità che andrebbe recuperata, come fa lei.

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Tatum Rush: Amica

Genere: 🎷R&B 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Da anni ormai Tatum Rush balla letteralmente fra generi e situazioni, riuscendo a partorire dalla propria leggerezza brani orecchiabili, sinuosi e irresistibili.

In questo caso, folgorato sulla via di Gandria insieme a Björn Magnusson, Luca Marini, Ursin Andres e Philippe Helfer, monta una canzone jazzata ed elegante, sinuosa e toccante. Più che maturità sembra essere un nuovo gioco con un altro vestito, in un viaggio interminabile che ci svela un po’ di Tatum Rush a ogni tappa. Qui si affida a Leo Pusterla, deus ex machina di Terry Blue e boss di Safe Port Production, per cambiare il quadro di albe e tramonti nella città luganese. Ne amplifica i raggi, ammorbidisce le nuvole, spinge venti nei fiati. In maniera magica crea un’emozione nuova, una sorta di presença (opposta alla saudade), dove si riappropria della propria casa, ostaggio in qualche modo, ma in grado di muoversi a piacimento in un’oasi a sua misura.

Resistergli è impossibile: basta un disco jazz in sottofondo, qualche pennellata vocale, ed ecco subito apparire le palme. Tatum sfrega i pugni facendone uscire la sabbia delle spiagge brasiliane, novello illusionista, ovvero un musicista perfetto per ingannarci, ormai pronti a tutto per seguirlo, fra statuine, cordon bleu e segale cornuta.

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The Afghan Whigs: Fake Like

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

A volte si perdono le tracce di qualche vecchio amico. Non sempre c’è un motivo ben preciso, semplicemente si sbiadisce un po’, i pensieri vengono catturati da altro, gli anni passano, le priorità cambiano. Semplicemente, quella persona, che era stata così fondamentale per noi in alcuni momenti della nostra vita, smette di essere una presenza costante.

Spesso questo è un processo definitivo che congela in un momento specifico del tempo un rapporto o una relazione, ma a volte capita che, così dal nulla, questo vecchio amico si faccia sentire. Non per forza di cose con una chiacchierata infinita: basta un ciao, una cartolina, un messaggio, e in men che non si dica tutto ciò che era stato messo da parte riemerge.

Ecco allora che il ritorno degli Afghan Whigs con una cover dei Poliça, sebbene eseguita benissimo e reinterpretata con gusto, non fa altro che riaccendere in tutti coloro che hanno amato la band la speranza per un album nuovo di pacca che riesca a fare compagnia come ai bei vecchi tempi.

In caso contrario ci rimarrà comunque questa cartolina a due facce (il 7 pollici, sul lato B, ha un’altra cover, stavolta degli Still Corners), a ricordarci che i vecchi amori, quando sono stati davvero grandi, non spariranno mai: stanno solo lì in un angolo pronti a essere risvegliati.

Ora, però, al netto delle celebrazioni per il quarantennale della band, sognare l’album nuovo è lecito, no?

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Tutti Fenomeni: Vanagloria

Genere: ⚡Electro 🌟Pop

di Emanuele Podda

Dopo La ragazza di Vittorio e Piazzale degli eroi, Vanagloria anticipa l’album Lunedì, prodotto da Giorgio Poi.

Strumentalmente il pezzo è un elettropop lo fi semplice ed efficace. Il verso poggia su un riff di synth distorto, cui si somma un organo dall’effetto orchestrale (con richiami a Whatever degli Oasis). Nel pre-ritornello, la base strumentale si svuota lasciando solo una chitarra acustica, prima che i synth ritornino prepotentemente nel ritornello accompagnati questa volta anche dall’elettrica.

Nel testo, Giorgio Quarzo Guarascio fa operazione peculiare di Stilmischung – mescolanza di registri aulici e bassi – che, seguendo la lezione di Franco Battiato, tenta di guidare l’ascoltatore verso un’illuminazione profana: siamo morti che camminano, zombie intossicati dall’illusione di un’eterna giovinezza costruita sui detriti della cultura popolare del recente passato.

La metafora calcistica del ritornello è il fulcro di questa spietata analisi: paragonare l’amore all’ossessione di Berlusconi e Galliani per il Milan o alla follia del Milan di Inzaghi significa ammettere che l’assoluto è ormai pensabile solo attraverso falsi idoli, simulacri di una vanagloria collettiva che anestetizza le coscienze. L’operazione culmina nel pastiche finale – «Liberté / Égalité / Loredana Bertè / Fiducia di sé» – dove ideali rivoluzionari, vecchie icone pop e psicologia spicciola vengono livellati in un elenco che denuncia la riduzione dei valori etici a merce svuotata di senso.

La soluzione però non si ritrova nelle forme classiche di vitalismo – sesso, alcol, droghe, «panini col salame» – tutte varianti di controllo biopolitico. L’alternativa proposta da Guarascio è doppia: la musica («il clitoride è nell’orecchio») e l’accoglimento della vecchiaia come unico antidoto reale alla morte e all’eterna, fasulla giovinezza imposta dal mercato.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

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Vedi alla voce: gente di una certa età che non vuole chiudere bottega e, in fin dei conti, fa pure bene. Il Moz di album in cascina ne aveva almeno un paio: da capire se e quale uscirà a marzo, e con quale titolo – intanto è fuori un singolo che si fa ascoltare. E poi… Oops! Peter Gabriel did it again – da i/o a o/i, sempre in due versioni (Dark-Side e Bright-Side Mix).

E comunque, scendendo di un gradino (facciamo un paio, dai) a livello di hype, i graditi ritorni non finiscono qui. Gli Inca Babies, per esempio, che chiamano Clint Boon per mettersi alla prova con un’auto-cover (o reincarnazione, come preferiscono chiamarla loro). Ma anche Todd Congelliere, la bandana più famosa di San Pedro e del punk californiano, con i suoi Toys That Kill. Oppure i Seahaven di Kyle Soto che ci riempiono di cazzotti dolceamari, come sempre.

Nel Belpaese – se escludiamo quel progetto inclassificabile chiamato Al Doum & the Faryds (da Milano all’Africa e, forse, ritorno) e lo shoegaze dei Kodaclips – questa settimana la fanno da padrone il rap e i suoi derivati. Geolier sancisce il suo status internazionale regalando un’ospitata nientepopodimeno che a 50 Cent. Danno scende per un attimo dal Colle der Fomento per omaggiare Tom Waits, a modo suo s’intende. Qualcosa di simile la fa pure Gel che dopo il TruceKlan si dà a un romanticismo quasi sanremese (prendete il termine con le pinze).

Al Doum & the Faryds: Arise I

Genere: 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Difficile dire chi o cosa siano gli Al Doum & the Faryds. Milanesi, afrocentrici, free jazz? Forse, ma di certo ci sarebbe da aggiungere la psichedelia, il sudore nero e ora addirittura il metal brasiliano?

Forse così è troppo, di certo i Sepultura e il loro album del 1991 possono essere una mia visione personale, ma ancora una volta in questo brano c’è moltissimo, anche se non è la musica a colpirci per prima. No, è un senso di comunione e di unione, di suono come esternazione di gioia e, soltanto in secondo luogo, di stile, tecnica e appartenenza. Arise I è un pezzo compresso, nel quale trovano spazio un solo di chitarra che dal rock anni ‘70 finisce direttamente nell’India più colorata, dei vocalizzi che profumano tantissimo di Parco Lambro e di squat meneghino e un crescendo continuo di temperatura.

Forse è prematuro capire cosa vorrà dire il passaggio a La Tempesta come etichetta (mantenendo comunque la propria Black Sweat Records come supporto personale e progettuale in una co-produzione che ci auguriamo dia frutti succosi), ma di sicuro questa svolta in una forma più orecchiabile e radiofonica potrà servire da grimaldello a qualche palato fino e più aperto.

Di certo, Arise I non ci basta: è una splendida entrata in un mondo che vorremmo lungo, sudato e umido, fatto di jam infinite sotto la canicola cittadina. Ma per finire l’annata è un gradevolissimo solletico da gustarsi con la propria famiglia allargata, sperimentando trenini con fermate inconsuete.

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Danno: Tom Waits

Genere: 🎤Hip Hop 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Simone Eleuteri a.k.a. Danno, cinquantun anni suonati fra i palchi e i ring, come quando si faceva chiamare Jake La Motta. Qui prende sottobraccio DJ Craim e Ice One per costruire insieme a Eugenio Rodondi una Tom Waits che dovrebbe essere rap ma finisce per scoprirsi come un blues potente e psichedelico, che potrebbe svoltare verso la Valle della Morte piuttosto che a Pomona.

Tom Waits qui è un’immagine come lo era Vagabond decenni fa. Danno si infila nei suoi abiti fra periferie, cani e Cadillac, in una realtà randagia che si fa forza su fiati slabbrati, disegnando musiche e rime storte. Ogni rima è un colpo, fra Jelly Roll Morton, Jezebel, la morte stessa, mentre non sappiamo più se credere o aver paura di un rapper vestito da pagliaccio.

Di certo negli ultimi mesi ogni traccia lanciata dall’MC romano ci ha preso a schiaffi, tra 64 Bars, Vamos a la playa e quest’ultima. Chissà che il 2026 non possa portarci un lavoro lungo per Simone, nel quale ristabilire qualche gerarchia. La sua storia è chiara, fra Colle der Fomento e Artificial Kid, recente è anche il libro con il quale Fabio Piccolino ha raccontato il progetto che da sempre ha condiviso con la Beffa, moniker di Massimo Piluzzi. Capitoli che ormai risalgono a qualche anno fa, mentre ora Simone è fuggito insieme ai cani pazzi dell’estate, tenendosi intensità e immagini, precise nell’andare sempre a segno, come Tom Waits e le sue canzoni.

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Gel: Mille pezzi

Genere: 🎤Hip Hop 🌟Pop

di Vasco Viviani

Mille pezzi l’ho scoperta grazie a un libro, Cult Leader di Riccardo Papacci e Metal Carter. A un certo punto si racconta di Gel che, guadagnato qualche soldo dai concerti, va in un negozio per acquistare un disco. Metal Carter spera che scelga qualche chicca d’importazione, qualche nuova produzione hip hop, invece Gel torna con un LP di Eros Ramazzotti.

D’altra parte, nei suoi pezzi il pop e il rap si sono sempre sposati e nella sua produzione solista la cosa è stata sempre più esplicita. Mille pezzi è un brano romantico, profondo, sanremese, si potrebbe dire, se il Festival della Canzone italiana avesse ancora qualche valenza. Ha un ritornello che spezza il cuore, rime crude e sentite, la ruvidità di chi ha attraversato gli anni senza evitare angoli e spigoli.

Gel ha un cuore enorme, lo racconta e si apre in una relazione che sembra non porterà a nulla di buono, anche se pare che un’emancipazione sia prossima e che Gel possa volare da solo. Strano come in questi anni i rapper più quotati abbiano lasciato trapelare questo tipo di umanità, di amore e di fragilità in pezzi che sono urlati dal pubblico ai palazzetti, mantenendo al contempo una coerenza stilistica. Pensiamo a Marracash e a Ernia, per dirne un paio. Eppure Mille pezzi sembra un’outsider lanciata al massimo, tanto da far urlare le autoradio. Ci si possono seriamente immaginare adolescenti e bruti ascoltarla, grazie a quella sorta di goffa naturalezza che rappresenta perfettamente un rapper che dell’onestà ha fatto un credo.

Ognuno di noi potrà ricordarlo per un particolare brano, per una rima, un’immagine. A me piacerebbe ricordarlo come un artista che non ha mai avuto paura di sporcarsi le mani, puntando sempre e comunque più in alto di quanto avrebbe mai potuto osare. Un artista integro, nonostante i mille pezzi.

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Geolier (feat. 50 Cent): Phantom

Genere: 🎤Hip Hop

di Vasco Viviani

Napoli è soltanto la quinta città mondiale con più abitanti napoletani. La sesta? New York. Sarà un caso ma ascoltando Phantom – Geolier e 50 Cent insieme, due rapper divisi da un oceano e da venticinque anni di differenza – non si può non sentire un legame. Un legame che splende su una produzione di Low Kidd e Lazza lucida come la carrozzeria della Rolls-Royce citata nel titolo: le due voci si impastano magicamente e anche se i featuring fra rapper italiani e americani negli anni si sono ormai susseguiti al punto da non sembrare più una novità, questo sembra speciale.

Parole che perdono significato, in un primo momento si mischiano e ci avvolgono come suono per poi riprendere corpo in un percorso di ascesa sociale, di sogni e aspettative, di vita che ognuno prova a giocarsi al meglio. I punti di vista sono differenti, ma accomunati dall’amore e dal rispetto per un mondo e per una pratica che passa oltre confini e lingue in un pezzo che potrà essere ballato da grandi e piccini, che ammicca a tutta la famiglia.

I ritratti sono quelli manichei tra uomini e donne, guardie e ladri, madri e padri, ma solo perché i due rapper scelgono di aprire le porte senza spiegarci le scene e lasciando a noi il compito di unire i puntini e immaginare cosa possa voler dire un brano del genere per i due personaggi in questione.

Geolier è stato l’artista più ascoltato in Italia con il suo ultimo disco nel 2024 e non si vede perché non debba ripetersi con l’attuale Tutto è possibile. 50 Cent ha dato il meglio di sé ormai più di vent’anni fa, eppure è in grado, durante un brano come questo, di dare un’impronta e di legittimare il suo status. Che entrambi ne escano trionfanti è dire poco: il trucco è utilizzare stereotipi e crismi del genere, dimostrando di saperli vestire con onestà e credibilità e con due timbri che conosciamo bene e che ancora sanno fare le fusa alle nostre orecchie.

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Inca Babies (feat. Clint Boon): Two Rails to Nowhere

Genere: ✊Punk 🪕Folk

di Max Zarucchi

Ci sono persone che la fortuna non solo non bacia in fronte: sputa loro proprio in faccia. Non si può spiegare altrimenti perché gli Inca Babies siano rimasti per quattro decadi una band relegata a una nicchia di culto, sicuramente con dei fan affezionatissimi, ma pur sempre rinchiusi in club ben meno capienti di quanto gli inglesi meriterebbero.

Il loro recente singolo sostanzialmente non cambierà la situazione, ma potrebbe incuriosire qualcuno, grazie alla presenza di Clint Boon degli Inspiral Carpets all’Hammond nella versione del 1988. Tratta da Reincarnation, album nel quale i Nostri rileggono alcune delle loro canzoni del passato aggiornandole e stravolgendole non poco, questa Two Rails to Nowhere 2.0 cattura e coinvolge, non sostituendosi all’originale, piuttosto affiancandosi a essa: due facce della stessa medaglia da ammirare allo stesso modo, magari con un pizzico di malinconia in più per la nuova arrivata, ma senza perdere un grammo di stile, carattere ed efficacia.

I vecchi leoni sanno ancora graffiare come si deve, continuando a fare il dito medio al fato avverso come più si addice loro. Forse quel treno su quei binari non porta davvero da nessuna parte, perlomeno da nessuna parte che conta, ma tutti coloro che ci sono saliti dalle stazioni più disparate non possono che continuare ad amare questo viaggio. Harry Stafford e Rob Haynes offrono la corsa, sta a voi avere il coraggio o meno di salire.

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Kodaclips: 27

Genere: 🎸Rock

di Manuel Graziani

Iniziamo con il dire che Chris Angiolini della ravennate Bronson Recordings – nonché boss del Bronson Club, del Fargo Café, del Lido Hana-Bi e di quel piccolo miracolo di provincia che è il Beaches Brew Festival – è uno di quei tipi che io amo definire CCCP: Curiosità, Competenza, Coglioni, Passione.

Di conseguenza, fedele alla linea, non si è fatto sfuggire questi ragazzi che non sono esattamente gli ultimi cinque stronzi affacciatisi nell’italico panorama alt rock: i Kodaclips hanno aperto i concerti per A Place to Bury Strangers e Slowdive, e negli ultimi due anni hanno girato l’Europa a supporto del loro secondo album, Gone Is the Day, pubblicato dalla Sister 9 Recordings di Manchester nel 2024.

Oggi il quintetto di Cesena si presenta rinnovato, con la nuova cantante Linda Capuano che giocoforza ingentilisce le ondulate trame shoegaze. Se i ragazzi abbiano o meno trovato la quadratura del cerchio sarà il tempo a dirlo. Fatto sta che in 27 mettono in scena la fragilità, rivendicando il valore della lentezza. Morbido, caldo, naturale come una coperta in lana merinos, il pezzo scivola sulle ali di una leggerezza pop tanto nostalgica quanto epica. Che sì, ricorda molto i Lush. Ma che male c’è?

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Morrissey: Make-Up Is a Lie

Genere: 🌟Pop

di Fabrizio Siliquini

Sono passati più di cinque anni dal suo ultimo album I Am Not a Dog on a Chain e finalmente il buon vecchio Moz è tornato.

Tutta questa attesa è stata causata principalmente dalle vicissitudini con la Capitol Records che si è rifiutata di pubblicare Bonfire of Teenagers (album già pronto nel 2023, con la partecipazione di nomi importanti quali Iggy Pop, Chad Smith, Flea e altri) per motivi poco chiari, forse dovuti al fatto che Morrissey è un tipo (diciamo) difficile e alcune sue dichiarazioni non sono state gradite. O forse il problema era semplicemente di tipo economico?

Ma si sa, è complicato tenere al guinzaglio un tipo del genere e così questo è lo stato dell’arte: Bonfire of Teenagers non si sa che fine farà, ma nel frattempo un altro disco è saltato fuori (il titolo provvisorio: Without Music the World Dies) che fino a oggi nessuna casa discografica sembrava essere interessata a pubblicare. Le uniche cose sicure sono questo nuovo singolo e una data prevista per l’album (6 marzo), che probabilmente cambierà ancora nome e si chiamerà come il singolo stesso – brano, tutto sommato, abbastanza singolare, con una base ritmica gelida, una costruzione musicale ripetitiva e una dimensione quasi dream pop: un po’ delude, ma allo stesso tempo incuriosisce.

Il testo sembra ispirarsi ad alcune figure del femminismo, in particolare Simone de Beauvoir (scrittrice, saggista e filosofa esistenzialista, compagna di vita e di avventure controverse e libertine di Jean-Paul Sartre, insieme a lui sepolta nel cimitero di Montparnasse), che nel saggio Le deuxième sexe sottolineava come il trucco e la femminilità fossero una costruzione sociale patriarcale.

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Peter Gabriel: Been Undone (Dark-Side Mix)

Genere: 🌟Pop

di Max Zarucchi

Torna Peter Gabriel, a (relativamente) breve distanza dall’ultimo album i/o, con il primo brano del nuovo o/i, Been Undone, qui nel suo Dark-Side Mix (anche per il disco precedente i brani furono pubblicati con due missaggi distinti, Bright-Side e Dark-Side).

Inutile dire che il filo conduttore, perlomeno a livello strutturale e sonico, sia il medesimo. Come identico è l’approccio allo sviluppo del brano, che di per sé si poggia su due semplici riff ma che proprio in questa semplicità trova il punto di forza nel ricercare soluzioni armoniche e sonore il più sfaccettate possibili. Al centro di tutto, ovviamente, la sua voce: quel timbro inconfondibile che non smette di graffiare quando ce n’è davvero bisogno, e cullare nei momenti di paura e riflessione.

Certo, a volte aleggia quella sensazione di già sentito, ma è un autocitazionismo che sa di riassunto di una carriera infinita più che la dimostrazione di carenza di ispirazione. Perché al suo livello, fare musica nuova può solamente essere una necessità artistica, distante da questioni meramente economiche o contrattuali (se volesse fare i soldoni, basterebbe andare in tour con tutto So o giocare la carta jolly dei Genesis – stadi assicurati, oggi come oggi).

Ecco allora che Been Undone fa il suo sporco lavoro: incuriosire e far venire voglia di ascoltare l’album per intero, con la dovuta calma e attenzione come ogni artista di questo spessore merita. Forse le grandi fiammate del passato sono davvero finite, ma è innegabile che il tepore del falò intimo emanato da questo nuovo Gabriel fa sentire a casa, protetti e meno soli.

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Seahaven: Long Goodbye

Genere: 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Pare un po’ lo slogan dei Seahaven, questo “lungo addio” – come a dire: “ok, abbiamo pubblicato il disco, adesso arrivederci a data da destinarsi”.

Kyle Soto è un burlone emotivo, ci riempe di cazzotti (sonori) e poi si rintana: Halo of Hurt sbucava dalla pandemia come un orso andato più lungo del previsto con il letargo – sei anni di silenzio, attesa e inquietudine colmavano il gap da Reverie Lagoon: Music for Escapism Only.

Ed è esattamente da quel buio, da quel sibilo assordante della mancanza che la band di Torrance ritratta i sentimenti fondanti, rimesta il bianco e nero in un album che sussurra, lacrima, tocca le chitarre, si spaventa e si ritrae: i Seahaven sono sempre stati il fotogramma di un climax emotivo, forse è per questo che la discografia piange. Musica non scontata, che appare solo quando deve.

Long Goodbye lo fa inaspettatamente, rispettando il ciclo dei sei anni e… sorprende: dimenticatevi la tensione vocale di Void, l’eleganza noir del rock gentile di Moon o la malinconia dilaniante di I Don’t Belong Here.

I Seahaven sono in botta positiva, almeno strumentalmente parlando: lustrano le sei corde e le fanno tuonare nella maniera più concisa possibile, zero orchestrazioni e fremiti art rock, bensì benzina pop rock a gorgogliare nel serbatoio, filler di post-grunge appena accennato nel riffing che fa il trucco pesante a testi che riversano alle loro spalle una scia dolceamara – d’altronde, come non aspettarselo dai californiani?

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Toys That Kill: Fighter Dater

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Manuel Graziani

Nel 1989 lo skater californiano Todd Congelliere ha fondato la Recess Records per pubblicare i dischi dei suoi F.Y.P. Sono passati quasi quarant’anni e tanti altri gruppi – citerei almeno i Jumpstarted Plowhards assieme a Mike Watt – ma lui non ci pensa minimamente a scendere dal vecchio ronzino punk rock.

Nello stesso modo in cui i Descendents si sono trasformati negli All, è successo che i F.Y.P. sono diventati i Toys That Kill, prendendo la ragione sociale proprio dal titolo dell’ultimo album dei F.Y.P. datato 2000.

Il nostro uomo di San Pedro di recente ha dichiarato: «Black Flag, Dead Kennedys, Germs, Descendents: se non fosse stato per quelle band, non solo non suoneremmo così, ma probabilmente non mi occuperei di musica. Ho sempre odiato i musicisti normali e queste band non erano affatto così».

È chiaro in che acquitrino stiamo sguazzando, no? Un paio di accordi assestati bene, un ritornello piazzato al posto giusto e il gioco è fatto. Che per i Toys That Kill vuol dire punk rock melodico vecchia scuola, composto da power pop sbrindellato e R’n’R svuotato di machismo. Immaginate un gioco della fune con i Buzzcocks da una parte e i Replacements dall’altra.

Il singolo che anticipa il nuovo album Triple Sabotage, in uscita il 20 febbraio, dura poco più di un minuto. Fulmineo come l’hardcore ma con stop & go dolenti e chitarre soniche, che pare di vedere con le orecchie lo zampillio delle scintille della fiamma ossidrica che taglia la lamiera.

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• Le 100 migliori classifiche dei migliori album del 2025

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• Roger Waters che fa il Roger Waters, Birthh a NYC ma in italiano, un ultimo saluto a Jesto

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Anno nuovo, vecchie abitudini. E allora iniziamo con Roger Waters che come al solito la tocca piano, ma d’altra parte il pacifismo vero non è roba per stomaci deboli o peli sulla lingua. Così come la necessità di mischiare musica e politica: chiedete a Kneecap e Sub Focus come si fa. Proseguiamo poi subito con un gradito ritorno: i Notwist – dall’alto di più di dieci album in più di trent’anni di carriera e più di mille progetti paralleli e collaborazioni – non hanno certo perso il tocco. Al pari degli Home Front, che ormai timbrano il cartellino ogni ventiquattro mesi dall’inizio di questi anni Venti. O di Nathan Gray (a.k.a. Sex Mex), che più o meno nello stesso periodo ha pubblicato una decina tra singoli ed EP e quattro raccolte.

Il resto è Made in Italy! Alice Bisi si trasferisce nella Grande Mela, ma per compensare inizia a cantare in italiano. Marta Del Grandi vola verso il sistema solare di Alpha Centauri. Il Ponte del diavolo chiama il trombone di Francesco Bucci per svelarci nuove rivelazioni sonore del maligno. Taiyo Yamanouchi raccoglie l’eredità artistica del fratello Jesto con un album postumo di imminente uscita.

Infine, italiano solo per metà, baffo e pizzetto alla Buffalo Bill, ecco Joseph Martone: folk blues, dal profondo Meridione ai sobborghi americani.

Birthh: Little Rat

Genere: 🌟Pop 🎤Hip Hop

di Vasco Viviani

Birthh, moniker con il quale la fiorentina Alice Bisi si esibisce ormai da quasi dieci anni, è foriero di nascite e rinascite. Fra tendenza e controtendenza sceglie di stabilirsi a New York e di passare all’italiano, con un sound molto più pop di quanto ci ricordavamo.

A uscirne, in questo singolo da manuale, è la figura di una ragazza spezzata che, con un paio di corde di chitarra e la consapevolezza di come la musica pop sia sempre più collusa con hip hop e rimasticazione urbana, sforna questa metamorfosi in roditore. Little Rat è un brano più intrigante che bello, ricorda i tentativi (non ultimo quello di Jovanotti con Rick Rubin) di farsi attraversare dall’atmosfera della Grande Mela mantenendo tutta la luce e la melodia dello Stivale.

Alice ha solo ventinove anni e legittimamente potrà cambiare ancora idea domani, mettendosi a fare altro. Ma intanto ci lascia un ritmo addosso, con una voce che sembra non voler cantare né rappare, ma solo regalarci qualcosa di suo. E va benissimo così. Se poi volesse fare un colpo di telefono a Rick, non sarebbe più un’interurbana.

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Home Front: Between the Waves

Genere: ⚡Electro 🌟Pop

di Vasco Viviani

Between the Waves sembra uscita fuori da una di quelle compilation anni ‘80 scovata in qualche scaffale impolverato nel negozio all’angolo, mentre il gestore prova a propinarti la versione canadese dei Pet Shop Boys.

E invece siamo nel 2025, insieme agli Home Front pronti a colpire ancora una volta al cuore con il loro ultimo disco, arrivato a scadenza biennale come una polizza che ci garantisce calore e benessere. La voce di Graeme MacKinnon meriterebbe un unicorno oppure un cavallo bianco sul quale posarsi, ma le toccherà accontentarsi di un altro LP targato La vida es un mus, caricato dal suono di Clint Frazier e dagli special guests Jonah Falco e Nik Kozub.

Ma ciò che canta Graeme e che suonano gli Home Front è tutto meno che personale: è un anthem che tutti i ragazzi dovrebbero seguire, appendendo poster estratti da un Lanciostory immaginario che mescoli fantasy, musica ed epica.

La balleremo tutti: i punk, i new romantic e i cani sciolti. E tutti troveremo un faro che emana una luce sporca ma impossibile da ignorare. Saremo di nuovo un’orsa, al seguito di un ideale, cercando un varco tra le onde.

«È più facile governare chi non crede in nulla» diceva una volta un lupo, ma noi crediamo negli Home Front.

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Jesto: La Legge dello Specchio

Genere: 🎤Hip Hop

di Fabrizio Siliquini

Justin Rossi Yamanouchi, rapper conosciuto come Jesto è scomparso il 31 luglio 2025 a soli quarant’anni a causa di un malore improvviso, lasciandoci la sua eredità musicale (iniziata nel 2003 con il suo primo EP Coming Soon) fatta di un rap nel quale ha sempre messo in mostra una profondità e un’autenticità uniche nel panorama italiano.

Jesto era un figlio d’arte: suo padre era il cantautore Stefano Rosso, ingiustamente dimenticato dopo aver riscosso, verso la fine degli anni ‘70, un discreto e meritato successo. Era diventato molto popolare grazie a brani come E allora senti cosa fò e soprattutto Una storia disonesta, grande successo commerciale nonostante le censure dell’epoca per via dei riferimenti all’uso di droghe leggere.

Jesto nel 2018 ha pubblicato Buongiorno Italia, lavoro maturo con cui omaggiava il padre grazie a brani nei quali esplorava tematiche sociali, mentre nell’album precedente (Justin) gli aveva proprio dedicato un toccante pezzo dal titolo Papà.

Oggi la sua eredità artistica è in mano a suo fratello Taiyo Yamanouchi, noto come Hyst, che curerà l’uscita del suo album postumo, anticipato da questo brano e dal relativo video, girato poco prima della morte.

La legge dello specchio è il suo lascito, una canzone con riferimenti alla filosofia del Kybalion e all’introspezione che testimonia ancora una volta la profondità dell’autore.

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Joseph Martone: Lying Low

Genere: 🪕Folk 🎸Rock

di Manuel Graziani

Baffo e pizzetto alla Buffalo Bill, contornati da una barbetta trascurata. Cappello da cowboy piantato in testa e una vecchia Danelectro 12 corde a tracolla. Direi che possiamo serenamente escludere il grindcore tra i generi d’elezione di Joseph Martone.

Nel singolo che anticipa il secondo album, l’ombroso crooner originario di Vitulazio (provincia di Caserta) ma cresciuto in un paesino nello stato di New York, sussurra con voce bassa, carnosa, polverosa.

Lying Low è una piccola storia antica che mette sullo stesso piano “il gatto più cattivo della strada e la pera più dolce dell’albero”. Un’immagine così evocativa che potrebbe essere l’incipit di un racconto di John Fante trapiantato dentro Miami Blues di Charles Willeford.

Il pezzo è tenuto su dalla stilosa marcetta in battere di Fabio Rondanini. Un batterista d’eccezione come del resto gli altri musicisti in squadra: dal sodale Ned Crowther (The Fernweh, Smokey Angle Shades) fino a Taylor Kirk dei Timber Timbre che qui fa i cori, suona le chitarre, le percussioni, mellotron e Farfisa, oltre a essere il produttore dell’intero progetto assieme a Mike Dubue.

Giocando di sponda Lying Low è la Messico e Nuvole di chi è rimasto sotto a Whiskey for the Holy Ghost di Mark Lanegan. Dylaniato. Dentro e fuori.

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Kneecap (feat. Sub Focus): No Comment

Genere: ⚡Electro 🎤Hip Hop

di Max Zarucchi

Esiste qualche strano motivo (che in realtà è tristemente ben comprensibile, ma facciamo finta di non renderecene conto) per cui – negli ultimissimi anni ancor di più – è un continuo rincorrersi di affermazioni in cui la musica dovrebbe essere ben separata dalla politica. E quando il messaggio c’è, qualche guru dice che non è stato compreso. In realtà queste affermazioni sono veramente superficiali e puerili, perché tutto ciò che una persona fa nel quotidiano, dallo scegliere cosa mangiare sino ad arrivare appunto alle forme più alte dell’arte, è una rappresentazione politica della propria visione del mondo, piaccia o meno. Vero che siamo anche in un’era dove alla festa di Atreju passano Io sto bene dei CCCP: un cortocircuito ideologico (l’angoscia del vuoto spirituale della gioventù a una manifestazione dove l’uomo è idealizzato come forte e puro? Mah…) a cui sembra ormai che le persone si siano abituate.

Ecco allora che diventa non solo imprescindibile, ma assolutamente necessario parlare del nuovo singolo dei Kneecap, tra l’altro avvolto in una splendida copertina a opera di Banksy (il murale apparso sulla facciata della Royal Courts of Justice di Londra che ha infiammato la Beautiful People), giusto per chiudere il cerchio.

No Comment è una chiamata alle armi per l’attacco frontale all’establishment e a un certo modo di fare politica, rime al vetriolo che non lasciano spazio a nessun dubbio spalmate su beat incendiari e letali a opera di quel piccolo genio che è Sub Focus. È una tabula rasa che, perlomeno nelle intenzioni, dovrebbe risvegliare le coscienze (di chi ancora ha speranze) dal torpore indotto da una società, quella attuale, che ha trovato nella tecnologia un nuovo totem catalizzatore per riuscire a fare ciò che più gli serve: vendere, dopare, asservire, silenziare, rincoglionire.

Brano volutamente spinto e cazzuto, che mira al cuore dell’ascoltatore, a prescindere se il colpo lo farà fuori o lo galvanizzerà. È scomodo, per il modo crudo in cui descrive una realtà che è sotto gli occhi di tutti ogni giorno, ma che si preferisce (o si è indotti a) non vedere. Decidete voi da che parte stare.

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Marta Del Grandi: Alpha Centauri

Genere: 🌟Pop

di Vasco Viviani

Marta Del Grandi sta seguendo alla perfezione la giusta ricetta per farsi ricordare: grandi album, collaborazioni certosine, impronta riconoscibile, bravura e fascino. Qui ci porta in un planetario immaginario, ispirata da un libro che la riconduce ai tempi della scuola.

Il percorso inizia in maniera intima e folk, con un’ugola che sembra rilasciare nello spazio momenti di magia. Poi entra una batteria jazzata, macchie di luce nella notte e rincalzi sui quali ci fa ballare. Quando parte la chitarra siamo ormai in orbita con un brano acustico che guarda al cosmo intero. A rapirci il cuore i fiati, per una piccola creatura d’arte che scappa all’istante da spazio e tempo.

Alpha Centauri è un sistema stellare che nella lontananza dell’universo si staglia con luminosità ed eleganza. A più di quattro miliardi di anni dalla nascita del nostro sistema solare la musicista milanese di nascita sorprende ancora una volta per bravura, bellezza e precisione.

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Ponte del diavolo: Spirit, Blood, Poison, Ferment!

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Vasco Viviani

Quasi ogni regione italiana ha il proprio ponte del diavolo: luoghi avvolti da leggende antiche, spesso scenari di sacrificio e di sfide, legati a fatti drammatici e a scelte inevitabili. Da circa un lustro a Torino uno di questi varchi ha preso vita sonora, entrando negli sterei piuttosto che aspettare viandanti. Lo scorso anno con il loro album Fire Blades from the Tomb avevano raccolto pareri unanimi, spinti dalla voce di Erba del diavolo, dai bassi di Kratom e Khrura Abro, la batteria di Segale cornuta e la chitarra di Nerium.

Per il nuovo brano Spirit, Blood, Poison, Ferment! decidono di calare l’asso aggiungendo il trombone di Francesco Bucci che spinge ancora più in alto la loro musica evocativa e teatrale. Erba del diavolo canta come se si rivolgesse agli altri mondi e il peregrinare del re ferito nel videoclip finisce per trasformarsi in pura natura, concludendo una metamorfosi inaspettata.

La musica del Ponte del diavolo risuona antica e alchemica, unisce fasti di antiche battaglie e il lato più inquieto di creature ultraterrene. Buon per noi che il tramite di queste pratiche e di questi suoni sia un quintetto che non pare intenzionato a sbagliare una virgola nemmeno con il fiato degli inquisitori sul collo. Musica magica, pesante e oscura, eppure in grado di collegarci con un’energia che ci solleva e ci fa volare sopra alle miserie terrene.

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Roger Waters: Sumud

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

L’anomalia riguardo a Roger Waters è che, ormai da decenni, ogni cosa che il bassista inglese dice o fa viene automaticamente presa e rovesciata, a uso e consumo di click facili e sterili polemiche da bar. Basti pensare alla querelle creata ad arte, estrapolando una sua dichiarazione da un’intervista in cui si parlava di tutt’altro, riguardo al suo parere su Ozzy Osbourne. Apriti cielo! Per poi vedere in pochi giorni le lacrime rancorose di Sharon trasformarsi in un nuovo gadget da vendere con merchandise di dubbio gusto.

Forse è questa la condanna di Waters: essere schietto, diretto, andare a toccare dei nervi talmente scoperti e dolorosi che la reazione media è sempre quella del gridare, invocando non si sa bene quale giustizia etica, dandogli fondamentalmente del vecchio rincoglionito. La verità è un’altra: sicuramente il ragazzo non ha più vent’anni, ma di certo è un uomo che ha dedicato buona parte della sua vita alla lotta contro le ingiustizie del mondo, a prescindere da etnie o religioni – un pacifista convinto come non se ne fanno più, che pur di portare avanti la sua campagna antibellica si espone in prima persona, prendendosi gli insulti del caso.

Ovviamente il suo medium principale sono le canzoni, ed è proprio con questo spirito che – senza troppo clamore – ha pubblicato sui suoi social un nuovo brano, Sumud. Ecco allora che da un testo simile, potrebbe nascere un dibattito, un dialogo, un confronto, qualcosa di umano, ben diverso dalla solita caciara che sfocia in un meme idiota (arma di distrazione di massa fin troppo abusata da The Powers That Be, o dai loro cani) a cui il popolino abbocca e smette di porsi domande, fare dei ragionamenti che vadano oltre gli slogan da stadio.

Perché la semplificazione assurda del “critica a Israele = antisemitismo” è questo: ridurre il tutto a un bianco e nero, un “noi contro voi” dove non ci deve essere spazio per un minimo di ragionamento: il pensiero ridotto a un colore da scegliere per schierarsi.

Fosse anche solo per questo, Sumud – e il suo testo, che spinge fortemente a una riflessione dura, aspra, amara, ma reale – è uno dei brani passati sottotraccia più importanti dell’anno appena concluso. Finché vivranno artisti come Roger Waters che, invece di trastullarsi nell’autocelebrazione del rock and roll, utilizzano la propria posizione per sensibilizzare gli ascoltatori su temi scottanti e difficili come la situazione a Gaza, ci sarà un’alternativa a quattro culi sul TikTok buoni solo per il brain rot con Wish You Were Here come sottofondo.

Se invece volete solo le chitarrine e non vi interessa la politica, citandolo, potete anche andarvene affanculo al bar.

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Sex Mex: Dragging Me Around

Genere: ✊Punk

di Manuel Graziani

«Sex Mex is not a group!» campeggia in rosa shocking sulla nuova t-shirt del gruppo – ops, del bizzarro artista – di San Antonio che suona synth weirdo garage punk friccicarello. Lo so è un po’ lunga, ma è l’etichetta/definizione giusta per perimetrare la musica di Sex Mex, all’anagrafe Nathan Gray.

Prolifico a dire poco, dal 2022 a oggi questa sorta di sosia texano del giovane Gregor Fučka ha pubblicato una decina tra singoli ed EP e addirittura quattro raccolte lunghe: tutta roba che si trova nei formati old school come cassetta, vinile e CD.

Il suo 2026 principia con l’EP Down in the Dump Trucks, presentato da un pezzo che parte con quei sintetizzatori ariosi e massimalisti cari al primo Niccolò Contessa, per poi andare a parare dalle parti del Jay Reatard più melodico.

Troppo punk per essere pop, troppo pop per essere punk. Sì, il vecchio adagio è sempre valido. Ed è proprio in questo cortocircuito che sguazza il nostro uomo. Alto e scheletrico come un alieno cresciuto nei cessi del CBGB, Nathan percuote la batteria a ritmo marziale e urla al microfono, disseminando in continuazione melodie a presa rapida.

«Will you stop dragging me around?», si interroga alla fine. Ma lo sa anche lui che è una domanda retorica.

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The Notwist: X-Ray

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Da Weilheim, i Notwist sono una band che è stata di successo: a cavallo fra il 1998 e il 2002 ricordiamo Shrink e Neon Golden, perfetti nell’unire una sensibilità umana e digitale in un suono ricercato e spendibile che a suo tempo ha fatto letteralmente sfracelli.

Questo singolo conferma in pieno come la loro carriera sia in realtà un insieme di stili e di incroci pazzeschi e formidabili, che ha preso ispirazione tanto dalla musica indie rock quanto da certe spinte a mutazioni quasi metal e da una dose di sperimentazione mai doma, inserendo però tutto questo in un contesto pop e orecchiabile.

Bizzarro certo, ma in un certo senso inevitabile dopo decenni passati ad assorbire quanto successo nel mondo musicale. In X-Ray ci sono percussioni dritte, suonini elettronici che escono dalla cameretta e un sapore agrodolce nella voce di Markus Acher. L’atmosfera perfetta per scorrazzare sul set di un immaginario B-movie dove gli inseguimenti si svolgono seguendo il ritmo delle maracas. Incredibilmente il tutto ha perfettamente senso e questa sorta di Frankenstein sonoro rimane centrato e in movimento, angolo di osservazione perfetto su un progetto multiforme che riesce a esprimere tutti i suoi lati.

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E con queste 30, noi si va in vacanza fino a dopo la befana. Ci sentiamo di nuovo il 7 gennaio del prossimo anno quindi: state bene!

C’è un momento, ogni dicembre, in cui ci guardiamo alle spalle e ci rendiamo conto che l’anno ormai quasi passato è stato di nuovo uno di quelli in cui la musica ha provato con tutte le sue forze a scappare dalle etichette che le appiccichiamo o ad appiccicarsi addosso etichette che ancora non avevamo preparato. Un anno in cui i generi hanno continuato a mescolarsi come studenti in Erasmus dopo il terzo drink, in cui l’algoritmo ha finto di avere tutto sotto controllo mentre le uscite gli sfilavano davanti mostrandogli il dito medio, e in cui la sola cosa davvero stabile è rimasta la stessa di sempre: la sensazione che non riusciremo mai a starci dietro davvero. Nonostante la nostra, immancabile New Music Weekly.

Ogni settimana – agosto e festività esclusi, ché anche noi meritiamo un paio di boccate d’aria per sopravvivere all’apnea – abbiamo scandagliato il mare di novità per tirar fuori dieci tracce che valeva la pena ascoltare. Non necessariamente le migliori, non necessariamente le più importanti (come se “migliori” e “più importanti” potessero poi essere parole dal significato universale): semplicemente quelle che, per qualche ragione, ci sembravano meritare un posto nella vostra coda di riproduzione. 46 settimane, 460 brani, un esercizio costante di curiosità e selezione, un piccolo rito editoriale che nel tempo è diventato il nostro modo di guardare il mondo attraverso le sue cuffie e farlo passare, il mondo, attraverso le vostre, di cuffie.

Ma c’è appunto un problema che non risolveremo mai, e che in fondo amiamo: vengono pubblicate troppe canzoni belle per riuscire a metterle tutte in fila. Ogni anno ce ne sfuggono una caterva: che sia tempismo, sfortuna, o pura e semplice mancanza di spazio, è un dato di fatto. Ed è qui che entra in gioco il nostro appuntamento di fine stagione, il momento in cui raddrizziamo il tiro quasi fuori tempo massimo e ci concediamo il lusso di recuperare ciò che è rimasto fuori dalla selezione settimanale. O almeno una piccola parte.

Le chiamiamo Bonus Tracks e ormai lo sapete: non sono una classifica, non sono un Best of, e nemmeno un tardivo mea culpa: piuttosto un’altra porta d’ingresso all’anno musicale, un corridoio laterale pieno di pezzi che avremmo voluto suggerirvi prima e che ora, finalmente, trovano la loro occasione. Trenta brani che non competono tra loro ma convivono, ciascuno con la propria storia, la propria atmosfera, il proprio motivo per esistere. Un promemoria che, anche quando pensi di aver ascoltato tutto, la musica ha sempre un angolo nascosto da offrirti.

Blondshell: Change

Genere: 🎸Rock

di Simone Fiorucci

Se il fantasma del vostro io passato aveva parcheggiato la parola “cambiamento” nella cartella chiamata “cose a cui non dovrò pensare mai più”, ci dispiace: Sabrina Mae Teitelbaum è qui per rompervi le uova nel paniere, o quantomeno avanzare delle perplessità riguardo al vostro discutibile sistema di archiviazione. Change (un titolo, un programma – ma anche una sorta di trappola) non è che la mette giù semplice, tipo limitandosi ad affrontare faccia a faccia il concetto di evoluzione personale: ci canticchia sopra a mo’ di presa per il culo, gli ringhia sul muso, e alla fine chiede perdono con il senno di poi – ma sempre senza piangere sul latte versato.

A testimonianza di tutto ciò, basta dare un’occhiata veloce ai due estremi della faccenda: il verso iniziale («I just played the rodeo, I think I need to change») scava le fondamenta per una narrativa di trasformazione, quello di chiusura («I’m sorry for changing») manda tutto in vacca sotto forma di richiesta di rimborso al te stesso che credevi di conoscere così bene.

Ma queste sono fregnacce da psicoanalisi, dirà l’ascoltatore disinteressato. E allora parliamo della musica, solo per scoprire che il frutto non cade molto lontano dall’albero. La canzone cavalca, senza mai perdere l’equilibrio, quel pony imbizzarrito storicamente figlio della collisione tra l’eredità chitarristica post-grunge e un’introspezione ancor più tagliente, finendo per esistere in uno sweet spot tutto suo, a metà tra la distorsione incombente e un sottile rammarico che ha il gusto dello slime di Nickelodeon: elastico e colloso, sporco quanto basta per farti venir voglia di spalmartelo addosso. Nessuna esplosione telefonata, solo una progressione intenzionale, trazione che monta in falsopiano – leggera eppure testarda.

«I’ve changed» può sembrare una cosa facile da dire, ma solo quando è una dichiarazione. Qui è quasi pentimento, invece – però fatto di un rimpianto che non puzza di debolezza: «It’s not my fault it’s who I am / When I feel bad I bring it back and leave it all at your door» sono parole che possono vivere senza suonare ridicole soltanto nei meandri di quello spazio disastrato che sta tra ciò che eri quando hai fatto una promessa e ciò che sei adesso che l’hai infranta. Non c’è celebrazione, né tronfia autoaffermazione. Ci sono arpeggi quieti, ritornelli che ammettono colpe condivise (e quindi negano qualunque colpa), forse un paio di lacrime, ma le lacrime di chi indossa il rimorso come un giacchetto di pelle, e ci sta da dio dentro.

Avete mai vissuto quel momento in cui vi siete sentiti di dovere delle scuse a qualcuno per il semplice fatto di essere cresciuti? Ecco, allora questa è la vostra colonna sonora. Change suona come una break-up song dedicata a una versione di te che non ti dispiaceva poi così tanto. E nella cosiddetta pop culture non c’è niente di più punk di una roba del genere.

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New Brutalism: 089

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Maximiliano Bianchi

I New Brutalism gli strumenti se li costruiscono da soli: chitarre, amplificatori, pedali, armadietti. Tutto in alluminio, materiale scelto perché malleabile e più facilmente lavorabile dell’acciaio e, specialmente, capace di generare suoni precisi. Il design dei manufatti è minimalista così come il principio, quasi un dogma, che sostiene la musica del quartetto nato a Knoxville, Tennessee: sfrondata da qualsiasi elemento decorativo, tagliente e precisa come il metallo, matematicamente incastrata tra il post-hardcore e il noise. Un approccio talmente poco interessato al messaggio che la band arriva a usare antiche tecniche di costruzione delle imbarcazioni come testi del suo ultimo lavoro.

Questo accade in 089, una delle tre tracce di Requiescat Record, EP registrato in un solo giorno da Steve Albini all’Electrical Audio di Chicago nel 2021 e masterizzato, dopo la sua scomparsa, da Bob Weston, produttore e suo compare negli Shellac. Ovvio che dopo la morte del geniale ingegnere del suono, il titolo sia diventato una sorta di dedica retroattiva per uno storico alleato creativo con cui i Nostri hanno condiviso anche l’accettazione delle imperfezioni, come quando il controller ha smesso di funzionare durante la registrazione di 089, generando un fraseggio non lineare della chitarra che è stato lasciato così nella versione finale della canzone.

Il minimalismo è ulteriormente evidente sia nel nome scelto dalla band che rievoca il brutalismo – la corrente architettonica che fa della cruda rudezza del cemento a vista e dell’essenzialità la sua caratteristica principale – sia nella decisione, fin dall’esordio nel 1998, di non dare titoli alle canzoni, adottando una spartana numerazione progressiva: le tre tracce dell’EP si chiamano infatti 087, 088 e, appunto, 089.

Un ultimo tassello minimalista: Knoxville nel Tennessee orientale è la città degli Appalachi dove è cresciuto Cormac McCarthy, il gigante della letteratura americana e gran maestro delle frasi brevi e dirette, leggiadro estirpatore delle virgolette nei dialoghi e nemico giurato – come Kurt Vonnegut e questo sito – dei punti e virgola. Un autore dalla prosa potente e scarna che forse avrebbe apprezzato la potente semplicità dei paesaggi sonori dei New Brutalism.

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Crippling Alcoholism (feat. Luxury Skin): Ladies’ Night

Genere: ⚡Electro 🎸Rock

di Vasco Viviani

Narcisismo, lato oscuro, oggettivazione in una serata fuori. I Crippling Alcoholism prendono a bordo Luxury Skin per un’uscita che è uno scavo verso il baratro, tra perversioni e visioni distorte.

Dediti a una sorta di lancinante disco-post-punk da ballo, i Nostri non hanno remore a esprimere i propri demoni attraverso una musica che si fa sempre più carica e drammatica. La voce di Tony Castrati sembra provenire dall’inferno, pur mantenendo un tono affabile e sensuale. Quando cambia intonazione è come se desse il via a una disperata mattanza, in mezzo agli spettri di Marilyn Manson e Trent Reznor. Il carillon che chiude il brano non promette nulla di buono: non c’è né passeggiata della vergogna né dolce risveglio il giorno dopo, è verosimile che il limite sia stato oltrepassato e che nessuno potrà più vivere o rivivere quanto accaduto.

Crippling Alcoholism sono la nostra Beatrice, quello che cerchiamo in fondo a certi antri nei quali sarebbe meglio non avventurarsi da soli. Fidatevi di loro, ma rimanete a distanza di sicurezza.

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Heartworms: Extraordinary Wings

Genere: 🎸Rock 🎶Altra musica

di Davide Romagnoli

Extraordinary Wings è uno dei cavalli di battaglia del nuovo disco di Jojo Orme, volto, penna e ossessione dietro il progetto Heartworms. Glutton for Punishment – questo il titolo del disco d’esordio della cantautrice londinese – è stato infatti aspettato con trepidazione e accolto con un plauso di gusto (e incensato soprattutto da NME). Giustamente, aggiungiamo, visto il piccolo successo underground del precedente EP e la qualità di pezzi come questo.

C’è qualcosa di profondamente post-punk nello scheletro del brano (e nell’album tutto), ma con quella malinconia che ricorda certe pagine dei Cocteau Twins quando decidevano di fondare il dream pop, e anche un po’ di Cure, il cui spirito, effettivamente, non ha mai abbandonato l’estetica post-punk/dark inglese (e non solo). E poi i Depeche Mode e altri fantasmi arcinoti. Insomma, le ispirazioni sono sempre quelle e non c’è mai nulla di davvero nuovo sotto il sole. Ma qui di sole ce n’è poco. E comunque quello che c’è è in bianco e nero, quindi a posto così.

Estetica calibrata al millimetro, emotività trattenuta, un volo che resta sempre un po’ troppo vicino al suolo per parlare davvero di ascesa. Ma Jojo non è qui per riscrivere la storia della musica né per inventare nuovi generi del domani: sta semplicemente affilando un linguaggio già suo sotto le piume. Se queste sono “ali straordinarie” non lo sappiamo: certo non si alzano alte, non promettono rivoluzioni.

Ma qui alla fine ci sono un sacco di ingredienti che funzionano sempre. Soprattutto quando il brano diventa davvero una camera di decompressione emotiva con quel refrain, «I don’t wish murder ’cause I got no right», che risuona in testa già dal primo ascolto. Una cosa che pare un sussurro di autocontrollo pronunciato sull’orlo di un collasso esistenziale globale, e va ad accarezzare il nostro spleen quel che basta per farci decadere insieme a lei. Siamo dei gattacci prevedibili, a cui piace la malinconia, stiamo bene così.

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LIGHTERS: Lost in Her Flowers

Genere: 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Se per qualche strano motivo vi steste chiedendo cosa ci sia di meglio dello shoegaze, beh… la risposta ve la diamo noi: lo shoegaze nipponico. Se poi quest’ultimo riesce a rievocarti una certa spensieratezza di fine estate e gli abbraccioni dell’adolescenza, ancora meglio: i LIGHTERS ti svoltano la giornata, un po’ per tutto quello appena enunciato, un po’ perché rianimano Billy Corgan e gli Smashing Pumpkins (perfetti) di Siamese Dream.

Eppure tutte queste atmosfere prendono vita solo a livello sonoro: Lost in Her Flowers gioca con quelle melodie lì, fa rombare i chitarroni – Hum, ma quelli più “docili” – e ti coccola con la mitezza dell’indie rock – Pixies, ma quelli meno schizofrenici – confezionando un dispenser di nostalgia da lacrimoni, traslandoci ai 90s, al (post-)grunge e al Big Muff come ragione di vita.

È liricamente che, invece, spinge su ben altra emotività: nostalgia, sì, ma di un legame spezzato, il ricordo di un allontanamento che ha causato fratture non ricomponibili nemmeno con il kintsugi. Fiori per una persona che è ormai lontana da noi, mantenuti freschi sotto l’ombra di un passato tremendamente vivido e di un amore che, probabilmente, non svanirà mai, nonostante tutto.

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Bridge Dog: Counterweight

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Emanuele Podda

I Bridge Dog, band di Eora (Sydney) nata dal sodalizio tra Grace Ha e Brian Park, avevano fatto intravedere qualità compositive e liriche fuori dal comune già nel loro EP di esordio, Going South (2021), opera di elevata raffinatezza e complessità. La loro fusione efficace di chitarre shoegaze e armonie pop ha trovato la definitiva consacrazione nell’album di debutto Autofictions. Uscito per Omiya lo scorso maggio, il disco si è imposto come uno dei migliori lavori indie pop dell’anno.

Apre l’opera Counterweight, brano shoegaze che evoca gli Alvvays, incentrato sull’inerzia di una relazione in cui Ha (autrice del testo) preferisce continuare ad annegare – «Wind up in the sea / We stay underneath» – piuttosto che affrontarne la fine. Il muro di suono distorto simboleggia la coltre d’acqua sotto la quale i due amanti decidono di restare, mentre la voce limpida dell’australiana è comparabile a un “canto delle sirene” che, estetizzando il dolore, rende l’atto di restare sommersi quasi seducente.

Nel verso chiave «we’ll disregard the broken parts if they’ll bear our weight», Ha ammette tuttavia il suo compromesso nevrotico: scegliere di usare la zavorra dei traumi condivisi con il compagno come “contrappesi” per continuare a rimanere ancorati sott’acqua piuttosto che affrontare la voragine della solitudine. Una difesa che crolla dopo due minuti e mezzo, quando parte un assolo affogato nel delay, rappresentazione del momento esatto in cui le parole falliscono e il soggetto viene sommerso da quell’angoscia che cercava di tenere a bada.

Il finale rivela il costo psichico di questa resistenza. Il tentativo di “sanificare” la relazione- «Bled out with the chlorine» – non ha portato alla guarigione, ma all’anedonia: «If I can’t feel it like I used to / Then I can’t feel it like I want to». La lezione tragica di Counterweight è proprio questa: spesso usiamo i nostri traumi non per crescere, ma come ancore per non dover risalire in superficie, preferendo l’inerzia ovattata di un abisso conosciuto all’incertezza di poter essere felici una volta liberatici dai nostri fardelli.

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Jemima: Coming Over

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Giuseppe Rapisarda

Immaginate di trovarvi per strada, in mezzo alla gente, e di avere con voi un piccolo registratore. A un certo punto iniziate a premere REC per incidere voci e rumori di fondo di vario genere, suoni affastellati e senza ordine o coerenza fra loro. Di ritorno a casa mettete le cuffie per riascoltare quel fragore bianco a cui normalmente non diamo valore e magari suonateci sopra qualcosa. Ecco allora che quel materiale così grezzo è già di per sé musica, basta solo mettere insieme i pezzi di questo immenso puzzle.

I Jemima sono un duo londinese, misteriosi e schivi quanto rare sono le immagini che li ritraggono. Dopo Scratch for a Bond e If I Remember, due EP usciti l’anno scorso, viene ora pubblicato il primo album sulla lunga distanza: Even the Dog Knows. Tutte le registrazioni sono volutamente lo fi, ovvero flussi sonici immateriali che si legano profondamente ai field recordings catturati dall’ambiente circostante, a riprova che anche le cose hanno una loro voce, un loro canto vitale.

La traccia Coming Over ha un arpeggio bucolico circolare nel suo disegnare uno stato di abbandono, con un mood che si potrebbe definire tanto folk, quanto post-rock per l’attitudine a descrivere le rifrazioni di paesaggi interiori. Mentre le chitarre si intrecciano e si sovrappongono in una sostanza unica, sentiamo intercalarsi conversazioni in lingue che potrebbero essere di qualsiasi nazionalità, proprio in quanto spogliate da qualsiasi vincolo di appartenenza. La musica dei Jemima custodisce il riverbero di spazi in cui risuonano oggetti mossi da una energia invisibile come fantasmi che passano attraverso le pareti di stanze immaginarie.

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Amorphis: Bones

Genere: 🤘Metal

di Francesco Eandi

I detrattori della band più rappresentativa del melodic death finlandese potrebbero dire che sono vent’anni che gli Amorphis incidono lo stesso album. Nel caso, tali detrattori avrebbero assolutamente ragione. E tuttavia, come dice un umile commentatore in calce al video di Bones, «ci sono solo due certezze nella vita: la morte, e il fatto che gli Amorphis non deludono mai».

Ecco, l’umile commentatore sicuramente esagera un po’, ma la verità è che la ragione appartiene a entrambi. L’ingresso in formazione nel 2005 di Tomi Joutsen (ancora considerato “il nuovo cantante” dagli irriducibili fan della prima ora) è come se avesse cristallizzato il suono degli Amorphis attorno a pochi punti fermi, ma solidi come roccia: molto ha a che fare con quel genio sottovalutato di Esa Holopainen (suoi i riffing potenti, suoi gli assoli pieni di feeling e melodia, sue le scale orientaleggianti, suoi gli ostinati con cui punteggia la chitarra ritmica), molto fa la voce dello stesso Joutsen, impeccabile sul growl e sul pulito. E meno appariscente ma di sostanza è il lavoro dietro le tastiere di Santeri Kallio, se non altro perché in ogni disco firma la metà dei brani.

In Bones (autore Kallio, per l’appunto) c’è tutto questo, e ai massimi livelli. Non fatevi ingannare dall’enfasi e dal trasporto tipicamente finnici con cui Joutsen e Holopainen parlano qui del brano (l’avete visto? Ok: eravamo sarcastici): questo è davvero uno dei migliori pezzi dell’ultimo Borderland , e dal vivo (visti a Milano lo scorso ottobre) rivela tutta la sua capacità di potenza.

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Wednesday: Reality TV Argument Bleeds

Genere: 🎸Rock

di Fabio Piccolino

È una scrittura per immagini quella che caratterizza Karly Hartzman, cantante, chitarrista e leader dei Wednesday: frammenti, fotografie di realtà quotidiana, parole significative, che come tanti ritagli di giornale si ricompongono per descrivere stati d’animo, punti di vista, storie dalla provincia americana. Un mix che trova il suo corrispettivo nella musica della band di Asheville, North Carolina, in equilibrio tra la ricerca della melodia e i suoni elettrici, distorti, rumorosi.

Tutte caratteristiche riassunte perfettamente in Reality TV Argument Bleeds, brano chiamato ad aprire l’ultimo album. L’iniziale crescendo dei feedback degli strumenti, i riff sporchi e taglienti, la struttura quadrata delle strofe, il contrasto tra la voce limpida e l’aggressività delle chitarre si uniscono alle immagini raccolte da Hartzman nel testo: l’ubriaco che trascina i piedi, la voce di un reality show di sottofondo, una strada innevata piena di curve, da affrontare con gli abbaglianti accesi.

Ironici e graffianti, ruvidi ma ben strutturati, i Wednesday prendono in prestito stilemi sonori del passato rendendoli personali e riuscendo per questo a suonare perfettamente contemporanei.

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Desinteresse: Silhouet

Genere: ✊Punk 🎸Rock

di Max Zarucchi

Tra le uscite più discusse del 2025 c’è il primo, vero album dei giovanissimi Desinteresse, trio dei Paesi Bassi dedito a una riproposizione quanto più fedele possibile del post-punk originario.

Nello specifico (e non ci sarebbe bisogno nemmeno di dirlo) i nostri attingono a piene mani dai Cure del periodo Faith, senza disdegnare rapidi passaggi nella coldwave francese degli anni Ottanta. Il risultato è qualcosa di divisivo: per alcuni si tratta di plagio, per altri di semplice tributo. La realtà è che, comunque la si giri, i brani funzionano bene, conquistano ascolto dopo ascolto ed è quasi come fare un viaggio nel tempo sonoro, un ritornare davvero a un mondo musicale che è stato purtroppo cancellato sotto quintali di tecnologia.

Silhouet, il secondo singolo tratto dall’album, è puro godimento targato ‘81, tra cappotti lunghi neri con il bavero rialzato, capelli corvini spettinati, tastiere minimali, batteria metronomica sotto un basso marziale e nevrotico, chitarra annoiatamente distante e voce in piena angoscia da riverbero. Non ci sono pipistrelli, latex e merletti: qui siamo alle radici del goth ben prima che il goth nascesse come movimento subculturale. Creature simili (come venivano descritte nella Milano dei primissimi anni ‘80) continuano ad affascinare e coinvolgere grazie a una capacità non comune di scrivere canzoni complete che creano mondi interiori sfaccettati: quando riusciranno a distaccarsi definitivamente dalle loro – sacrosante – influenze, prenderanno sicuramente il volo.

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Goddess (feat. Ex:Re): Shadows

Genere: 🎸Rock ⚡Electro

di Simone Fiorucci

C’è un tipo particolare di canzone che non inizia nell’esatto istante in cui si materializza: come la nebbia che scivola sotto una porta o quella sensazione fastidiosa di aver dimenticato qualcosa di importante. Shadows, uno dei primi singoli dell’omonimo album a firma Goddess – il progetto timonato da Fay Milton, ovvero la tizia che un tempo stava dietro alle pelli delle Savages – è esattamente quel tipo di canzone. Aggiungeteci un carico come la presenza di Ex:Re – lo sfuggente alias solista di Elena Tonra, che ad ascoltarla sembra piuma ma a livello emotivo po’ esse fèro, anzi, spesso lo è – e lo sentirete atterrare sulle vostre esistenze senza annunciarsi alla torre di controllo, con l’autorità silenziosa di un segreto sussurrato che, in qualche modo, continua a riecheggiare per ore.

C’è qualcosa di straordinariamente coerente – o perfettamente beffardo, dipende da come la si guarda – nel fatto che una batterista che ha passato anni a ricordarci quanto sia bello il rumore quando è suonato con metodo abbia deciso di costruire questa sua nuova avventura su una sottrazione quasi totale di movimento, energia, fragore, eccesso. Come se si fosse chiusa in casa, avesse abbassato le tapparelle, spento il telefono e deciso di parlare finalmente solo con le ombre.

Eppure, nonostante Shadows abbracci il minimalismo in modo deciso, non si tratta di quel minimalismo freddo e architettonico che ti fa venire voglia di tirare su una coperta. Questo è un qualcosa di più caldo, più torbido, tipo essere immersi nel sogno inquieto di qualcun altro. Tutto è spogliato fino all’osso: un pianoforte fantasma, sintetizzatori scheletrici, spazi cavernosi. È la limitazione come forma di ribellione – un rifiuto di riempire ogni angolo, lasciando vuoti abbastanza larghi perché ci si infilino disagio e bellezza, in una produzione quasi svizzera nella sua precisione, dove l’insieme di scelte sonore rimane sospeso quanto basta per farti chiedere cos’è che ci sta spiando da dietro ogni nota.

E poi c’è la voce, che arriva come il taglio di un foglio di carta su un polpastrello: non te ne accorgi, eppure sanguina e fa una fatica maledetta a rimarginarsi. Morbida, fragile, tuttavia rigorosamente implacabile, si muove attraverso l’arrangiamento sobrio con lo stesso peso malinconico che ha reso la discografia dei Daughter il manuale perfetto per insegnare a una generazione indie come soffrire con dignità arpeggiata, facendo sembrare il dolore un ricamo trasparente su una Danelectro DC 59, perché una Telecaster era troppo mainstream.

Di conseguenza, l’atmosfera galleggia in quel limbo affascinante dove trip hop, goth pop e ballad essenziali si sfiorano. Si sentono echi di respiri notturni alla Massive Attack, però svuotati di ogni aggressività, sostituita da una vulnerabilità disarmante. Non ci sono accenti irruenti dietro cui nascondersi, né crescendo che ti vengano a salvare – solo battiti e palpiti, nel lento, costante svelarsi di una canzone che sembra sempre sul punto di scomparire, fatta apposta per quando è troppo tardi – in qualunque senso vogliate intendere la cosa – da ascoltare possibilmente in cuffia, in quei momenti in cui il mondo pare leggermente fuori asse. È discreta, ma con un non so che di sinistro, sottilmente devastante – esattamente il tipo di canzone di cui non sapevi di avere bisogno finché non ti si è già insinuata tra la pelle e i nervi.

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AKA5HA: Senza

Genere: 🪕Folk ⚡Electro

di Giuseppe Rapisarda

La misura della decadenza è direttamente proporzionale al proliferare di slogan che esortano ad aderire a un modello universale di forza, di tempre forgiate dalle difficoltà per splendere tutti insieme come acciaio futurista. Mancano sempre di più quelle sottili parole per descrivere l’urgenza contraria di abbandoni e fragilità, tralasciando l’idea di anime fintamente anabolizzate. In questo senso, Rifiorirai, ultimo album di Matteo Castaldini (a.k.a. AKA5HA) prodotto insieme a Iosonouncane e pubblicato per Tanca Records, è un seme lasciato cadere sul selciato che cerca invano nutrimento nella sostanza sterile della terra. AKA5HA ha da tempo intrapreso una carriera solista parallela a quella di producer per molti artisti di area trap/urban, focalizzandosi su una scrittura intimista prevalentemente di natura folk, ma con innesti di elettronica che ne innervano il tessuto espressivo.

Senza è immersa in un alveo di enigmaticità lirica che si dischiude lentamente, unendo un’ibridazione vicina ai Radiohead con una stratificazione progressiva assimilabile a Nils Frahm. L’apporto di Jacopo Incani conferisce un’attitudine che slabbra il contorno dei suoni e ne dilata lo spettro. Nel suo ruotare attorno a diversi nuclei tonali, la traccia si sviluppa lungo il corso di continue evoluzioni sedimentate all’interno di uno scenario emotivamente cangiante. Al centro di una dinamica fatta di saturazioni e sospensioni c’è la voce di Matteo, a volte stentorea, a volte fragile come vetro, altre ancora filtrata per renderla trascendente.

Canzone dotata di una poetica che rivendica il potere di fallire, così come quello di lasciare andare qualcuno nonostante le ferite che tutti gli strappi portano con sé. Perché, quando si rompe uno specchio, un’immagine si frantuma in mille pezzi per poi ricomporsi in una nuova identità: «Se mi guardi le mani vedrai tutti tranne me».

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Patterson Hood: Exploding Trees

Genere: 🪕Folk 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Patterson Hood, dopo decenni di rock militante, è ormai da considerare un vero e proprio monumento all’Americana. Eccolo lì, infatti, superati i sessant’anni, accasato nella più artistica Portland, reduce pochi mesi fa dal Southern Rock Opera Revisited 2024 Tour con i suoi Drive-By Truckers (album che qui da noi è ancora sottotraccia, ma che dovrebbe essere recuperato assolutamente), a riprendere in mano una carriera solista che non si è mai davvero concessa il lusso di diventare prioritaria. Tredici anni dopo Heat Lightning Rumbles in the Distance, Hood torna con un disco che, per la prima volta, sembra non un side-project, ma un vero manifesto del proprio passaggio nel mondo: Exploding Trees & Airplane Screams.

E dentro questo album maturo, curato nei minimi dettagli grazie all’intesa con Chris Funk (The Decemberists) e a un cast stellare che va da Waxahatchee a Wednesday, per poi arricchirsi di contributi alla band tra er mejo der mejo del panorama folk (fino a un duetto mirabile con Lydia Loveless), c’è una porta d’ingresso perfetta: insieme title e opening track, Exploding Trees. Una ballata di pianoforte, sospesa nella sua atmosfera fiabesca, che apre il disco come uno scricchiolio nel gelo, entrando in punta di piedi, con una oscurità deliziosa che ci accompagna in quello che sarà il trait d’union di tutto il lavoro, concludendosi con un fuzz lo-fi che sporca il tutto, ma senza mai rovinare l’atmosfera delicata e suadente di un racconto da campfire.

Hood racconta un evento reale – una tempesta di ghiaccio che negli anni ’90 aveva spezzato letteralmente gli alberi della sua Alabama – ma lo trasfigura in qualcosa di più profondo: un ricordo che esplode all’improvviso, un’infanzia che si incrina di colpo. «Exploding trees / like fireworks in the ice storm», canta. E poi arriva la Beauty Queen, figura tragica, tanto reale quanto simbolica, che sembra quasi riecheggiare in tutto il disco: una donna schiacciata dai pini, qui trasformata in reliquia del disastro, congelata in una sospensione tanto macabra quanto tenera, mentre la tempesta diventa epica collettiva: «Like Vietnam descending upon Walnut Street», un’immagine così precisa e americana da sembrare proiettata in Sensurround. No, niente nostalgia da poco, non temete: ne siamo ben lontani.

Se il disco si evolve in un country folk atmosferico, affabile e sempre ispirato nei suoi momenti intimi (Pinocchio va citata ad honorem), così come nei suoi vari singoli (uno su tutti The Fork of Cypress), nei suoi interventi di fiati e di archi, brillando per ben più che un brano, Exploding Trees, però, resta il nodo essenziale, la scena madre, la miccia da cui si accende tutto il resto. Un pezzo che non punta al colpo di teatro, all’apertura per sbigottire, ma sembra già partire da quella che sarà la scia che un grande racconto ti lascia dopo che non ti sei nemmeno accorto di averlo sentito. E nemmeno di aver di nuovo girato da capo il lato del vinile.

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Fritz & Tony: The Party’s Over

Genere: 🎶Altra musica 🪕Folk

di Max Zarucchi

Questo è un colpo basso. Non si potrebbe descrivere altrimenti la collaborazione tra Tony Wakeford (Sol Invictus, Death in June e mille altri) e Fritz Hagal (Sonne Hagal), già anticipata dal bellissimo singolo del 2024. Aiutati da Risa Hara (Inanis Yoake), Bo Rande (Blue Foundation) e Matt Howden (Sieben), i Nostri ci regalano The Party’s Over: una splendida, struggente ballata che va tristemente a sposarsi alla perfezione con il momento storico che stiamo vivendo.

Il cantato sempre imperfetto di Tony commuove nella sua rassegnata fierezza, mentre sotto di lui la musica sembra tessere trame malinconicamente sofferte in uno svolgimento naturale e inevitabile, mai invadente ma efficace quanto basta per lasciare l’ascoltatore attonito. La linea che separa le semplici canzoni dalle Canzoni (quelle con la “C” maiuscola) spesso è sottile: quando però si incontrano pezzi come questo, distinguere diventa evidente e necessario.

Wakeford non ha perso un grammo del suo talento e la sua voce continua, fortunatamente, a raccontarci più di quanto potremmo mai meritare. Se questo è (come sembra di leggere tra le righe dei testi) un suo personale canto del cigno, indubbiamente l’uscita di scena sarebbe ad altissimi livelli.

Da recuperare assolutamente l’album: non per tutti, ma per quelli che hanno vissuto anni della propria vita immersi in certe sonorità, semplicemente sublime.

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Joan Thiele: Allucinazione

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

La figura di Joan Thiele è la perfetta rappresentazione di una dualità ossimorica all’italiana. Da una parte l’imbarazzante carenza a livello di cultura musicale nel Belpaese – un pezzone come Eco è arrivato, ahimè, al ventesimo posto nell’ultima edizione del Festival di Sanremo. Dall’altra, la conferma che lo Stivale ancora tira fuori artisti pop di altissima caratura.

Joanita, per chi non la scopre solo ora, è un sigillo diamantato alla già prolifica carriera della Thiele: un album pop che suona internazionale, cinematografico, peperino, ma al contempo estremamente intimista, proprio per il suo essere immagine nuda e cruda di una persona (prima) e di un’artista (poi).

Joanita entra in risonanza con il concetto di libertà, la stessa che viene rivendicata in Allucinazione. «Qui la voce è la mia arma / “Bandida, puta y santa”, in coro lo griderò» è un anthem che vibra intensamente, come a voler generare un che di ipnotico prima, di sismico poi: creare scompiglio in una società in cui l’essere sé stessi è quasi utopia.

Un manifesto con l’intento di rianimare fuochi celati tra i meandri della sfiducia nella propria identità: Joan Thiele mette a disposizione la sua voce che sibila sensuale, facendosi strada tra le serpentine chitarristiche che fondono art rock e psichedelia arabesca, tra Glass Beams, Khruangbin e Night Beats.

Palm muting reggente e vibes R&B che sposano un basso dal moto ondulatorio, riprendendo sì le atmosfere polverose dell’ultimo full-length, ma scostandosi dal sentito tributo al sound di Umiliani.

Se aveste ancora la necessità di una spintarella per approcciarvi alla musica di Joan Thiele, Allucinazione è il sunto perfetto di un’artista in stato di grazia.

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The Bug Club: Jealous Boy

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Emanuele Podda

I Bug Club sono, da tre-quattro anni, una delle realtà più interessanti della scena indie rock britannica, o meglio, gallese. Very Human Features, la loro seconda uscita per Sub Pop Records dopo il debutto nel 2024, lo ha confermato. Con un mix di garage, noise, jangle e punk, Sam Willmett e Tilly Harris hanno pubblicato lo scorso giugno un album che segna la loro definitiva consacrazione.

Very Human Features è un’opera che, come suggerisce in parte il titolo, analizza con un occhio ironico le contraddizioni tipiche della vita dell’Homo sapiens contemporaneo. In questo contesto, Jealous Boy, brano garage twee caratterizzato da una struttura loud-quiet-loud alla Pixies e che, a partire dal titolo, fa ampio citazionismo beatlesiano/lennoniano, mette in scena il conflitto interiore che ha sicuramente attraversato chiunque abbia provato una tra le più elementari emozioni umane: la gelosia.

Inizialmente, la strofa twee tenta una razionalizzazione pacata: il soggetto sa che l’altro possiede «everything I never wanted», e che dunque la sua gelosia non verte su qualcosa o qualcuno, bensì sul godimento immaginato che deriva dal suo “possesso”. A rendere il tutto paradossale è il paragone tra il rivale e Ringo Starr: cosa c’è di più meschino che odiare il classico “bravo ragazzo” hippie che va d’accordo con tutti?

Ma verso il preritornello, la razionalizzazione crolla: l’atteggiamento alla Ringo acuisce solo la frustrazione per una serenità preclusa alla voce narrante («Peace and love isn’t enough to make me feel better»). La voce si alza fino a gridare «When I’m mad, I’m so mad I could just twist and shout, ooh!», invocando i Beatles più viscerali e spazzando via la patina twee.

Il brano esplode infine in un ritornello garage punk che, nella sua richiesta ossessiva – «So tell me how I’m not allowed […] to be the jealous boy I am» – suona come una protesta disperata contro l’obbligo sociale (specie in certi ambienti indie “cool”) di abdicare al diritto alla “bruttezza” emotiva, lasciandoci con una domanda: non è forse essa che ci rende, in fondo, very human, e dunque liberi, in una società che ci vuole tutti decostruiti e risolti?

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Blind Butcher: Summer

Genere: 🎸Rock ⚡Electro

di Vasco Viviani

I Blind Butcher (Christian Aregger e Roland Bucher) sfuggono alle più canoniche classificazioni, come solo i primattori riescono a fare. Ritmici come se avessero messo una rock band in discoteca al passo di Stu Phillips e della sua Supercar, la coppia si ritrova a viaggiare in un’ipotetica estate, tenendo la tensione più alta possibile nonostante l’afa e il sole.

Summer, con il suo beat inarrestabile, è tenuta in alto dalla strumentazione base del duo: chitarra, basso, batteria e tastiera, oltre alla voce squillante. Ma l’insieme sembra essere uno scontro fra i Rapture, i B-52s e Michael Knight, costringendoci a stare all’erta, pronti a scatenare il ballo così come un conflitto ravvicinato. La chitarra punge, i corpi si muovono a metà tra un passo di danza coreografato dal maestro Moroder e Neo che schiva i proiettili.

Esperienza, stile, precisione e dedizione: solo così si può passare indenni la stagione estiva, senza incappare in disdicevoli party in spiaggia o scottature non richieste. Rimaniamo immobili presso sfondi inusuali, opere d’arte, paesaggi abnormi. Nessuno ci noterà e ce la caveremo anche quest’anno, basterà inibire il nostro riflesso a oscillare, ondeggiare e scatenarsi di fronte alla nuova canzone dei macellai ciechi.

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De Press: Bede Cie-Albo Nie

Genere: ✊Punk

di Max Zarucchi

In un modo o nell’altro, la band polacco-norvegese dei De Press, capitanata da quella leggenda vivente underground che risponde al nome di Andrej Nebb (unico superstite della prima lineup), sta sulle scene da quarantacinque anni. Ma non è questa la cosa stupefacente: incredibile è come questo settantunenne ancora non sia riuscito a domare i demoni dentro di sé. E per fortuna, vien da dire.

Perché se il rito purificatore del cantare con anima e corpo continua a dare risultati come questa Bede Cie-Albo Nie, beh, c’è solo da sperare che – perlomeno artisticamente – il non più ragazzo continui a cercare una strada verso la serenità, senza riuscirci. Perché il quantitativo di rabbia positiva contenuta in questi cento secondi farebbe impallidire i ragazzini con i capelli colorati che giocano a fare gli alternativi nei talent, rimettendoli al loro posto di fronte a un McCheese mentre ordinano il telefono nuovo su Amazon con la carta di credito del papi.

Qui non si scherza: si fa sul serio. Post hardcore, new wave d’annata e odori math si stringono attorno all’ugola posseduta di Andrzej Paweł Dziubek (questo il vero nome completo) per uno schiaffo in faccia difficile da dimenticare.

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Princess Nokia: Blue Velvet

Genere: 🎤Hip Hop

di Fabio Piccolino

Vista estrapolata dal contesto, la copertina di Girls di Princess Nokia sembra l’ennesima provocazione da parte di chi, scarseggiando di contenuti musicali, non sa più cosa inventare pur di attirare l’attenzione. Niente di più lontano dalla realtà, almeno in questo caso, perché se c’è una cosa che non manca alla rapper newyorchese è la sostanza.

Blue Velvet ha tutto quello che dovrebbe esserci in un bel pezzo rap: rime originali, stile, flow e una base avvolgente, oscura, potentissima. Destiny Nicole Frasqueri ci mitraglia sopra una cascata infinita di parole taglienti che costruiscono frammenti di immagini crude. Violenza verbale per condannare le ingiustizie della visione maschilista del mondo («If I was man, I could get away with murder / But I am girl, so I have mental disorder»), per rivendicare la propria identità, per rifiutare ogni imposizione («I am not your sister, I am not your friend / I am full of anger, full of violence, and then»).

Militante e identitaria, Princess Nokia prende a schiaffi l’ascoltatore immergendolo in una realtà amara, cruda, reale e sprigionando un’energia molto potente.

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Rivers of Nihil: Water & Time

Genere: 🤘Metal

di Francesco Eandi

Dice il chitarrista Brody Uttley che prima di chiamarsi Water & Time questo pezzo era stato internamente battezzato come TFF, acronimo di Tears for Fears, tra le band simbolo di un certo synth-new-wave-pop che andava alla grande negli anni ‘80. E tutto questo perché i primi trenta secondi partono con drum machine e tastiere, combo che per una death metal band può suonare in effetti un po’ guilty pleasure.

La verità è che per i Rivers of Nihil il death metal tecnico è sicuramente la cifra principale del proprio sound, ma certo non l’unica: gli innesti del sax di Patrick Corona (presente anche in questo brano) e le collaborazioni con altri musicisti (banjo, violoncello) assieme alla scelta di dare più spazio alle clean vocals (complice anche la cacciata del cantante precedente, Jake Dieffenbach) consentono di annoverare la band americana sotto il grande cappello del progressive, se non altro in termini di attitudine – che poi è un po’ l’unica cosa che conta, quando si parla di progressive.

Water & Time è un pezzo notevolissimo in cui gli americani riescono a tenere assieme tutte le loro spinte centrifughe senza perdere in efficacia: grandi riff, grande apertura melodica del ritornello, gli assoli di sax e di chitarra, la potenza della doppia cassa e la quiet desperation (per dirla con i Pink Floyd) che permea tutto il brano. Nel corso dell’ultimo disco (il quinto, omonimo) non riescono sempre a rimanere su tali livelli, e da questo punto di vista Where Owls Know My Name del 2018 rimane insuperato – ma qui ci regalano cinque minuti e mezzo di goduria. Se non siete troppo tradizionalisti, approfittatene.

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The The (feat. Gillian Glover): Unrequited

Genere: 🎸Rock

di Simone Fiorucci

L’amichettismo ha fatto anche cose buone, tipo questa.

Mi immagino già un recente pranzo di famiglia a casa Johnson: tra un boccone e l’altro, Gerard sta descrivendo una scena del suo ultimo film a tema marciume del capitalismo moderno, mentre il fratello Matt già picchietta con la forchetta sul tavolo tenendo il tempo e canticchiando sottovoce il tema di questo funkettino lascivo che ci sta come il cacio sui maccheroni. Ok, forse dovremmo dire “come la salsa gravy sul sunday roast”, ma tant’è.

Sì, perché se Odyssey è una (e ci mancherebbe altro) odissea di black humor attraverso l’avidità, il decadimento morale e la malata architettura economica della Londra attuale, la colonna sonora a firma The The suona come se qualcuno stesse leggendo sottovoce il business plan di quello stesso collasso.

Fin dal giro di synth iniziali di Unrequited, capiamo che qui le emozioni non si mettono in affitto, ma vanno comunque in recessione: tappeti di atmosfere (appunto) inquiete più che inquietanti e sprazzi di elettronica minimale creano un panorama dove il desiderio e la nostalgia di qualcosa o qualcuno che non ci ricambia manco per sbaglio perdono il loro lato sentimentale, anzi, sono quasi automatizzate. Il basso pulsa con il ritmo del battito di un agente immobiliare che non sa dove andare a battere la testa per pagare il mutuo di casa sua, l’assolo di chitarra arriva storto e non richiesto come la volatilità di uno stock ad alto rischio, e la voce di Gillian Glover si aggiunge delicatamente trattenuta, a giocare il ruolo del sospiro di sollievo di uno che, dopo anni passati a cantare la lenta implosione dell’umanità, finalmente ha deciso di farsi dare una mano a portare le cattive notizie.

A leggere il testo (magicamente rattoppato a partire da non più di dieci parole diverse, ripetute e variate in tutte le loro possibili combinazioni) si parla d’amore non corrisposto, a guardare il film si trasla il concetto – facendo il passo, concettualmente, forse più lungo della gamba – nella melma incravattata dell’alta finanza che va a puttane. Comunque sia, alla base del tutto c’è una non-comunione d’intenti, un dialogo a suon di due di picche, il fraintendimento globale che nutre da sempre quella seduta spiritica farsesca (dove il rammarico per le occasioni mancate è il medium) che è il riuscire a essere vivi al giorno d’oggi, alla faccia dell’inflazione.

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Chat Pile & Hayden Pedigo: Radioactive Dreams

Genere: 🎶Altra musica 🪕Folk

di Giuseppe Rapisarda

Da una parte i Chat Pile con la loro attitudine sludgecore, dall’altra il folk desertico del texano Hayden Pedigo. Il fondale su cui si svolge questa narrazione comune è l’America di provincia: quella dei predicatori che sputano parole di salvezza dalla TV, ma anche l’America di sperduti motel a ore per chi vuole passare la notte o anche soltanto, come in un libro di Nic Pizzolatto, per sedersi sul letto con le finestre spalancate ad attendere l’arrivo dell’Apocalisse.

Il nuovo In the Earth Again, a firma congiunta, nasce da una visione condivisa del mondo e della sua traiettoria di auto-annientamento. Hayden rappresenta in qualche misura un contrappeso alla ferocia massimalista della band dell’Oklahoma, liberandola dagli schemi. Il risultato è simile a una sostanza di blues deturpato come un fluido tossico che avvelena le vite facendo loro sentire tutto il peso delle scelte sbagliate.

Radioactive Dreams sintetizza alla perfezione le coordinate di questo progetto anomalo ma, nello stesso tempo, del tutto coerente. Il tema ricorrente è quello della solitudine e dello smarrimento di fronte a un destino che pone fine a tutto. Nel video diretto da Riley Stearns si vede lo stupore negli occhi di una ragazza che guarda stranita la realtà come fosse la prima volta, restandone disorientata. La musica è puro senso di declino, come la voce di Raygun Busch, attraversata da una disperazione ferma, quasi svuotata da ogni sentimento: «So I′m sitting now half in the earth / With the ghosts of my friends / And the ghost of the world». Per i cuori di tenebra niente è più dolce che respirare il vento che anticipa l’arrivo della tempesta.

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Vile Mind: Survivor’s Guilt

Genere: ✊Punk

di Maximiliano Bianchi

A partire dalla fine degli anni Novanta, intere comunità degli Appalachi – la spina dorsale montuosa che dalla Pennsylvania alla Georgia divide la costa orientale degli USA dal Midwest – sono state sbriciolate dall’epidemia degli oppioidi. La brutale ingordigia delle case farmaceutiche ha inondato di antidolorifici a base di ossicodone zone già afflitte da storici problemi di disoccupazione, bassa scolarità e alcolismo. Generazioni, giovani e adulte, rese dipendenti dai farmaci, hanno fatto da inconsapevole cavia prima della diffusione in tutti gli Stati Uniti dove i morti dal 1999 al 2017 sono stati più di 600.000.

In Europa lo abbiamo visto negli ultimi anni attraverso le serie tv – come Dopesick e Painkiller – ma i Vile Mind, gruppo punk hardcore da Huntington in West Virginia, lo hanno sperimentato sulla propria pelle avendo dovuto seppellire un numero enorme di amici e conoscenti: il West Virginia, appunto, è stato l’epicentro di questa strage in nome del profitto con i tassi più elevati di overdose e più di 30.000 decessi nel solo 2015. Intervistato dal podcast Terror Zone, il cantante Nate Holley racconta come con la crisi degli oppioidi la scena musicale di Huntington si sia dissolta e per dieci anni ci sia stato solo un deserto di depressione e lutti, generando un senso di colpa in chi è sopravvissuto. Di questo parla il testo della loro Survivor’s Guilt quando Nate urla che sa a che cosa serve ora la sua vita: a dare voce a chi urlare non può più. Influenzati dalla grinta e dal groove della scena NYHC degli anni Ottanta – Madball, Merauder, Cro-Mags e Agnostic Front – il loro Appalachian hardcore nasce da un’esperienza e da un bisogno reali, con il preciso intento di rivitalizzare la scena locale.

Per questo motivo il gruppo ha contribuito a creare l’Huntington Music Collective, un movimento genuinamente DIY che organizza concerti hardcore in un luogo al sicuro da alcol e droga e dove molti dei kids che lo frequentano hanno perso i genitori per overdose da oppioidi. Un gruppo che sa come usare positivamente la propria rabbia, rivendicando anche l’eredità delle lotte sindacali degli Appalachi. Perché in West Virginia, un secolo fa, c’è stata la più grande insurrezione dalla guerra civile americana: la battaglia di Blair Mountain, quando le compagnie minerarie arrivarono a noleggiare aerei privati per sganciare bombe artigianali sui minatori in sciopero.

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Give Up to Failure: Following You

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

Attivo da cinque anni, il quintetto di Breslavia Give Up to Failure ha già all’attivo due ottimi album, ai quali va ad affiancarsi l’EP uscito quest’anno da cui è stato tratto il singolo Following You. Le coordinate stilistiche dei nostri rimangono le medesime, post-rock e shoegaze come stendardi e una certa dose di post-metal a mo’ di badge, che regala al tutto una freschezza compositiva inedita in grado di farli risaltare sopra la massa.

Musicisti eccelsi, i polacchi si confermano anche fini arrangiatori, in grado di regalare al brano diverse nuances ben distinte tra loro che riescono però a fondersi in un unicum, come pennellate d’intensità variabile che regalano al quadro profondità e spessore. Ogni passaggio è completamente al servizio della canzone, nessun membro cerca di sopraffare il prossimo né si mette sotto il riflettore: è una band completamente dedita al suono nel suo insieme, cosa non (più?) comune in una scena che sta tendendo un po’ troppo alla semplificazione di alcuni cliché.

Stilisticamente trasversale, il pezzo sa farsi amare anche da chi non è avvezzo al genere, grazie a un songwriting di tutto rispetto e a una spiccata capacità di coinvolgere l’ascoltatore. Una perla nascosta nei vicoli di Wrocław: vale la pena andarla a scoprire.

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Faetooth: Hole

Genere: 🤘Metal

di Vasco Viviani

Jenna Garcia, Rah Kanan e Ari May sono perfette rappresentanti del melting pot losangelino. Come Faetooth sono ormai attive dal 2019, periodo nel quale hanno messo a lucido il loro stile musicale, denominato fairy doom. Hole è un’ottima rappresentazione della loro musica, insieme dolce, pesante e inquietante.

Altrettanto inquietante è la maniera con la quale sono venuto a conoscenza della loro esistenza. Dall’estate sono state un post sponsorizzato sulla mia pagina Facebook e non c’è stato verso, ignorandolo, di vederlo scomparire. Apprezzando l’operato di The Flenser non dubitavo delle loro capacità, ma per principio ho tenuto duro qualche mese prima di ascoltarle. Ho fatto bene.

Un brano intenso, che scava dentro di sé, trascinando in un baratro allo stesso tempo elegante e terribile. Verrebbe da pensare alla stregoneria, a riti misteriosi e alle versioni cupe e horror di alcune fiabe. Di suo il terzetto ci mette la capacità di costruire un’atmosfera perfetta, di alzare la tensione e di sputare fino all’ultimo verso, gonfiandosi così come sale la massa strumentale di Hole.

Sempre più giù, fino alla fine.

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Idle Heirs: Rare Bird

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

«In un mondo senza malinconia gli usignoli si metterebbero a ruttare» diceva Cioran, e non crediamo che – nonostante bazzicasse territori filosofici di certo non particolarmente allegri – conoscesse bene il mondo del post-metal. Scusate, no, non abbiamo trovato citazione migliore per introdurre uno di quei pezzi che, appena l’abbiamo sentito, ci è rimasto subito nel cuore. Per urla, malinconia e rabbia effervescente. Ma andiamo con ordine.

Bentornato, Sean Ingram. Lo avevamo sentito ormai in tempi non sospetti con i suoi mitici Coalesce (che si sono riuniti proprio quest’anno) ma abbiamo gioito – per davvero – quando abbiamo ascoltato il primo album del suo nuovo progetto, sempre sotto l’egida della Relapse: gli Idle Heirs. Tra i pezzoni che spiccano in questo compendio di post-hardcore, post-metal e shoegaze che è Life Is Violence (che è già un programma vacanze), c’è sicuramente Rare Bird, che un po’ ci piace pensare possa essere la summa di questo debut album (anche se dentro, oltre a un veterano come Ingram, c’è anche Josh Barber, musicista e produttore di culto della Kansas City Area, non proprio di primo pelo). Badilate di malinconia testimoniano che fortunatamente, al mondo, c’è il canto degli usignoli, se non altro per ricordarci che si può ancora percepire il tutto che gira intorno in modo che non sia totalmente distruttivo, ma anche terribilmente affascinante.

Gli Idle Heirs non cercano di impressionare o sperimentare quasi nulla, riproponendo – tutto sommato – quello che abbiamo già sentito da Converge e Cult of Luna, ma, inevitabilmente, l’efficacia di questi pezzi ci fa godere di tutti i soldi che abbiamo speso in giro per i festival di musica pe(n)sante. Il pezzo si muove con la grazia dimessa del post-metal più introspettivo, ma senza la pretesa dei grandi crescendo: qui siamo dalle parti del minimalismo che sa dove colpire, quello che ti penetra nel fianco sinistro senza chiedere permesso o dire buonasera. La produzione è lucida solo in superficie, giusto per essere al passo con i mood: ma sotto c’è un fondo sporco, un riverbero shoegaze, un tremolio di amplificatori che sembra raccontare cosa succede quando lasci che la tua anima prenda polvere troppo a lungo. È un sound che non cerca tanto la violenza sonora, come in realtà il titolo del disco suggerirebbe, ma brama direttamente la trascendenza. Soprattutto quando, come nel video, ci sono sette personaggi che sembrano in stato di grazia, benedetti dal dio pagano evocato, ormai quasi trent’anni fa, da una scintilla chiamata Neurosis.

Rare Bird è una piccola elegia per tutti gli esseri disallineati: per chi vola male, per chi vola basso, per chi vola fuori tempo con le ali di altri. Eppure, in un’epoca in cui sia il post-metal che l’indie rock si vestono da showroom, un pezzo che sceglie di mostrarti le sue crepe invece delle sue pennellate di fard è davvero, ironicamente, raro.

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Earl Sweatshirt: TOURMALINE

Genere: 🎤Hip Hop

di Giampiero Pelusi

«Both ears ringin’, ears ringin’ with your love». Quanto vorrei abbracciare Earl Sweatshirt, Dio solo lo sa. Un po’ perché l’ex Odd Future ha sempre punzecchiato i lati più tormentati della mia anima, un po’ perché, finalmente, ce l’ha fatta: a gettarsi dietro alle spalle un passato di angoscia, a frantumare i ricordi violenti e psichedelici, a conficcare una croce appuntita sul demone della depressione grazie a una singola cosa: l’amore di una famiglia.

TOURMALINE, guarda caso, pare il suono del crepuscolo che trafigge le persiane socchiuse, l’odore del tè sui fornelli mentre l’aria tutt’attorno si gonfia di grida fanciullesche e risate accorate: così come la tormalina nera che protegge dalla negatività, Earl Sweatshirt decide di sfregare con delicate carezze le guance della moglie Aida e della sua primogenita, tramutando quel contatto in una sorta di ringraziamento alla vita.

I tempi di Doris sono ormai vecchie burrasche nei ricordi, in TOURMALINE regna un beat dal tepore primaverile, conscious rap che, però, indaga nell’intimo di chi ha trovato una via per reindirizzare la propria vita – «You’re not afforded recourse, of course I had to reroute».

Earl rappa nel chill, cavalcando una calma che pare una conquista silenziosa: uno dei pezzi più sentiti della sua discografia, istantanea fluttuante di una placida serenità voluta e trovata.

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The Cameras: Paper Cuts

Genere: 🌟Pop

di Emanuele Podda

A poco più di un anno dal ruvido esordio garage psych con l’EP All Your Friends, il quintetto di Minneapolis The Cameras è tornato lo scorso febbraio con il singolo Paper Cuts, una gemma sunshine pop di rara bellezza che sembra esser stata estratta da una capsula del tempo seppellita in California nel 1967.

L’architettura sonora, sorretta da un pianoforte cristallino e da un organo avvolgente, è inframezzata da sezioni in cui gli ottoni prendono il sopravvento donando al pezzo una grandezza quasi orchestrale. Per quanto il paragone possa sembrare ardito, basta premere per la prima volta il tasto PLAY per rendersi conto di come, a livello di arrangiamento, non siamo lontani dalla complessità armonica dei Beach Boys di Pet Sounds o dall’eleganza barocca degli Zombies, cosa che dimostra una cura maniacale per il dettaglio da parte della band, merce rara nel sottobosco indie odierno.

Tuttavia, questa superficie musicale levigata e solare racchiude un testo che narra di piccole ma costanti lacerazioni emotive. I “tagli di carta” evocati nel titolo sono metafora di quelle ferite superficiali ma brucianti che logorano l’intimità di coppia quotidiana. In questo senso, la melodia rassicurante agisce come un potente anestetico che permette di tollerare una realtà relazionale altrimenti insopportabile. I Cameras non ci offrono dunque un’illusione, ma una forma di catarsi, trasformando il trauma quotidiano in una melodia così perfetta da permetterci di accettare il dolore come parte inevitabile, e persino bella, dell’amare.

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La Niña: Guapparìa

Genere: 🪕Folk

di Francesco Eandi

L’hanno definita una via di mezzo tra Teresa de Sio e Rosalía: come spesso succede, i paragoni tra artisti sono limitati e limitanti (perché non un ibrido tra Lina Sastri e Sandra Sangiao?), ma in qualche modo rendono l’idea.

A metà degli anni Dieci Carola Moccia era “solo” una bella voce migrata da Napoli a Milano assieme al produttore e musicista Alfredo Maddaluno, entrambi con l’obiettivo di sfondare grazie a suoni elettropop e testi in inglese. La cronaca registra un dimenticabile disco del 2016 a nome Yombe, dopo il quale i due tornano a casa (“lontan de Napoli se moeur”, come dicono sotto la madonnina) dove riscoprono la consapevolezza delle radici: addio inglese, benvenuto dialetto. È il 2021, nasce La Niña, ed è un successo.

Un EP e un disco più tardi, a gennaio di quest’anno esce Guapparìa, singolo che anticipa il terzo capitolo del progetto, a nome Furèsta. È un ulteriore salto nella tradizione musicale mediterranea, sia a livello melodico che di strumenti: chitarre, tamburelli, nacchere, mandolini, violini. Carola Moccia ha dalla sua la voce (notevole), liriche intelligenti, un’indubbia sensualità e un’altrettanto indubbia capacità di cavalcare il trend del ritorno alle parlate locali senza risultare posticcia. Bellissimo il video, che pare girato da Sorrentino e invece no: anche quello è del duo Moccia-Maddaluno.

La Niña fa sembrare tutto incredibilmente fresco e pulsante, in grado come è di attingere all’enorme patrimonio melodico mediterraneo senza plagiarlo, ma reinterpretandolo in chiave personale e contemporanea. Nota: a luglio di quest’anno, Furèsta ha vinto la Targa Tenco come miglior album dialettale.

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James Senese: Metropolis

Genere: 🎶Altra musica

di Fabio Piccolino

Cosa ha rappresentato James Senese per il nostro paese lo racconta la sua storia personale, a partire dalla sua doppia appartenenza a cavallo tra Napoli e gli Stati Uniti e dal suo amore per la musica, le sperimentazioni, le innovazioni. Dal jazz al blues, passando per il rock e tante delle sue derivazioni, da solista o con le sue numerose band (su tutti i Napoli Centrale) nella sua lunghissima carriera ha partecipato alla vita culturale della sua città da protagonista e portando ovunque la sua voce e il suono del suo sassofono.

Infinito e indefinito è anche il numero dei suoi album, che ha continuato sempre a produrre nel corso degli anni. Sarebbe troppo facile dire che l’ultimo, uscito pochi mesi prima della sua scomparsa, rappresenti il suo testamento sonoro, ma la verità è che Senese ha fatto sì che la sua musica divenisse universale sulle migliaia di palchi in cui è salito nel corso della vita, per le migliaia di persone che lo hanno sentito in concerto, o per tutti i musicisti, tantissimi, che con lui hanno condiviso un pezzo di strada. Perché il suo ricordo rimanga impresso, non c’è altro da fare che suonare ancora la sua musica.

Metropolis è la giusta ballata per rendergli omaggio: il suo sax al centro della scena a disegnare una melodia malinconica che cresce di intensità, l’atmosfera elegante e incisiva, il suono moderno eppure senza tempo. James Senese non c’è più, ma la sua musica continuerà ancora.

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Femminismo di tendenza o tendenza al femminismo? Questa l’amletica questione quando si parla di Sofia Isella, sul cui talento pop (e non solo pop) non si discute. E comunque, sarà un caso, ma in questa ultima Weekly dell’anno (eh già, ascoltatela bene perché poi ci rivediamo nel 2026!) il gentil sesso la fa da padrone. Abbiamo detto “padrone”? Eccovi allora una che appunto tanto gentile non sembra: Sampa the Great, di nome e di fatto, che insieme alla sorella Mwanjé ci pianta sul muso un pezzo massiccio come non mai. E poi, ve li ricordate i Lamb? Chissà che fine hanno fatto, ma intanto Lou Rhodes se la spassa con il compositore Rohan Heath dietro il nome di Kiiōtō. Polly Mackey invece parte alla ricerca di sé stessa come Art School Girlfriend, mentre Aoife Anson-O’Connell ci mette del suo per rendere il tiro dei pezzi dei Westside Cowboy spigliato ed efficace.

Per il resto, per augurarvi Buone Feste (si fa per dire) chiediamo aiuto a gente che sembra non essere dell’umore giusto, tipo i Metal Church e i Car Underwater o, per altri versi, Mai Mai Mai. Ma diciamo grazie anche al folk sospeso di Marco Giambrone a.k.a. Silent Carnival e alle nostalgie country di Stephen Wilson Jr.

Art School Girlfriend: The Peaks

Genere: ⚡Electro 🪕Folk

di Giampiero Pelusi

Polly Mackey passeggia trafiggendo il freddo di scorci naturali inglobati da un silenzio surreale: Art School Girlfriend, come ben sappiamo, incarna il solo project come riscoperta di se stessi. Il denudarsi (psicologicamente) e il riscoprirsi vulnerabili quando si è da soli, ora non più nella circoscrizione di una cameretta, bensì nell’ampio respiro della natura.

Già L.Y.A.T.T. ci metteva in risonanza con le frequenze dell’acqua, gorgogliante di un electro-pop che sbirciava in casa della gallese Kelly Lee Owens, facendo sobbalzare sui beat dichiarazioni d’amore essenziali.

In maniera ben diversa agisce The Peaks: la Mackey prosciuga le esuberanze sonore, imbrigliando la traccia a un cotonato ambient folk dall’elettronica risicata – dream pop partorito da nubi fosche, ma innocue. Le percussioni si disfano nel vento, i synth glitchati scaricano come deboli fulmini a distanza di chilometri, le vocals ondeggiano e tremano di fragilità e resilienza («Frame the mountains you like / I wanna give you the peaks / Don’t slip / Hold me») in una traccia debitrice di Ex:Re e Not for Radio, che fa dell’ariosità il suo punto focale – qui arrivano in aiuto le gentili distensioni electro dei Moderat.

Tanto (apparentemente) scarna, quanto intensa, The Peaks sussurra e urla al contempo, messaggera di un Lean in (in uscita il prossimo marzo) che sembra aver già individuato anticipatamente il suo apice emotivo.

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Car Underwater: Calling This Healing

Genere: 🎸Rock 🤘Metal

di Giampiero Pelusi

Il riffino-arpeggino malinconico che apre Calling This Healing, primissimo singolo dei Car Underwater, mi è arrivato come un bilico dritto in faccia. «Non ce la faccio, troppi ricordi» – Aldo, Giovanni e Giacomo hanno un repertorio di citazioni applicabili alla vita reale che Sant’Agostino lèvati proprio – e il motivo è che la prima testimonianza dei losangelini trasporta con sé scampoli di (mia) fanciullezza, di rock di inizio millennio, di Smackdown e di “don’t try this at home” perennemente ignorati.

Ma accantonate le vagonate di sentimentalismi, i Car Underwater – Armor for Sleep chiamati palesemente in causa – sembrano ripescati direttamente dal 2001, dalla heavy rotation di MTV o da una soundtrack di qualche videogame à la Destruction Derby.

Ragion per cui Calling This Healing spinge il sound dei californiani a ritroso: il dualismo clean/scream dell’emocore riveste incendiario una traccia dinamica nei suoi repentini contraccolpi, tra riff aguzzi post-core e melodie simil pop punk.

Avete presente quel discone che è Full Collapse dei Thursday? Beh, probabilmente Calling This Healing non avrebbe sfigurato lì dentro, anzi. Se poi tra le bordate risuonano anche Jimmy Eat World e i Funeral for a Friend di Hours, direi che l’operazione nostalgia è di quelle ben riuscite.

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Kiiōtō: Butterfly

Genere: ⚡Electro 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

Elegante è ciò che risulta scomodo per l’aratura: questo il significato originario dell’aggettivo che ci sentiamo di affiancare al nuovo singolo dei Kiiōtō. Perché? Semplice: è una composizione bella, curata nei dettagli, che difficilmente potrebbe risultare altrettanto efficace se fosse stata interpretata in maniera più grezza e sporca. Qui si gioca su sfumature e dettagli, cercando di curare un karesansui piuttosto che un (pur rispettabile e dignitosissimo, nonché utile) campo di patate. Questa è la dimensione in cui il duo, formato dalla splendida voce di Lou Rhodes dei Lamb (che a questo punto sembrano essere in pausa prolungata a tempo indeterminato) e dalle composizioni pregne di minimalismo barocco del pluripremiato compositore Rohan Heath, preferisce muoversi.

Già con il bellissimo debut del 2024 avevano dimostrato quanto questa inaspettata collaborazione potesse regalare altri tasselli nel mosaico della musica di qualità, ma se le premesse del prossimo album in uscita (Black Salt) sono quelle mostrate nel singolo apripista Butterfly, è probabile che i Nostri riescano a superarsi a mani basse.

Notevole anche il peso delle liriche, una nemmeno troppo velata accusa nei confronti non solo degli uomini assetati di denaro e di potere, ma anche delle giovani donne disposte a tutto pur di legarsi a personaggi simili, nella ricerca di un’affermazione effimera, che abbaglia, lasciando però poi a bocca asciutta, con anima e dignità fatte a pezzi.

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Mai Mai Mai: Grief

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Il rischio, con un brano come Grief, è quello di confondere la bontà di un progetto con la linea etica e culturale che questo progetto segue. Fortunatamente nel caso di Mai Mai Mai (qui accompagnato dalla musicista e cantante palestinese Maya Al Khaldi) non ci sono dubbi né zone grigie: il primo estratto dal suo prossimo disco Karakoz (ideato e nato proprio in quella lingua mediorientale) è ancora una volta un brano centrato e magnetico.

Le voci, le frequenze, il rintocco degli strumenti acustici, l’atmosfera sembrano perennemente mischiare tradizione, sperimentazione e strani rituali e preghiere. Grief è un brano che non appare tanto lenitivo quanto intenso, un portale affinché queste emozioni e questi sentimenti possano esprimersi attraverso il suono. Non raggiungendoci, bensì facendoci volare direttamente in loco, e sentire sulla nostra pelle un mondo e una vita impossibili da immaginare.

Un dolore che si trasforma in musica abbattendo le distanze, chiedendoci di fermarci, ascoltare e pensare a dove e come: un insieme di suoni e voci che ci entrano sotto pelle e che, ancora una volta, non possiamo far finta di non sentire.

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Metal Church: F.A.F.O.

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

Troppo duri per essere semplicemente heavy metal e troppo poco spigolosi per essere thrash, i Metal Church hanno – ingiustamente – vissuto in un limbo che non li ha mai fatti veramente risaltare nel florido mercato degli anni ‘80. È un peccato, perché sicuramente avrebbero meritato di più (anche rispetto a band molto più blasonate), ma tant’è.

Tornano oggi con una formazione rimaneggiata, dove tra tutti spicca David Ellefson, ex Megadeth, uno dei bassisti migliori della sua generazione, che ormai da troppi anni sta subendo un backlash puerile per questioni strettamente private (bisognerebbe, una volta tanto, lasciarsi alle spalle i meme idioti e tornare a parlare di musica). Con lui Ken Mary dietro le pelli (ex Flotsam & Jetsam), Brian Allen dei Vicious Rumors alla voce, oltre alla coppia d’asce storica formata dal fondatore Kurdt Vanderhoof e dal sodale Rick Van Zandt.

Ed è qui che la cosa si fa interessante, perché il nuovo singolo dei Metal Church risulta davvero convincente sotto ogni punto di vista: questi vecchietti riescono a far convivere diverse tipologie di songwriting, facendole confluire verso una canzone spacca-ossa, cantata come si deve, prodotta come si deve, eseguita come si deve. Come dire, cazzuta e tosta.

Varrebbe dunque la pena, per chi non li avesse mai approfonditi, usare questo nuovo singolo come galvanizzante punto di partenza per poi andare a ritroso alla ricerca della loro discografia, assolutamente non avara di buona musica fatta bene.

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Sampa the Great (feat. Mwanjé): Can’t Hold Us

Genere: 🎤Hip Hop

di Vasco Viviani

Sampa the Great è sempre riuscita a lavorare su mix che comprendessero tradizione, rabbia, stile e sguardo lungo. Due album che sono piccoli gioielli e un ritorno con un brano, Can’t Hold Us (con la sorella e collaboratrice abituale Mwanjé), che promette furore.

Un suono che unisce una sorta di coro greco, voci giovani e una facilità nel rappare che connette l’old school e un livello di funk da pesi massimi. Il basso non smette di vibrare, il beat è dritto e a Sampa non resta altro che buttarsi a rimare, tirando il fiato il minimo sindacale per mostrarci la qualità delle sue linee vocali soul e poi ricominciare. Così facendo, fa crescere continuamente la tensione e l’intensità di un brano che, un giro dopo un altro, si dimostra come i pezzi più veementi di quest’autunno.

L’impressione è che forse l’artista per metà zambese e per metà australiana sia vista come un’outsider data la sua provenienza, ma raramente negli ultimi anni abbiamo sentito brani più massicci e integri dei suoi. Forse il suo rifuggire dal classico ritratto hip hop ne ha nascosto il talento innato, ma in quanto a rime e a groove siamo niente meno che al top. In più, ha fantasia e colore, gioca con i generi e non ha paura di sperimentare: cose di cui certo non possiamo farle una colpa.

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Silent Carnival: Ready to Drop

Genere: 🪕Folk

di Vasco Viviani

Non è sempre evidente capire da dove nascano le canzoni e cosa racchiudano nell’esperienza personale dei propri autori. Pur conoscendo molto bene artisticamente Marco Giambrone (fulcro attorno al quale il progetto Silent Carnival si è sviluppato, qui in compagnia di Alfonso De Marco e Marcella Riccardi), questo titolo, le sue parole e le sue atmosfere mi impressionano, al punto di sentirmi quasi sull’orlo di un baratro con lui. Una sensazione di instabilità e di perenne movimento che potrei definire ungarettiana: cori come fasci di vento e ritmi come rami percossi.

Il folk rock a volte può addentrarsi in territori remoti e interiori, mettendosi a nudo e costringendoci a stare accanto alla nostra guida, al nostro cantore. Ready to Drop è un brano che sembra pulsare con strumenti antichissimi, provenienti quasi dalla notte dei tempi, fino a creare una cadenza che possa farci da guida. Lo si segue in silenzio, senza sapere cosa potrà succederci, ma fidandoci della sua decisione e della sua costanza.

Non potrà esserci che silenzio al termine di tutto questo, ma forse, ascoltando a fondo con il cuore e scrutando l’orizzonte, troveremo una direzione al termine della nostra lenta ma inesorabile caduta.

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SOFIA ISELLA: Above the Neck

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Con una manciata di singoli e ancora nessun full length, la cara SOFIA ISELLA (che vuole sempre si usi il maiuscolo) è già salutata come “the next big thing”. Una che, non a caso, ha infatti già aperto i tour che contano (un nome e una venue a caso: Taylor Swift a Wembley). Nella sua bio – con quel «A SLUT FOR WORDS» che sembra gettato lì come brandello di provocazione autoironica o dichiarazione poetica – e nei suoi testi c’è un messaggio chiaro: lei è donna, ed è arrabbiata con i maschietti. Così, dopo alcune prove assai convincenti (una su tutte The Doll People, dove aleggia il grande spirito di Fiona Apple), molti l’hanno già celebrata come “nuova stella del femminismo pop”: un’icona che porta con sé la promessa di una rivoluzione culturale.

In lei – si legge in giro – vivrebbero le istanze generali della parità, dell’empowerment, del riscatto e tutte quelle belle cose che, però, ci fanno ormai dire, sempre all’interno del nostro contesto musicofilo: femminismo di tendenza o tendenza al femminismo? Siamo sempre di Los Angeles, non certo della sperduta provincia dell’ancient monde, come fossimo in un romanzo del neo-premio Nobel Krasznahorkai. E Los Angeles, si sa, immersa in ogni distrazione sensoriale del pianeta, a patto che si abbia il grano, è un luogo dove la solitudine diventa estetica, dove il dolore si mette il fondotinta e dove ogni artista sembra specializzarsi nell’arte di rimanere intatto mentre lentamente si sfalda.

Non siamo infatti lontani dal solito mood delle estetiche curate, dei vestitini dark, dalle posture da bad bitch, o dalle rivendicazioni generiche confezionate per essere rivendute su TikTok. Conosciamo tutti ormai quello che è diventato il fast-femminismo: un’onda utile, sì, ma anche profondamente addomesticata. Ma operazione estetica, di marketing che sia, il fenomeno che qualcuno chiama “capitalismo viola” – ovvero l’adattamento delle istanze femministe a logiche consumistiche, dove la parità serve a vendere, non a cambiare – si offre però in tutta la sua forza specifica in un singolo come Above the Neck, che conferma le buone speranze (nel senso musicale, naturalmente) che riponiamo nell’artista losangelina. Isella ha infatti una teatralità che non sembra ereditata da nessuna scena precisa: troppo affilata per il dream pop, troppo controllata per il post-punk, troppo cinica per l’indie di base. Above the Neck si muove infatti in un territorio di mezzo, fatto di pulsazioni sintetiche nervose, chitarre che vagano libere di fare rumore ed eccedere dall’armonia canonica del pop e di un basso dei vecchi fasti industrial. Non a caso uno degli artisti citati tra i miti della ragazza è proprio Trent Reznor.

Certo, è un dato di fatto che la disparità di genere nella musica non è scomparsa: studi sull’industria musicale mostrano come le donne rappresentino una netta minoranza fra autori/compositori e che la visibilità mediatica spesso si concentri sulle stesse poche figure cannibalizzando le nuove promesse. E in questo senso, una Sofia Isella che produce da sola, gestisce un’etichetta, scrive, suona e produce è ammirevole, e probabilmente necessaria. Soprattutto se l’effetto complessivo ti fa sentire comunque un po’ punk per davvero, senza che l’effetto sia il revival del solito sound di Anarchy in the UK. Si resta, infatti, nei canoni del pop più raffinato e altezzoso. E ben ci si sta.

In altre parole: se il nemico da combattere nei testi della Isella non è solo il “pene altrui” ma una cultura più ampia di ipocrisia, mercificazione e superficiale pregiudizio, allora la domanda diventa: chi prova davvero a cambiare le regole del gioco, e chi semplicemente le usa per costruire un marchio? In questo senso, ci piace pensare che Above the Neck possa essere ascoltato come un esercizio ben riuscito di stile, di identità, di spirito punk per tutti e contro tutti.

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Stephen Wilson Jr.: Gary

Genere: 🪕Folk

di Fabio Piccolino

America rurale, operaia, volenterosa, determinata, dove sei finita? Stephen Wilson Jr. si interroga sul presente guardando al passato, a un mondo che forse non esiste più, attraverso la storia di Gary, archetipo del ragazzo tuttofare di quel tempo ormai andato in cui bastava poco per vivere, ogni cosa era preziosa e niente veniva davvero buttato se si poteva riparare.

Non ci sono più ragazzi che si chiamano Gary, riflette il cantautore statunitense, proiettato con nostalgia alla propria infanzia, mentre intorno tutto cambia e le nuove generazioni sembrano del tutto differenti da quelle che le hanno precedute.

Una metafora che intercetta anche il desiderio di una maggiore autenticità e che in effetti è il tratto distintivo delle sue produzioni musicali: la semplicità del giro di chitarra, il coinvolgente crescendo, l’incisività delle parole. E in primo piano la sua voce, calda, accogliente, intensa, ad accrescerne la potenza e amplificarne la forza espressiva.

Il country, del resto, non è una musica dalla quale potersi aspettare dirompenti elementi di novità, quanto piuttosto un luogo sicuro dove ritrovare le proprie certezze.

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Westside Cowboy: Can’t See

Genere: 🎸Rock

di Fabio Piccolino

Tra le tante funzioni che gli esseri umani hanno attribuito alla musica, c’è anche quella di fare da motore per un bisogno straordinario di energia e motivazione. Canzoni che non soltanto danno la carica, ma che spronano chi le ascolta a fare di più e meglio. Non è necessario essere giovani e ambiziosi come i Westside Cowboy per avere l’energia mentale adatta a questa condizione, ma di certo l’età e lo spirito della band inglese aiutano moltissimo.

Can’t See tocca proprio quel tipo di note: il tiro spigliato, i riff efficaci, il ritmo veloce e dinamico e un testo che invita a provarci, comunque vadano le cose: «The world is waiting for you / You don′t need a head start».

Meno di due minuti e mezzo che aggiungono un altro elemento alla loro piccola storia, già piena di importanti traguardi: l’esibizione al Glastonbury, i concerti in giro per l’Europa insieme a nomi del calibro di Blondshell e Black Country, New Road (e presto anche Geese), un apprezzato EP, un pubblico sempre in crescita e tanta curiosità per il futuro. Basi che cominciano a essere decisamente solide.

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È già tempo di addobbi natalizi, che ve lo diciamo a fare?

Ecco allora che Lucio Corsi, in omaggio alla migliore (o peggiore?) tradizione pop mainstream, fa il Michael Bublé della Maremma nostrana e ci regala la sua canzoncina impacchettata. Prendiamo, portiamo a casa e la mettiamo tra la statuina del Bambin Gesù e quelle delle Satin Puppets, marionette impalpabilmente gotiche che recano la buona novella a ritmo di dark cabaret. Poco più in là, un redivivo Scott McCloud strimpella per i pastori in attesa, mentre i dTHEd guardano allo spazio futuribile in cerca di una stella cometa digitale e le ĠENN scandiscono la catena di montaggio degli elfi di Babbo Natale a ritmo pop rock. Il tappeto sonoro è di Roberto Galati e Francis Gri, giusto per creare l’atmosfera.

Certo, come sempre poi c’è anche chi non è nel mood giusto e vorrebbe rompere le uova nel paniere (o anche qualcosa di più grosso). È il caso dei Converge (per i quali tutto questo amore non è abbastanza), dei MISFIRE (post-grunge rampante della serie “I hate Xmas and I want to die”), dei Party Dozen (sparati a palla in faccia al bue e all’asinello), e Adil Coralic e Manu Kann (che insieme si fanno chiamare Terre e offrono in dono un rap francofono e narcotico – più da quaresima, diciamo).

Converge: Love Is Not Enough

Genere: 🤘Metal

di Giampiero Pelusi

Oltre a farci attendere (tristemente) una data italiana dal lontano 2018 – lo sentite quell’odorino di meme di Pablo Escobar? – i Converge mancano in studio da parecchio tempo: lo split album con Chelsea Wolfe – carino, ma l’equilibrio del disco pendeva molto di più verso i territori della cantautrice californiana – di certo non riempiva adeguatamente la distanza temporale che ci separava dal meraviglioso The Dusk in Us.

Non demordete, però: proprio mentre ci asciughiamo le consuete lacrime nostalgiche stimolate dal millesimo replay di A Single Tear, Jacob Bannon e carovana ci ripiombano in tackle sulle ginocchia, triturandocele come si deve con la title track dell’atteso nuovo album: Love Is Not Enough, così come non abbastanza sono le legnate sonore che la band di Salem continua a tirare dopo più di trent’anni di carriera alle spalle.

Pezzo brutale nella sua essenzialità, attitude hardcore di casa, ma tanta, tantissima spinta groove metal – gli arpioni chitarristici di Kurt Ballou si arzigogolano come le torsioni ritmiche di Mark Morton e dei Lamb of God. Ben Koller, manco ve lo stiamo a sottolineare, schiaccia anche i sassi in un pezzo che sacrifica parte di quell’aura emotiva (e malinconica) dell’ultimo Converge sound, andando a rianimare la furia cieca di No Heroes.

Utilizziamo – in un accostamento piuttosto esotico – Abatantuono per descrivervi in una parola il ritorno degli americani: «Viulenza!», niente di più, niente di meno.

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dTHEd: ORBIT TOOS

Genere: ⚡Electro 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Forse mai come in ORBIT TOOS i dTHEd (trio composto da Isobel Blank, Simone Lanari e Fabio Ricci) sono riusciti a unire mondi diversi dentro a un loro brano. La voce di Isobel sembra dipingere in maniera tremolante l’ennesima trasformazione, nonché demolizione e guado sociale: gli edifici crollano e si trasformano, mentre la musica si contorce fra strumentazioni digitali e ritmi che differiscono dal nostro apparato cardiaco. Forse è la dimostrazione di come l’alienità può esprimersi liberamente nel nostro universo, venendo in parte compresa.

In ORBIT TOOS c’è il Giappone così come l’Islanda, la Siberia e l’Italia, ma soprattutto ci sono un sentire e un immaginario difforme. Temi come la percezione e la neurodiversità sono sempre stati importanti per i dTHEd e in questo nuovo brano (e relativo video, girato da Isobel medesima) c’è una sorta di trapasso dal sociale al personale. Sembra di ascoltare e di vedere un libero arbitrio nel quale ogni creatura, essere, algoritmo, si muove in un maelstrom per ritrovare forma, posizione e senso.

Tutto cambia, nessuno è normale ma nessuno lo è mai stato, tantomeno il suono digitale del trio, che sembra la rappresentazione del sezionamento di un corpo ibrido e sconosciuto. Organi e impianti sono indivisibili e ignoti, ma ci trasmettono una funzionalità poetica, in grado di smuoverci e attivarci. Facendolo supereremo i nostri stessi limiti mirando a traguardi che non siano i più grandi, ma i più adatti a noi. Così la musica, eterno mistero in grado di farci reagire a stimoli diversi gli uni dagli altri, rafforzandoci e costituendoci in esseri unici.

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Lucio Corsi: Notte di Natale

Genere: 🪕Folk 🌟Pop

di Davide Romagnoli

Le canzoni “stagionali”, si sa, sono territorio minato. Se la hit estiva, rinomata comunque per essere qualcosa di puramente fortunoso (dipendendo da necessità di classifica o di presenza nelle playlist che contano), è qualcosa che riesce a durare in più mensilità calde, per quelle di Natale, invece, è già più difficile perché, come la neve, il panettone e i buoni propositi, sono cose che funzionano giusto per una settimana (bianca). È anche un po’ la loro magia, dopotutto – anche se le playlist natalizie sono peggio delle torture medievali, ammettiamolo pure.

Piuttosto inaspettatamente, l’inedito del buon Lucio Corsi, intitolato Notte di Natale, prova a inerpicarsi su questo terreno difficile. E a gran voce diciamo che siamo fortunati che a capitarci sia stato lui e non altri. Perché tutto si può dire del cantautore toscano tranne che sia uno che entra in punta di piedi, senza grandi scossoni, con quella eleganza mite degli outsider che non cercano i tormentoni facilotti. Insomma, se di outsider si tratta, è comunque uno che si sta sedendo, dopo il successo degli ultimi anni, alla tavola dei VIP. Sanremo, i grossi palchi, i sold out, la gente che gli chiede di rifare mille volte le solite canzoni. Forse è proprio quella tavola, quel circuito che non vediamo di buon occhio. Ed è di certo lì, almeno per molti, il motivo per cui si perde di vista l’artista di per sé.

Un artista come Corsi, però, è un animale raro nel panorama di oggi e sinceramente speriamo rimanga libero dai vincoli di questo successo, di questo pubblico, tornando l’eterno ragazzino che ci fa vedere sotto la sua mise. L’efficacia di Notte di Natale, appunto, è proprio in questo augurio. Nessun gran ritornello o temone caratterizzante, il nuovo singolo è una canzone che sembra aver preso il freddo dicembre per mano, per portarlo dentro un parcheggio vuoto, guardarlo negli occhi come un gattaccio solitario e randagio e dirgli: “Ecco, questa è la nostra festa”. Un po’ di mestiere? Beh, forse un pochettino. Ma poco male, perché di buon mestiere si tratta.

Corsi e il co-autore Tommaso Ottomano l’hanno scritta al pianoforte e basso, esattamente un mese prima di mandare il cartoncino di auguri ricoperto di neve (che poi è cotone) ai parenti. Pop cantautorale all’italiana, accessibile e radiofonico, ma non in senso facilmente rassicurante: le linee melodiche scorrono morbide, il piano guida un tappeto d’archi miti dove, con galanteria, entra talvolta un clarinetto senza che niente risulti stucchevole o posticcio. Nessuna clausola di gioia, nessun coro da albero scintillante: la malinconia bonaria – marchio di fabbrica non di tutta, ma di certo delle parti migliori della discografia di Corsi – è l’unica decorazione che siamo contenti ci sia. Ecco perché il brano funziona: perché trasforma il rituale festivo in un teatro di trasparenze. Quelle trasparenze che lasciano vedere Battisti e i vecchi amici e maestri cantautori, quelli che non ci fanno gridare al miracolo, ma forse proprio per questo li ringraziamo: per non metterci davanti ad alcun mirabolante tentativo di scrivere un pezzo che resti impresso da subito e forzatamente. La festa di Natale diventa specchio per cantare la vita che passa, un Natale per volta, e la solitudine si rivela nella riflessione sulle cose semplici: un piatto di pastasciutta, una luna bianca, l’amore stesso delle canzonette italiane.

In un mondo che misura il successo a furia di violenza espressiva, culi in bella mostra, polveri bianche e glitter, Corsi dice che basta un sassolino nella scarpa per sentirsi vivi. E allora, sì, che si possa essere tutti più buoni. Buon Natale a tutti. Anche a quelli che vorrebbero che Corsi fosse altro da questo cordiale, mite e sincero cantastorie italiano.

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MISFIRE: Rotting

Genere: 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Siamo piuttosto sicuri che in un qualche garage di San Diego i pedali e gli amplificatori stiano mettendo a durissima prova il vicinato: i MISFIRE sono giovanissimi – la loro pagina Bandcamp conta un paio di demo o poco più – e Rotting è, con ogni probabilità, il frutto di una delle tante session infuocate dei californiani, alle prese con i primi lanci di singoli della loro nascente carriera.

Perseguendo un po’ l’amarcord dei Nineties, i MISFIRE si accodano ai Fleshwater nel recupero di certe sonorità alternative che tuonano al crocicchio tra rock e metal: post grunge rampante (Smashing Pumpkins, Hum) che si emulsiona a certe venature nu gaze (Julie) e a un’innegabile brama di pop.

Nonostante la produzione non brilli e non aiuti – so’ pischelli, diamogli tempo (e denaro!) – Rotting funziona bene e promette altrettanto: lasciamoli germogliare, che i semi paiono proprio quelli buoni.

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Party Dozen: Ghost Rider

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Fabio Piccolino

A volte c’è bisogno di alzare il volume della musica. Di lasciare che le preoccupazioni del momento scivolino via grazie alla forza delle note, di farsi travolgere e trasportare, di sfogarsi. Ghost Rider è un pezzo perfetto per questo tipo di attività, uno di quelli da mettere a palla, lasciarsi contagiare dalla sua energia e poi, eventualmente, discutere con i vicini in merito al volume dello stereo.

Un vortice ipnotico, magnetico, pieno di rabbia e di vitalità in un formidabile crescendo che mette insieme le fulminanti scariche di batteria di Jonathan Boulet, il sassofono di Kirsty Tickle e il suo cantato che si trasforma in un urlo liberatorio. I Party Dozen del resto sono riusciti a ritagliare un loro spazio nella scena rock alternative con una formazione originale che prevede soltanto batteria e sassofono, oltre a una serie di campionamenti utilizzati ad hoc, come in questo caso, e a una grande capacità espressiva.

Nel corso del tempo, hanno sempre di più aggiustato il tiro della loro particolare formula, rinnovandosi e diventando più accessibili: Crime in Australia, uscito nel 2024, è un album che ci mostra a pieno tutte le loro potenzialità. Sarà interessante vedere come continueranno il loro percorso.

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Roberto Galati & Francis Gri: Drift

Genere: 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

Continua il percorso di ricerca sonora da parte di Roberto Galati, artista padovano che da tempo ha trovato nel post-ambient più rarefatto e glaciale il proprio medium ideale per esprimere catarticamente sé stesso.

Lo ritroviamo, stavolta, affiancato dall’amico Francis Gri, altro nome di punta di un certo modo di intendere la musica, che con il suo puntellare magicamente il pianoforte acustico va a dare una linea strutturata al brano, rendendo ancora più efficace e preciso il tipico stream of consciousness sonico che da sempre – in maniera splendida – permea i lavori di Galati. È un cammino impervio ma gratificante, dove l’isolazionismo non è sofferenza, ma mezzo per riabbracciare quel sé profondo e dimenticato, staccando tutti i fili che ci connettono controvoglia al mondo in maniera invadente e ubriacante, riallacciando quindi i legami con il nostro io più intimo. È un percorso il cui svolgersi provoca dolore, ma regala sollievo e leggerezza una volta compiuto.

Drift (o meglio ancora tutto l’album) è la colonna sonora ideale di questo viaggio, interiore prima che materiale.

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Satin Puppets: Exoskeleton

Genere: 🌟Pop

di Max Zarucchi

Se vi chiedete chi siano le Satin Puppets, vi bastino tre indizi: sono gemelle (Julia e Joanna Araujo) californiane che fanno un po’ tutto da sole (forse), girano ormai da cinque anni con il loro gothic pop moderno e hanno più seguito su TikTok e Instagram che su Spotify. Più reel che foto o audio, per intenderci, very generazione Z. Ma non è questo il punto: la realtà è che ci troviamo di fronte a qualcosa di apparentemente elegante e stiloso, che rende cool anche la ruggine e lo sporco incastrati in mezzo agli ingranaggi degli orologi d’oro nascosti nei cassetti dei genitori e dei nonni. In tutti i sensi, anche metaforicamente. Un po’ steampunk, un po’ dark cabaret, fatine fragili, qualche goccia di Xanax che male non fa, disturbi mentali striscianti che si intrecciano a un’urgenza artistica quasi vitale. E, ovviamente, pop.

È di difficile catalogazione e per certi versi impalpabile, il sound di queste marionette di seta: etereo e non invasivo, sa catturare al primo ascolto tutti coloro che sono avvezzi a questo tipo di atmosfere, senza cercare il colpo a effetto a tutti i costi ma preferendo dilatare il tutto in una forma d’arte efebica e inafferrabile, completamente al servizio di un’immagine studiata al millimetro.

Se sia questo un percorso che le porterà in alto oppure qualcosa destinato a svanire nel nulla è forse troppo presto per dirlo, ma è innegabile quanto sia efficace il pacchetto completo nell’attrarre l’attenzione dell’ascoltatore. Nel bene e nel male, perché l’influenza di un certo tipo di estetica, a qualcuno, potrebbe anche nuocere.

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Scott McCloud: Come Round

Genere: 🎸Rock 🪕Folk

di Vasco Viviani

Strano pensare a Scott McCloud – una vita fra i Soulside, i New Wet Kojak, i Girls Against Boys – come a un musicista che da quarant’anni tondi tondi compone e registra musica fra Stati Uniti ed Europa. Eppure siamo nel 2025 e ci tocca accettare che nel pieno della sua maturità sia ancora in grado di emozionarci con un brano, Come Round, che sembra un semplice, primo tentativo di riprovarci.

Un tavolo fuori da un minuscolo diner, lo sguardo basso, una chitarra e la cronaca di un momento come un altro. Ma c’è un’attesa, un’aspettativa, la presenza lontana di una delle voci più belle degli ultimi decenni (Jennifer Charles degli Elysian Fields) a far da controcanto, il violoncello di Julia Kent, il basso di Hannah Moorhead, il violino di Winston Yu per l’atmosfera. Un brano che sembra avere più possibili finali ma che continua a lungo, forse per permettere fino alla fine un ritorno tanto atteso. La musica lascia spazio a un vociare basso, al suono di campane fini, finché Scott decide di alzarsi – una bottiglia di birra in mano – per andarsene.

Più che una canzone, Come Round pare un invito a cuore aperto, posato sul tavolo, utilizzando le proprie armi e i propri strumenti. Porta con sé l’esperienza, il gusto e il fascino che accompagnano Scott McCloud da decenni, elementi che potrebbero farlo apparire toccante e strappalacrime, in un’onestà artistica alla quale difficilmente si credo si possa chiedere di più.

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Terre: Sens

Genere: 🎤Hip Hop

di Vasco Viviani

Adil Coralic e Manu Kann, un produttore e sperimentatore/MC. Nulla di più semplice, anche se ascoltando il loro brano di debutto, Sens, tutto si complica, forse. Può darsi siano semplicemente l’intensità e la pulizia che dimostrano a colpirci in faccia come uno schiaffo, e intanto ci perdiamo nei loro sguardi che ci scrutano mentre le rime si mischiano.

Un negozio di dischi, una serigrafia, una cittadina tranquilla, l’impressione che la musica possa andarsene da un momento all’altro, riprendendosi le due figure impegnate per portarle chissà dove.

Rap francofono, rap narcotico, sostenuto perfettamente da una strumentale ricca di evocazioni. L’impressione è che il duo veleggi lontano dal volerci impressionare o cercare in qualche modo successo e attenzione.

Solo un messaggio in bianco e nero che ci lascia con lo sguardo fisso.

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ĠENN: Reverberations

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Vasco Viviani

Tutti veniamo dall’acqua, su questo non c’è nessun dubbio. Di acqua siamo formati ed è difficile slegarsi da essa, soprattutto se si è cresciuti su un’isola. Così non stupisce l’ambientazione di Reverberations, il primo singolo delle maltesi emigrate a Brighton ĠENN. Un titolo insieme onesto e significativo, perché racchiude uno dei loro punti di forza, con la capacità di creare musiche e suoni che in qualche modo rimangono anche dopo la loro partenza, anche quando ci si aspetterebbe il silenzio.

Nelle parole di Leona Farrugia, la cantante della band, l’acqua prende però una consistenza più massiccia, squadrata, fra onde di cemento e una calma di ghiaia. Accezioni che dimostrano ancora una volta quanto potenti e pesanti possono essere queste particelle di ossigeno e idrogeno sapientemente combinate. Queste ragazze sanno come farci vibrare, come accarezzarci e come persuaderci con musiche che uniscono seduzione e potenza. A tratti sembra di percepirne gli angoli più bui e profondi, in altre occasioni si esaltano di luce, trascinandoci con loro in un vortice. Noi ascoltiamo e come loro proviamo a tornare al nostro elemento primigenio, facendoci avvolgere dall’acqua e dalla loro musica, cercando di capire se nel silenzio subacqueo potremmo riconoscerne l’impeto e la grazia.

Credo proprio di sì: se ne sente distintamente il basso, la chitarra, la batteria, la voce ammaliatrice – anche se non sappiamo se sia àncora di salvezza o motivo di perdizione. Quale che sia, acqua siamo e acqua ritorneremo a essere.

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Ci è o ci fa? Ascoltatevi (ma soprattutto guardatevi) Otto Von Schirach e traete le vostre conclusioni. Quello che è sicuro è che non vi lascerà indifferenti. Come gli eterni Agnostic Front (loro sì che ci sono, da anni, ma ci fanno anche, molto seriamente), la cui furia è oggi amplificata dalla presenza di Darryl McDaniels dei Run-D.M.C.

Partiamo poi con la consueta music discovery in giro per il mondo, iniziando dalla parte più complicata. Mandy, Indiana – non è uno Stato, ma una band più o meno electrocore, mezza francese, mezza inglese, di stanza un po’ a Manchester e un po’ a Berlino: ovvero, come mandare in crisi Google Maps. Più contenuta invece la geolocalizzazione dell’esoterismo metal proposto dalle Blackwater Holylight, partite da Portland in Oregon per accasarsi nella relativamente vicina (considerando gli ampi spazi nord-americani) Los Angeles. Tornando in Europa, Richie Culver ci canta di alienamento sociale, disfatta, depressione dalla ridente (si fa per dire) Hull, mentre gli Eat My Teeth ci ricordano che la Polonia è ancora terra di conquista per del buon deathrock.

Ed eccoci nel Belpaese. I Ghost Enclave giocano a fare gli Interpol de noantri, e ci riescono quasi meglio di Paul Banks e compagni. I Lumière Sombre portano avanti la nobile tradizione italica del dark elettronico. Julinko spedisce il suo originalissimo folk tra le nuvole. Riccardo Capone prende in prestito un minuto e mezzo del tempo della compagna e attrice Giordana Marengo per deliziarci con una roba piccola, minimale, stortissima.

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Agnostic Front (feat. Darryl DMC McDaniels): Matter of Life & Death

Genere: ✊Punk 🎤Hip Hop

di Maximiliano Bianchi

Due padrini dell’hardcore e il featuring di un mostro sacro dell’hip hop: quasi due secoli, se sommiamo le età dei tre. L’altisonanza dei titoli e l’anagrafe potrebbero indurre a pensare a un’operazione nostalgia, ma saremmo sulla strada sbagliata. Per indirizzarci su quella giusta bisogna sapere che i suddetti godfathers rispondono ai nomi di Roger Miret e di Vinnie Stigma, due che in fatto di strade e ambienti pericolosi e sottoproletari sono stati maestri. Le due colonne degli Agnostic Front nelle case popolari e negli squat del sovraffollato Lower East Side dei primi anni Ottanta ci hanno passato la peggio gioventù. Da protagonisti della scena HC di New York più pigra, muscolare, dall’aspetto macho operaio, a volte frettolosamente accusata di fascismo. Di sicuro una scena più orientata all’autenticità che alla raffinatezza, a voler semplificare.

L’autenticità, insieme al vizio di dirle sempre in faccia, accomuna i Nostri a Darryl “DMC” McDaniels, cofondatore e MC dei Run-D.M.C., leggendari pionieri dell’hip hop, fermentato negli stessi anni e nella stessa città. La sua voce entra in Matter of Life & Death dopo che Miret ha esordito con «Cammino per strada con la rabbia dentro», tanto per far intendere lo stato emotivo di base. I ritmi hardcore non sono velocissimi come nel resto delle altre tracce di Echoes in Eternity – tredicesimo album del gruppo, fuori per Reigning Phoenix Music – ma l’aggressività, la sorprendente vitalità, il suono crudo e implacabile si mantengono agli stessi, alti livelli.

Abituati al crossover fin dai tempi di Cause for Alarm (1986), quando si incontrarono hardcore e metal e i testi di Peter Steele generarono scazzi e discussioni per le spiccate simpatie conservatrici, gli Agnostic Front stavolta incrociano gagliardamente la propria furia con il ghigno dell’hip hop old skool. Che poi è lo stesso che mostra Vinnie Stigma negli ultimi secondi del video girato da Blake Farber, quando al gioco delle tre carte, gestito miezz’a via da McDaniels, il chitarrista con il sigaro sembra scegliere quella giusta. Una carta che pare a metà tra un asso di picche e la sagoma di un cadavere, quei chalk outlines che la polizia traccia per terra con il gesso. Questione di vita e di morte.

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Blackwater Holylight: Heavy, Why?

Genere: 🤘Metal 🎸Rock

di Davide Romagnoli

Portland, Oregon, è terra di streghe e stregoni. Oltre ad avere dato asilo esistenziale a uno degli scrittori contemporanei più influenti (ovvero mister Chuck Palahniuk) o essere terra natale di neo-mostri sacri (uno su tutti Matt Groening) è davvero un luogo dove il post (che non è sempre e solo seguito da office) sembra aver campeggiato più a lungo rispetto a quanto richieda la sortita canonica nei boschi tipica di quando si è giovani e in cerca di magia (o fattanza). I post-metallari Agalloch, i mietitori di sperimentalismo industriale The Body, gli sperimentatori post-rock Grails o i più moderni Drowse non sono certo gli unici cavalli di battaglia della ridente (oddio, si fa per dire) cittadina statunitense.

Già, perché il nome delle Blackwater Holylight sembra essere già entrato nei radar di molti. Sicuramente tra le mire del Roadburn Festival, ormai (nuovamente) assurto a Mecca di talenti sperimentali, con particolare attenzione, negli ultimi anni, agli act “pesanti” al femminile. Le quattro giovani donzelle messianiche (o luciferine, a seconda del contesto), amiche di college, mirano infatti a entrare nell’Olimpo delle nuove proposte post-metallare che contano.

Per farlo, però, abbandonano il luogo da cui erano (ed eravamo noi) partiti. Le Blackwater Holylight tornano, infatti – dopo il trasloco emotivo e geografico – a Los Angeles, con un brano che si muove come una creatura lenta e massiccia, un’enorme bestia di fuzz che lascia impronte fumanti su un deserto spirituale, che sa ancora di SubRosa e Dool (e dei nostrani Messa, anche). Il peso non è solo quello dei chitarroni doomeggianti, è quello dell’identità che si sgretola, del sentirsi disallineati dal proprio corpo, dal proprio tempo, dal proprio specchio. Che è un po’ quello a cui si è abituati quando si mette su un pezzo che può stare in una playlist con le band o i personaggi di cui sopra.

Heavy, Why? non ha l’impatto garage lo-fi, esoterico e psichedelico, di Veils of Winter o dei primi lavori in generale. È naturalmente un’evoluzione più urbana, più adulta, più inserita dentro i tempi che corrono. È un doom-shoegaze che vibra abbastanza pesantemente da spingerti a terra ed è abbastanza luminoso da farti alzare lo sguardo alla volta celeste. Per fare cosa non si sa. Forse solo come pro-forma. Difficile dire se la caratura del lavoro manterrà cotanta efficacia, anche perché saremo costretti ad aspettare l’anno nuovo per vedere il nuovo materiale. Not Here, Not Gone uscirà infatti a fine gennaio. Aspettiamo a dire se la nuova aria californiana farà rimpiangere le terre più a nord. E se il giorno del giudizio avrà questa colonna sonora.

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Eat My Teeth: No Harm

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Max Zarucchi

Gli Eat My Teeth fanno parte di quella (purtroppo ristrettissima) cerchia di giovani musicisti dediti alla riscoperta e alla rilettura di certi stilemi musicali legati al deathrock più primitivo, mischiato a soluzioni più art e noise, che partono dai Virgin Prunes nella loro fase cacofonica, passando per la Lydia Lunch più iconoclasta, fino ad arrivare al Rozz Williams posseduto dal demonio degli esordi.

Volutamente lo-fi, micidiali, letali e senza troppi fronzoli, i polacchi colpiscono a pugnalate i timpani dell’ascoltatore, completamente inerme di fronte alle grida straziate e lancinanti di Nat Grzenia, mentre una scheletrica ma efficace sezione ritmica batte il tempo da zombie. Una melodia sinistra e orrorifica è la corda sfilacciata e pregna di sangue che cerca di tenere tutto assieme, tra teatro dell’assurdo, visioni cimiteriali, disturbi mentali e angosce mai domate. Un riff ripetuto all’infinito che è pura paranoia, punto di arrivo di un sabba androgino che ancora non ha trovato le proprie anime sacrificali.

O più semplicemente, come si diceva tanti anni fa… deathrock a manetta!

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Ghost Enclave: The Lighting

Genere: 🎸Rock

di Giuseppe Rapisarda

Ghost Enclave è una creatura obliqua che rivendica la propria genesi all’interno di un perimetro di oscurità. Il cantante Davide Mavica e il chitarrista Giacomo Iannaci provengono dai None of Us, band di estrazione nu metal/crossover, mentre il batterista Dario Casabona ha un’attitudine più spiccatamente death/thrash/hardcore (vedi Schizo). Queste coordinate potrebbero servire a spiegare l’idea di fondo che sostiene questo side-project, cioè dare vita a un soggetto del tutto diverso e senza punti di contatto con quanto espresso in precedenza solo per allontanarsi da una dimensione divenuta nel tempo artisticamente troppo rassicurante.

Ecco allora Toten Danse, pubblicato per la Swiss Dark Nights. Il singolo The Lighting si rivela una mistura new wave/post-punk deprivata di qualsiasi scoria di massimalismo sonoro e in cui si avvertono i ripiegamenti esistenziali dei Joy Division uniti a una visione di decadentismo dark vicino agli Interpol. La traccia procede lungo una linea di drumming quasi motorik nella costruzione dell’ossatura ritmica e su cui si innestano le linee di chitarra avvolte da un’aura di riverbero.

Appare chiaro come la scrittura si muova lungo direttrici di emotività claustrofobica e, nell’immediato, il brano sembra discendere nei territori familiari a Paul Banks e Daniel Kessler senza però ricalcare pedissequamente la stessa spinta propulsiva dei newyorkesi. Pur trattandosi nel complesso di un sound concettualmente cristallizzato su coordinate riconoscibili, la formula regge l’ascolto e sostiene l’attenzione: si veda quando a metà giri il moto ipnotico si increspa con notazioni sintetiche, generando l’aspettativa che qualcosa succederà di lì a poco. Se la luce crea, è perché il buio è quel nucleo invisibile che porta con sé tutte le risposte che cerchiamo.

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Julinko: Cloudmachine

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Cloudmachine è un brano che non può lasciarci indifferenti. Sembra che la voce di Julinko arrivi direttamente da un’altra dimensione, quasi esageratamente inquietante, mentre balla sopra il suono di una tastiera e di un organetto, come se potesse spaventare le bambole e fermare il giro del carillon terrorizzandolo. Però, oltrepassando questa necessaria emozione, ci si accorge di come ci siano levità e calore in questo brano.

Anche se non sappiamo con esattezza cosa sia questa macchina delle nuvole, possiamo supporre che dia gli strumenti a Julinko per inondarci di note e di umori spettrali molto seducenti. Le nuvole, lo sappiamo, sono particelle di acqua in sospensione, un vero e proprio miracolo fisico che forse potranno trasferire il loro potere su noi ascoltatori. Qui sta lo snodo di questo brano: non potremmo imitarle e prendere il volo in pieno giorno, con il rischio di essere scoperti, accadrebbe il finimondo! No, sarà una cosa per pochi eletti, coloro che si avvicineranno di nuovo ai suoni della musicista veneta fino a poter abbandonare le proprie spoglie e nascondersi nel bianco candore.

Già ce li immaginiamo, quei cumuli con una colonna sonora del genere: si farebbe presto a far circolare tensione ed elettricità, finendo per lanciare qualche fulmine qua e là. Ma saremmo bellissimi, morbidi e baciati da una voce e da una musica ammaliatrice, come se una sirena avesse deciso di abbandonarsi al cielo superiore per attirare a sé gli umani.

Difficile dire a chi o a che cosa possa assomigliare ormai Julinko: inutile anche, al netto di composizioni tanto risolute e personali. Julinko è la voce che ti chiama dietro l’angolo, l’immagine che vedi fugacemente, il volto che ti appare fra le nuvole. Non sbattete gli occhi ma cantate, forse così potrà rimanere ancora. Musica atmosferica se mai ce n’è stata una, autunnale come poche, fredda tanto da scottarci le mani e le orecchie.

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Lumière Sombre: Perdition

Genere: ⚡Electro

di Max Zarucchi

I veneti Lumière Sombre fanno parte di quella ristretta cerchia di musicisti italiani che, al contrario delle banalità “tastierina Casio / voce plasticosa” tanto in voga negli ultimi anni, porta avanti la nobile tradizione del dark elettronico, genere che ci ha regalato nel tempo veri e propri capolavori – ahinoi! – troppe volte messi in ombra da uscite ben più paracule.

Perdition ci regala intrecci electro raffinati e stilosi cuciti attorno a una voce davvero bella, per una proposta non caotica, non invadente né tantomeno mirata al finto gabber di turno: qui si abbraccia il vecchio e sempre valido concetto di less is more. Pochi suoni ben scelti, miscelati con sapienza, e una linea vocale nitida e funzionale al brano ricreano infatti un’atmosfera di infinita eleganza. Un pezzo forse più appropriato a una festa privata in una villa abbandonata tirata a lucido, piuttosto che per il dancefloor di un club sudicio nel quartiere di Soho (a parte che ormai a Soho di club sudici ne sono rimasti ben pochi).

Aristocrazia algida, taglio cinematograficamente noir, pulizia e raffinatezza si ritrovano anche nell’efficace video a opera di Giorgio Ricci (RAN, TempleBeat), compendio perfetto per un singolo da assaporare fino in fondo.

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Mandy, Indiana: Magazine

Genere: ⚡Electro 🎶Altra musica

di Giampiero Pelusi

«Abandonne / Tout espoir / Car ce soir / Je viens pour toi». Di francese capisco poco e nulla, eppure non è servito DeepL per aiutarmi a tradurre una delle strofe intermittenti di Magazine, nuovo singolo dei Mandy, Indiana: disperazione, paura, dolore ingabbiato sbucano con una brutalità inaudita dai testi di Valentine Caulfield, proprio perché Magazine fa da testamento orrorifico di una violenza sessuale, raccontata con terrificante sincerità dall’artista di origini parigine.

E se l’avant noise a tinte elettroniche di I’ve Seen a Way garantiva grossi sospiri ambient, il primo estratto dal nascituro URGH – che combacia con il passaggio dei mancuniani-berlinesi all’ottima Sacred Bones – buca l’oblio e ci trascina giù, tra bassi synth-etici che dettano tempi storti e macabri, percussioni che martellano funeree assecondando il furore crescente della voce: si passa dal palpitante electrocore impregnato di nerofumo industrial – ripensiamo ai battiti contorti di Drag [Crashed] – al noise più sanguigno quando la frontwoman decide di vomitare, tra le sirene vorticose della strumentale, tutta la rabbia incamerata, provando a trovare una via per lenire le lacerazioni lasciate da un trauma annichilente.

Magazine, in realtà, gira da un po’ – se avete partecipato al C2C 2024, si tratta proprio della closing track del set, cantata dalla Caulfield in mezzo al pubblico – ma acquisisce tutt’altro peso una volta svelata la sua causa scatenante: un ariete in sede live, ma, prima di tutto, un rito di espiazione per affrontare un dolore che mangia da dentro.

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Otto Von Schirach: Feeding

Genere: ⚡Electro 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Otto Von Schirach è da sempre (quasi un quarto di secolo ormai) uno dei grandi WHAT?!? della musica contemporanea. Statunitense di origine tedesca e cubana, un viaggio horror e fantascientifico in testa, unito a un tasso di umidità e stile altissimi, per creare un mondo colorato e unico.

È già passato molto tempo da quando un buon amico (nonché ottimo musicista e agitatore ligure – se ancora non lo conoscete entrate nel mondo Marsiglia Records) mi ha consigliato di seguirlo, se non altro su Instagram. Da lì la mia vita ha avuto una nuova certezza e questa Feeding è assolutamente in linea con il suo (e il nostro) viaggio.

A questo giro veste maschera scheletrica con zanne puntute, si nutre di natiche retate e alate, sorridendo sornione. Potrebbe essere eccessivo, gratuito, pessimo, e invece funziona, ancora una volta. Ascoltando il brano, cresce il desiderio di nutrirsi, e le rime in spanglish di Otto Von Schirach sono perfettamente inserite fra bassi ipnotici e magnetici. Come non potrebbe del resto, visto che il nutrimento e il sangue sono elementi imprescindibili nella dieta di un vampiro?

Draculo, prendi il nostro corpo e la nostra anima: siamo pronti, maestro.

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Richie Culver: Nothing

Genere: 🎶Altra musica ⚡Electro

di Vasco Viviani

Ascoltando Nothing di Richie Culver ci assale il freddo. Una produzione musicale scura, alienante, una voce ripetitiva che sempre su quella parola va a scontrarsi. Fa parte della cosiddetta scena Northern Gothic e mai parole sono sembrate più precise. C’è il dub, la completa assenza di ironia, la voluta inaccoglienza, una delivery vocale che senza mai forzare ci trascina con sé dentro un baratro buio.

Sembra di ascoltare la discesa di un individuo verso un rifugio inospitale, in una chiusura che non promette nulla di buono. Alienamento sociale, disfatta, depressione, mutismo: fenomeni che non possono che avere questo suono come accompagnamento, tremendo perché non esplode mai: non è catartico, non ci fa né sfogare né uscire, non ci fa piangere ma ci erode dall’interno. Materia difficilissima da trattare ma che quando riesce a essere evidenziata colpisce come uno schiaffo, in un nero urbano che ben si addice all’autunno che porta all’inverno.

Aperta questa porta ci sarà da capire quale sarà l’universo completo di Richie Culver (al quinto album e autore di molto, molto altro nell’ambito artistico), che ci sembra un corridoio in grado di portarci davanti ai nostri fantasmi, fino a immergere le mani nel dolore e capire come affrontarlo o conviverci.

Teniamolo presente, sapendo che un brano di nemmeno due minuti e mezzo può andare diretto verso il nostro mondo interiore, evidenziandone le crepe e facendolo vibrare. Starà a noi resistere o crollare.

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Sano (feat. Giordana Marengo): Fast Love Vomero

Genere: 🎶Altra musica 🪕Folk

di Emanuele Podda

Una delle voci più interessanti a emergere dal collettivo artistico napoletano Thru Collected, Sano, pseudonimo del venticinquenne Riccardo Capone – figlio d’arte del polistrumentista Maurizio – ha recentemente pubblicato il suo album d’esordio solista con Bomba Dischi (distribuito da Warner), Opopomoz.

Le sue intenzioni sono chiare sin dal titolo, riferimento al film d’animazione del 2003 diretto da Enzo D’Alò: così come nel cartone animato “opopomoz” è la formula magica attraverso cui i tre diavoletti riescono a entrare fisicamente nel presepe per impedirne la realizzazione (e dunque la nascita di Gesù), così Sano intende infiltrarsi nell’industria musicale mainstream e metterla a soqquadro dall’interno attraverso la carica sovversiva del suo passato underground.

Un pezzo come Fast Love Vomero (che prende il nome da un format di diversi anni fa di RadioTv Italia), realizzato in collaborazione con la compagna e attrice Giordana Marengo (nota ai più per il ruolo di protagonista nella serie Netflix La vita bugiarda degli adulti, tratta dall’omonimo romanzo di Elena Ferrante), è probabilmente la manifestazione più limpida di questo intento. Piazzato simbolicamente subito dopo il singolone per eccellenza, ovvero la super poppeggiante Gelosissima, il brano – un mini-trattato di geografia sociale napoletana nascosto dietro la fuga degli uccellini di Giordana verso il Vomero dopo il suo trasferimento al Cavone – offre un contrasto fortissimo presentandosi come uno scarno duetto voce e chitarra di neanche un minuto e mezzo registrato con uno smartphone, richiamando le dinamiche dell’anti-folk americano dei primi anni 2000, in particolare i Moldy Peaches e la loro capacità di cantare di cose enormi con un tono quasi dimesso, infantile, giocoso.

In un album curato da Drast e distribuito da Warner, inserire un pezzo così minimale è un atto politico: obbligare l’ascoltatore di playlist editoriali a confrontarsi con 90 secondi di bassa fedeltà e disagio urbano, ricordando che dietro ogni “Nuova Napoli” patinata c’è sempre un Cavone oscuro da cui persino gli animali scappano.

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Dopo i ben noti fatti di cronaca nera risalenti alla fine del millennio scorso, è buffo oggi sentire i Mayhem cantare di come non ha senso piangere sul latte versato (o forse dovremmo dire benzina). Musicalmente, in ogni caso, per i cultori del genere, ancora tanta roba. Ma in tema di morte (scampata, per ora – si spera), ecco il gradito ritorno del tastierista dei Cure in veste solista: millemila di questi giorni, Roger!

Andando avanti, scopriamo una selezione settimanale ricca di voci femminili. Partiamo da quella abbastanza spaventevole di FKA Rayne (da non confondere – ma proprio per niente – con la Twigs). Poi Chiara Amalia Bernardini degli Angel Names (ex Kick), Radie Peat dei Lankum (alle prese con una cover degli Specials) e Lindsay Anderson (novella Cappuccetto Rosso che non ha paura del lupo).

Il resto spazia tra i generi, come di consueto. Il concept degli Sterbus a tema Virginia Woolf, Maurizio Vaiani che, dietro il moniker RosGos, continua a deliziarci grazie al suo talento innato, Marco e i Sysma con il loro cantautorato indie imperfetto, urgente ed efficace. A chiudere, il tris d’assi: August Fanon e Aesop Rock al servizio di Billy Woods, per una delle uscite hip hop più interessanti dell’anno.

Ma prima di iniziare, dai un’occhiata qui:

Angel Names: Soaked in Starlight

Genere: 🌟Pop 🎸Rock

di Vasco Viviani

Light Figures di tre anni fa era stato un bellissimo album. Loro erano i Kick e oggi sono tornati con un nuovo nome – Angel Names – e due brani, grazie ai quali forse costruire una nuova fase della loro esperienza.

Se la precedente Glitter secondo me era penalizzata da troppa luce, Soaked in Starlight è invece pura perfezione. Il giusto livello di sporcizia, un filo di distorsione, la voce di Nicola Mora è oscura e terrena quel che basta, quella di Chiara Amalia Bernardini sembra invece l’innocenza infernale che con i suoi cori induce alla perdizione. La musica è distante, pare perdersi lungo l’orizzonte, le voci a rincorrerla. Gli stilemi sono classici: c’è l’immagine maudit, il cielo stellato, lui che se ne va e probabilmente non tornerà presto. Tutto già scritto, già cantato e già sentito, certo, ma allo stesso tempo un’incarnazione di stile così forte e spontanea da suonare irresistibile.

È un brano narcotico che fin da subito ci risuona in testa, con delle botte basse che si allargano come benzina nell’acqua. Poi di colpo uno spessore, un rombo da dietro per garantirne la potenza nonostante i toni rimangano colloquiali. Giusto tre minuti e poco più per un progetto che porta avanti con continuità quanto fatto finora, ma che dà l’impressione di potersi aprire a qualsiasi cosa.

Soaked in Starlight è un brano talmente ben congeniato da non suonare mai inadeguato o fuori posto: provateci, sta bene ovunque. Staremo attenti d’ora in avanti, una notte dopo l’altra, per cercare di assicurarci che tanta bellezza possa sfiorare anche noi.

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Billy Woods & August Fanon: Complications (feat. Aesop Rock)

Genere: 🎤Hip Hop 🎶Altra musica

di Davide Romagnoli

«We are being carried off in zipper bags by Disney staff». Solo una delle tante barre che fanno già comprendere come la qualità della prosodia di Billy Woods e compagnia bella sia qualcosa di “dovuto” al mondo dell’hip hop contemporaneo. E, a ben vedere, ci sembra sia naturale che venga considerato tale. C’è bisogno che ci siano queste cose. Eccome. E il fantasma di MF Doom annuisce con rispetto al conseguimento per la laurea ad honorem in esistenzialismo hip hop per il rapper statunitense (africano? Westindiano? Giramondo).

Il fantasma di MF Doom annuisce davanti a quello che – tutto sommato – si può chiamare un nuovo singolo. Se non altro perché ci ricorda ancora che Billy Woods ha pubblicato uno dei migliori album dell’anno in territorio hiphoppettaro. Con August Fanon (con cui è accreditato tutto il nuovo Golliwog) e Aesop Rock, infatti, regala ai fan la sublimazione di Complications, che assurge così – con il suo video da nouvelle vague moderna – a uno dei modelli del nuovo lavoro (come già la più che convincente Born Alone) .

Supportati da un’atmosfera plumbea e malinconica, i tre si uniscono in un flow che presenta quell’eleganza sobria e quasi intellettualmente underground che riesce a trascendere quella banalità (del male) che molti si aspettano di trovare nei codici più canonici dell’hip hop. E ci fa ammettere che lo stesso hip hop non è certo, per naturalezza, materia da radio scadente o di secondo piano all’interno della nostra musicofilia incallita.

Certo, emergere da quello scrolling infinito di beat facilotti, hooks plastiche e vibes prefabbricate non dovrebbe essere cosa così difficile, ma Complications arriva a prenderci per la gola, con una mano che non trasuda di certo violenza urbana, ma, più che altro, esistenzialismo street made. Senza formule radiofoniche, né sorrisi a denti di metallo, la voce rauca di Billy Woods racconta codici, sfumature, errori che paghi anche quando pensi di aver capito come girano le cose (e i campionamenti).

«This is how the maze swallowed itself». Guru del nuovo corso dell’hip hop o epigono degli ultimi profeti underground, ancora non possiamo dirlo del tutto. La sua partecipazione a festival come il Roadburn (tempio del post-metal e della musica sperimentale) ci fa però dire che qui c’è qualcosa che va decisamente “oltre”. E non possiamo che esserne entusiasti.

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FKA Rayne: BITE DOWN

Genere: 🤘Metal

di Giampiero Pelusi

Occhio che non parliamo della Twigs: il prefisso è il medesimo, il resto è tutt’altro. Eh sì, perché FKA Rayne con l’avant pop dell’inglese c’entra ben poco, dato che l’artista di Vancouver preferisce sguazzarsela nelle più torbide acque dell’alt metal.

Proposta mega-derivativa, ma sempre piaciona: in particolare BITE DOWN, ultimo singolo tirato fuori dalla canadese, riesuma i Bring Me the Horizon di POST HUMAN: SURVIVAL HORROR – sì, quelli del COVID e del ritorno ai chitarroni incazzosi e agli scream – e li richiude dentro la sala d’attesa di uno studio dentistico per fare una strage di sangue.

Pezzo in your face senza troppi fronzoli, dichiarazione d’intenti alla Break Stuff maniera, ma con il tirapugni del metalcore (Bad Omens, Poppy) e il guitar work che pare la motosega sonora dei migliori – non gli ultimi, quindi – Beartooth.

Consigliato l’ascolto per un workout spinto, non di certo per accompagnare tisanina e coccoline invernali: rischiate di farvi saltare qualche dente senza nemmeno accorgervene.

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Lankum: Ghost Town

Genere: 🪕Folk 🎶Altra musica

di Vasco Viviani

Era il 1981 quando su un’automobile notturna gli Specials viaggiavano cantando Ghost Town. Mai avremmo pensato, più di quarant’anni dopo, di ritrovare sui medesimi solchi i Lankum, già Lynched, progetto in evoluzione ormai da più di vent’anni, partito come duo formato dai fratelli Ian e Daragh Lynch e ora quartetto guidato dalla voce di Radie Peat e coadiuvato da Cormac MacDiarmada.

La loro Ghost Town è ombrosa, volatile, scombinata. Inizia come se il brano originale fosse stato infestato da veri spettri sbarcati da qualche nave giù al porto. Le note si allungano, i toni si abbassano, si ispessiscono. Poi il brano viene quasi strizzato, andando verso l’Est Europa per un coro dove Radie sembra ricreare una se stessa d’oltrecortina. Rientrata nei ranghi, veleggia poi su toni più drammatici che crescono piano piano, in un incedere funereo e vibrante. All’accendersi di una candela tutto cambia: è arrivata una corale che con il mondo dei fantasmi dialoga e tutto è aereo, diafano, fino a tingersi di un assetto ritmico e digitale assolutamente impensabile. Si corre e si vola, come in certe fughe in trance, verso mondi lontanissimi.

Una cover che sembra quasi un pretesto con il quale i Lankum riescono a colorare il loro paesaggio interiore di colori nuovi, rimanendo coerenti con il loro mondo. Gli Specials capiranno, noi ci limiteremo a esaltarci nel segmento che più ci si addice o – se particolarmente fortunati – per l’intero brano.

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Lindsay Anderson: The Wolf

Genere: 🌟Pop 🎷R&B

di Vasco Viviani

L’unico excursus solista di Lindsay Anderson, finora, era stato l’album If, ormai datato a diciotto anni fa: impossibile quindi non incuriosirsi all’uscita di The Wolf.

Musicista di stanza a Chicago, è stata insieme a Joseph Desler Costa protagonista del progetto L’Altra, ma con questo nuovo brano sembra cambiare ancora veste e stile. Suoni ambientali e una decisa inflessione pop, classica e personale. La batteria e le tastiere ricordano vagamente degli anni ‘80 leggeri e volatili, mentre la voce di Lindsay risuona e si distende tra note basse e altezze emozionanti. Il mondo è quello sofisticato e autoriale, che riesce a prendere da più parti forgiando un brano personale, intimo ed epico allo stesso tempo.

Attorno a lei una compagnia teatrale, la natura, ambienti che sembrano essere gli interni di uno studio. È qui che Lindsay si muove sulle linee di quelli che potremmo definire rapporti di fiducia e di amore, percorsi attraverso cui sentirsi in qualche modo protetti da una guida. In questo caso il lupo pare vegliare su di lei, finalmente libera di esprimersi e di far crescere il proprio impeto, mostrandosi per quella che è. Tutto, in questa canzone, è al suo servizio: gli attori, gli animali, la musica stessa.

Cinque minuti nei quali risalta come autrice e Performer con la p maiuscola, lasciando che la sua presenza e la sua voce ridefiniscano il paesaggio. D’un tratto tutto sembra ridursi a sfondo e ci rimangono due figure stagliate all’orizzonte: un lupo e un’artista che mancava da troppo tempo.

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Marco e i Sysma: Tornare indietro

Genere: 🎸Rock

di Max Zarucchi

Viviamo in un’epoca in cui ogni cosa è perfetta, senza errori, e, quando ci sono, essi vengono nascosti sotto badilate di effetti, intelligenza artificiale, auto-tune, quantizzazione o tutto quello che vi pare. Ecco allora che una canzone come questa Tornare indietro di Marco e i Sysma, pur risultando sotto molti punti di vista imperfetta, riesce a catturare l’attenzione analogica dell’ascoltatore. Il merito va, paradossalmente, proprio ai difetti, che la rendono innegabilmente più vera, sincera e sentita rispetto a quanto l’algoritmo a caso tenti di propinarci quotidianamente.

Troviamo un autore a modo suo ispirato, sicuramente limpido nella sua proposta, che se ne frega del dettaglio a tutti i costi preferendo tirare fuori subito quello che ha dentro, in un gesto quasi catartico. Assoluto punto di forza del singolo è un ritornello memorabile, costruito su melodie e armonizzazioni che nascondono ore di ascolto di David Bowie/Suede (ovviamente in questo caso le similitudini vanno prese con le pinze), che già dopo il primo ascolto si stampa in testa, grazie anche a una voce zoppicante, sì, ma assolutamente d’effetto.

Di sicuro qualcosa di diverso, che fa tornare in mente un certo tipo di new wave cantautorale italiana tanto decantata da critica e pubblico, magari meno professionale rispetto alla scena estera ma comunque pregna di ottimi spunti e vitalità. Tornare indietro potrebbe diventare il refrain che vi ritroverete a fischiettare senza pensarci durante l’arco della prossima settimana: mica male.

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Mayhem: Weep for Nothing

Genere: 🤘Metal

di Max Zarucchi

Già il fatto che si stia parlando di un nuovo brano dei Mayhem dovrebbe avere scremato abbastanza i potenziali ascoltatori, perché se nel metal estremo c’è una band che ha diviso sin dai primi vagiti è stata proprio quella dei norvegesi. Mettendo da parte la cronaca nera che in un modo o nell’altro è stata artefice del loro successo mediatico (indubbiamente amplificato da quel simpatico ma storiograficamente discutibile film che era Lords of Chaos), qui si parla di musica.

Tornano oggi con un singolo, apripista dell’album in uscita a febbraio 2026, sette anni dopo l’ultimo Daemon. È proprio da lì che sembra i Nostri ripartano, ma cambiando nuovamente le carte in tavola. Tutto si può dire di Necrobutcher e compagnia, tranne che abbiano fatto dei dischi fotocopia: ogni album ha una propria personalità e, se il primo assaggio del prossimo capitolo è questa Weep for Nothing, potremmo trovarci di fronte a un nuovo ibrido, con sfuriate appunto alla Daemon miste a sperimentazioni tipo Esoteric Warfare, che confluiscono in un black progressivo di non facile assimilazione, tra tempi spezzati, rallentamenti improvvisi e dissonanze continue.

I detrattori ovviamente diranno che è sempre la solita solfa, ma la realtà è che Teloch e soci riescono ogni volta a rileggere se stessi, pur risultando riconoscibilissimi sin dalle prime note, continuando ad assecondare una voglia di cambiamento costante che ha permesso loro, nonostante tutto, di essere ancora attivi discograficamente dopo quarant’anni di attività. Chi lo avrebbe mai detto quando pubblicarono Pure Fucking Armageddon?

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Roger O’Donnell: Projections

Genere: ⚡Electro 🎶Altra musica

di Max Zarucchi

La prima cosa che viene in mente quando si pensa a Roger O’Donnell sono le sue tastiere imponenti e centrali su quel capolavoro senza tempo che è Disintegration dei Cure. La seconda cosa che viene in mente, se si seguono un po’ le notizie recenti degli ultimi anni, è la sua battaglia (che sembra stia fortunatamente vincendo) contro un linfoma particolarmente aggressivo. La terza riguarda prettamente il suo estro musicale, sempre molto raffinato e stiloso, che se nei Cure ha regalato un apporto sicuramente decisivo (ma comunque piegato alle necessità di Robert Smith), nella carriera solista ha potuto avere libero sfogo mostrando tutte le sue sfaccettature.

Non è musica per tutti, quella di Roger, un ibrido tra acustico ed elettronico molto pulito, mai caotico ed estremamente elegante che riesce a creare con arrangiamenti, suoni e note veri e propri acquerelli in cui, se si è ben disposti, è impossibile non perdersi. Ciliegina sulla torta di questa ultima uscita è il videoclip a opera della storica fidanzata Mimi Sheytanova, che sbobinando centinaia di ore di riprese ha creato questo collage dove la vita artistica di Roger si svolge piano piano sotto i nostri occhi.

È innegabile che questo guardarsi indietro (soprattutto tenendo conto della situazione attuale) faccia commuovere e, volendo, riesca a emozionare ancora di più riuscendo ad amplificare l’emozione nell’ascolto di questa bellissima Projections e di tutto l‘album omonimo.

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RosGos: Before the Day

Genere: 🪕Folk 🎸Rock

di Giuseppe Rapisarda

Dopo la trilogia costituita da Lost in the Desert, Circles e No Place, Maurizio Vaiani cambia radicalmente rotta con In This Noise, pubblicato sempre con il moniker RosGos per la label Beautiful Losers. Il nuovo lavoro è il risultato di una scelta di spoliazione che potremmo definire dettata da una necessità esistenziale. Si avverte un’intenzione precisa di veicolare immediatezza ed estemporaneità in una scrittura che non tralascia i dettagli e la cura nei suoni.

Tutto è stato registrato in un’unica ripresa nell’arco di soli cinque giorni nello studio di Andrea Liuzza che ha anche prodotto l’album, nonché diretto il video di Before the Day. La traccia ha un mood umbratile da cui emerge una ricerca programmatica di lentezza attraverso un impianto sonoro che prende forma nella dilatazione di spazi immaginari. Siamo nelle frequenze di un folk mesmerico fuso con una sostanza fatta di fragile elettronica.

Le coordinate spazio-temporali conducono nelle stesse lande fangose in cui si aggira inquieto lo spirito di Mark Lanegan, mentre sullo sfondo si stagliano alberi dagli strani frutti le cui radici sono conficcate su un’Americana spettrale e disturbata. RosGos crea un’aura oscura definita da fragori sintetici laceranti e battiti sordi che scolpiscono i contorni di corpi danzanti senza identità. Nel video è ritratta una Terra disumana, un pianeta in negativo svuotato da qualsiasi umanità ma popolato solo da figure che si contorcono al ritmo di riti antichi quanto innato è l’istinto di sopravvivenza. Potremmo dire intimismo folk apocalittico.

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Sterbus: Alfriston Two Four Five

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Emanuele Podda

Nel sottobosco dell’underground romano degli ultimi vent’anni, gli Sterbus, duo attivo dal 2004 formato da Emanuele Sterbini e Dominique D’Avanzo, costituiscono un singolare esempio musicale di OOPArt : distanti tanto dal cosiddetto “itpop” che dalla scena punk/hardcore, i due hanno sempre seguito un progetto artistico refrattario a ogni conformismo che li ha portati a confrontarsi proficuamente con generi tradizionalmente poco praticati soprattutto nel Centro-Sud della nostra penisola – dal Rock in Opposition (RIO) di matrice zappiana al power pop più scintillante, passando per la delicatezza del Canterbury Sound.

La loro ultima fatica, il disco Black and Gold, uscito lo scorso 14 novembre, è un denso concept album – rigorosamente cantato in inglese – elaborato a cavallo del periodo pandemico che ha come nucleo tematico la vita e le opere di Virginia Woolf (1882-1941). D’Avanzo, autrice dei testi, ha tratto ispirazione in particolare da un racconto inedito dell’amico giornalista Marco Zatterin incentrato sui difficili ultimi giorni di vita della scrittrice britannica, sino al compimento dell’estremo gesto.

Alfriston Two Four Five mutua il titolo proprio dal racconto di Zatterin, evocando la linea telefonica di Vanessa Bell, sorella di Virginia, canale attraverso cui la famiglia apprese del suo suicidio per annegamento nel fiume Ouse. Il brano, che descrive questo evento cardine, dimostra l’assoluta maturità compositiva del duo romano: sezioni aggressive e movimentate si alternano ad altre più rilassate e ariose, combinando efficacemente un gran numero di strumenti che vanno dalle chitarre (acustiche ed elettriche) ai flauti, dai sintetizzatori agli ottoni, il tutto impreziosito dalle armonie vocali. Il risultato è una composizione complessa ma accessibile che si muove agilmente tra atmosfere dark folk, pastorali e lisergiche. Un avant-prog maturo dalle derive pop – chiara l’influenza dei Jethro Tull e di Steven Wilson –perfetta introduzione ai paesaggi sonori ed emotivi di Black and Gold.

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⬅️Nel caso te li fossi persi

• Pezzi di un uomo chiamato Gil Scott-Heron

• Piccoli coccodrilli: da “Mani” Mounfield a Ornella Vanoni, con Federico Guglielmi

• Le Raincoats e le loro favole al supermercato

• Il famigerato sondaggio sui migliori dischi del 2025

• I Twilight Sad sotto l’ala di nonno Robert Smith, i Subsonica in Somalia, Roberta Sammarelli dopo i Verdena

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Chissà se alla fine fanno poi così bene, tutti questi endorsements reiterati: da un lato essere il giovane (ormai nemmeno troppo) gruppo preferito dal leader dei Cure può aprire svariate porte, dall’altro sembra aumentare la difficoltà a lasciare il nido per volare da soli. Nell’attesa del vero successo commerciale, è comunque sempre un bel sentire quando si tratta dei Twilight Sad.

E i Feat! non finiscono qui. Per esempio, gli Sleaford Mods chiamano a raccolta una bizzarra accolita di personaggi molto british (i Big Special dalla Black Country e Gwendoline Christie dall’isola di Tarth, provincia di Game of Thrones), mentre Bassi Maestro passa le consegne a Caleydo. Come un carico sulla questione, arrivano anche notizie sulla strada presa da Roberta Sammarelli dopo l’addio ai Verdena: non sarà tecnicamente un featuring, ma a leggere i nomi della gente coinvolta nel progetto Si! Boom! Voilà! almeno il termine supergruppo possiamo certamente usarlo.

Ma vogliamo parlare davvero di nomi nostrani di una certa importanza? Subsonica! La band torinese fa partire da Mogadiscio il viaggio che la porterà alla pubblicazione del prossimo album con cui festeggerà i trent’anni di attività, e per ora la cosa promette bene.

Il resto vede in ballo la vecchia corrente scissionista dei Simple Minds, che si fa ironicamente chiamare Th3 Minds e coverizza i pezzi della band togliendo (più o meno polemicamente) la voce, l’inquietudine nu gaze dei Nothing, il morbido pop psichedelico di Mike Bourne nascosto dietro al moniker Bruise Blood, il toccante intimismo di María Zardoya (per un attimo lontana dai Marías), il rap denso di contenuti di 77Demy.

77Demy: 77Culto

Genere: 🎤Hip Hop

di Max Zarucchi

«Chiedi a 77 Se non sai come si fa» salmodiava Giovanni Lindo Ferretti nel 1985 quando uscì Compagni Cittadini Fratelli Partigiani. La storia la si conosce, ma lo stesso numero (con radici diverse ma valenza altrettanto forte) viene ripetuto a mo’ di mantra da questo giovanissimo ragazzo torinese, che – guardando il calendario – o è un pazzo o ha veramente qualcosa da dire.

Sì, perché quando all’imbrunire del 2025 qualche sbarbato ha ancora la necessità e la voglia di esprimersi attraverso un’arte che è quella del rap (senza piegarsi quindi al trend made in Italy che purtroppo – o per fortuna di qualcuno – va per la maggiore: la trap nostrana) ci troviamo di fronte a una scelta ben precisa, coraggiosa, quasi politica.

La produzione è assolutamente lo-fi, così come gli arrangiamenti che sono ridotti al minimo. Eppure 77Culto ha spessore, quello di chi sembra avere veramente qualcosa da dire, sentimenti che partono dal profondo e necessitano di essere buttati fuori. Pur rifacendosi agli stilemi del genere, il Nostro non scopiazza spudoratamente, ma cerca di metterci del suo, e – con tutti i limiti di qualcuno che muove i primi passi – più di una volta riesce a fare centro.

Questa non è roba per localini trendy riempiti all’inverosimile da minigonne inguinali, unghie rifatte e abbigliamenti equivalenti a due stipendi Fiat: qua si fa un pochino più sul serio, e non stupirebbe vedere il nome di 77Demy prima o poi stampato su dei volantini ciclostilati che sponsorizzano un concerto in qualche spazio occupato. Un po’ come era successo con il thrash metal (che negli anni ‘90 era completamente scomparso dai radar, lasciando spazio all’alternative, rimanendo comunque vivo e vegeto nell’underground fino alla sua rinascita), un certo modo di fare rap potrebbe prima o poi tornare a colpire come si deve, e 77Demy sembra già essere pronto alla vendetta.

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Bruise Blood: Until the Sun Breaks Down

Genere: 🎸Rock

di Vasco Viviani

Mike Bourne ha fondato i Teeth of the Sea dopo un’illuminazione collettiva a un concerto dei Wolf Eyes. Dopo una quindicina d’anni e un’escursione come Metal in compagnia di Jamie Paton, si è messo in proprio. Sempre a casa Rocket Recordings e con il nome di Bruise Blood ci presenta il secondo singolo in uscita, intitolato Until the Sun Breaks Down.

Un brano morbido, che inizia come pop psichedelico (anche se nelle batterie si sente un certo mordere il freno), mentre viaggia su un panorama deserto nel quale si erge un monolite. I suoni si modificano lievemente, a spostare gli equilibri verso una impostazione digitale, binaria, sopra alla quale Bruise Blood sferza con i suoni della sua chitarra. Sembra aprire un varco, tanto che nella controparte visuale, sopra il deserto, ormai si sono palesate astronavi piramidali all’inverso.

Until the Sun Breaks Down è il suono del contatto, di un messaggio inviato dalla Terra altrove e da quella lontananza ritornato indietro, accompagnato. Un suono che si fa esperienza e viaggio mistico e che finalmente non è più sterile esercizio ma comunicazione. Until the Sun Breaks Down è più canzoni in una: la parte cantata e quella strumentale sono talmente differenti da farci credere che in questi cinque minuti scarsi ci siano in realtà due singoli, come si usava, un tempo, di tanto in tanto fare. Oppure la parte preparatoria prima della connessione con l’alieno e con l’alterità è talmente ben riuscita da aver preso vita singolarmente.

Di certo Bruise Blood è un progetto che guarda lontanissimo e non si spaventa a connettersi con mondi sconosciuti. Noi rimaniamo in contatto radio, a disposizione in caso di bisogno, volumi al massimo.

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Caleydo & Bassi Maestro: Quattro pazzi al bar

Genere: 🎤Hip Hop

di Vasco Viviani

Le ostriche quest’anno sembrano andare con il passamontagna, almeno così sembrerebbe usarsi nel bar dove Caleydo e Bassi Maestro passano i loro pomeriggi. Gente che gioca a poker con la morte, che suona solare, balla e ci va pesante con le droghe e i Campari.

Panorama che dal locale sembra diventare onirico, fra «baldracche», «barboni» e fantasmi dell’opera. La mano di un produttore che disegna una pista da esibizione a un rapper fresco e personale. Mica facile trovare roba del genere: interessante ipotizzarne le dinamiche in studio, visti i due artisti appartenenti a due generazioni così lontane tra loro (ventisette anni a dividerli, quanti ne passano tra Foto di gruppo dello stesso Bassi a Guarda le luci amore mio di Dutch Nazari – per dire di due dischi rap italiani che hanno aperto lo scenario in diverse direzioni).

Un brano super orecchiabile, una fotografia che raccoglie un microcosmo e lascia la brillantezza a coprire situazioni drammatiche, a testimonianza di una realtà con la quale molti sono cresciuti e che può essere raccontata con poetiche differenti. Qui c’è Vicenza, dove le figure si muovono liberamente e dove è difficile capire quale sia l’equilibrio, quale la follia e quale la singolarità.

“Da vicino nessuno è normale” è una frase che oggi forse è buona per le t-shirt a buon mercato, ma Basaglia e la legge 180 già da quarantasette anni hanno fatto la storia. Forse la pazzia si scopre andando in profondità o fermandosi all’apparenza: è fuori e dentro di noi. Di certo muovendoci a un ritmo irresistibile sarà più difficile catalogare anomalie e comportamenti divergenti, quindi direi che fino alla fine del pezzo almeno siamo tutti salvi, poi chi vivrà vedrà.

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Not for Radio: Swan

Genere: 🌟Pop ⚡Electro

di Giampiero Pelusi

«I could love you like a swan would / I could love you ‘til the end». Arrivano dei momenti nella vita in cui bisogna tramutarsi in eremiti d’animo, un po’ per distaccarsi dal caos, un po’ per focalizzarsi su ciò che incarna il bisogno primario, per noi, in quel preciso istante.

Succede a María Zardoya, una delle voci più affascinanti della musica contemporanea, che si allontana per un po’ dall’orchestralità, dai movimenti d’anca, dagli spifferi funk e soul dei Marías per parlare a se stessa. Non a caso il nome del suo solo project è Not for Radio, come a volerci fare intendere che no, queste non sono musichette da heavy rotation, bensì ritagli di cuore appiccicati sullo spartito: tutto Melt concentra le sue forze nel concetto dell’amore e della perdita, e su come la cantante portoricana affronti e metabolizzi le due cose quando i riflettori si spengono e i pensieri girovagano nello stanzino.

Swan riduce gli strati di dream pop che farciscono il disco, rovistando tra ambient pop minimale e toccante intimismo. Drum machine cotonata e pochi rintocchi di pianoforte che si levano delicatamente: si guarda tra le scartoffie del Thom Yorke di The Eraser e dei Radiohead post Kid A, segando le chitarre e concentrandosi sui synth scarni, provando a ricreare l’emotività lacerante di Elena Tonra e dei Daughter di Stereo Mind Game.

Un cigno nero che sacrifica al pubblico le sue fragilità: è questa la reincarnazione della Zardoya, forse la sua versione più vera e senza filtri.

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Nothing: Cannibal World

Genere: 🎸Rock

di Giampiero Pelusi

Finalmente, finalmente. Ce ne ha messo di tempo Domenic Palermo a tornare in studio – eccezion fatta per lo split album con i Full of Hell, When No Birds Sang, del 2023. La “grande palude” del 2020 – di nome e di fatto – lasciava l’ultima testimonianza dei Nothing, orfani di Brandon Setta, ma benedetti dal sodalizio con il bravissimo Doyle Martin.

Si sa, però, che la band di Philly è in costante mutazione: il frontman dei Cloakroom resta, via Christina Michelle – impegnata con i Gouge Away – e rimpiazzata dal bassista Bobb Bruno, con l’aggiunta di Cam Smith alla sei corde e Zachary Jones dietro alle pelli.

Il legame sonoro con The Great Dismal è solidissimo, nonostante il cambio di label: ormai i muraglioni distorti di nu gaze non sono più il punto focale del sound degli americani e, anche nel nuovissimo singolo Cannibal World, Palermo ricalca quanto sperimentato con Say Less, ossia inquietudine gaze annegata nella foschia industrial di synth plumbei.

Difatti il primo assaggio di A Short History of Decay (in uscita a febbraio del prossimo anno) spreme il tremolo delle chitarre, facendolo piegare tra contorsioni breakbeat: le vocals sono i soliti sussurri caldi di casa, mentre l’atmosfera cambia, l’etereo si infila tra percussioni irregolari e aperture dissonanti, a rimarcare il grottesco di un video che semina il panico sulla linea di demarcazione tra realtà e intelligenza artificiale.

Sempre poco allegri, sempre molto all’avanguardia: il “niente” più pieno che c’è, back on track.

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Si! Boom! Voilà!: Pinocchio

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Fabio Piccolino

Sono state molte le persone che qualche settimana fa sono rimaste stupite della notizia dell’uscita di Roberta Sammarelli dai Verdena, dopo quasi trent’anni di onorata carriera. C’è chi ci ha visto la fine di un’epoca, chi la consapevolezza del tramonto della propria giovinezza, chi il dispiacere di non poter più vedere la band al completo dal vivo.

Chi segue la musica italiana, però, si è certamente accorto che nell’ultimo periodo la bassista lombarda è stata tutt’altro che con le mani in mano: il podcast con Francesco Mandelli, il tour insieme a Motta, il progetto di sonorizzazione di Metropolis di Fritz Lang insieme a Karim Qqru degli Zen Circus, Xabier Iriondo degli Afterhours e Corrado Nuccini dei Giardini di Mirò, più varie ed eventuali.

Si! Boom! Voilà! è il nome, decisamente originale, di un nuovo progetto che, insieme a Roberta, coinvolge la batterista Giulia Formica, l’eclettico cantante N.A.I.P., l’ex chitarrista del Teatro degli Orrori Giulio Ragno Favero e il produttore e chitarrista Davide Lasala. Pinocchio, il loro primo singolo, traccia la rotta di un rock ad alto voltaggio e a forte intensità, con una buona dose di ironia e il desiderio di stupire.

Loro sembrano divertirsi molto sia nella forma (con idee piuttosto surreali per presentarsi attraverso i social), sia nella sostanza, con improvvisi cambi di intensità, il bilanciamento complicato tra melodia e rumore e tutti i riferimenti musicali di loro competenza.

Le basi sono state messe e lasciano sperare bene per il futuro. L’importante è non fermarsi mai.

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Sleaford Mods (feat. Gwendoline Christie & Big Special): The Good Life

Genere: 🎤Hip Hop ✊Punk

di Vasco Viviani

«I can see a phantom» cantano spiritati i Big Special e il primo pensiero che ci sovviene è quello di Kids See Ghosts di Kid Cudi e Kanye West, ma questo è un altro mondo. Un mondo che unisce periferie, melodia ed epica, con una divisione molto chiara.

Jason Williamson sputa rime accompagnato dal lieve ondeggiare della capoccia di Andrew Fearn, nuotando nella mediocrità della società. Dal canto loro, il duo formato da Joe Hicklin e Callum Moloney riesce a sospendere tutto il brano in una zona onirica, una sorta di brutto sogno dove la realtà lorda le nostre aspirazioni. Fortunatamente a squarciare questo mediocre grigio arriva nientemeno che Brienne di Tarth da Il Trono di spade! Già, è proprio Gwendoline Christie a prendersi le barre più feroci e aggressive, con una forza e una disperazione che, nonostante la linearità della produzione, riesce a lanciare The Good Life direttamente nell’iperspazio.

Difficile pensare sulla carta come sposare universi tanto distanti, ma se i risultati sono questi allora che ci siano più ardite ammucchiate del genere! Un brano rap, soul, teatralmente efficace, tanto da poter abbozzare una barriera, una difesa contro queste temibili forze ultraterrene. Fondamentalmente una posse track, che ben rappresenta il quartiere e la Terra intera, dato che, alla fine, ogni mondo è paese.

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Subsonica: Radio Mogadiscio

Genere: 🎸Rock 🌟Pop

di Francesco Eandi

Altro che bogia nen: il ritorno dei torinesi Subsonica a meno di due anni dall’ultimo Realtà aumentata, ci porta a sud, molto a sud – e precisamente in Somalia. La canzone è infatti un tributo a quella Radio Mogadiscio fondata in epoca post-coloniale su iniziativa italiana negli anni ‘50 (durante il periodo di amministrazione fiduciaria italiana – e perdonateci il momento Wikipedia, ma lo spirito di Alessandro Barbero ogni tanto si impossessa di noi: saranno tutti quei podcast) e che presto divenne il principale canale informativo e veicolo di emancipazione culturale del paese. Tributo alla radio ma soprattutto alla figura del Colonnello Abshir Hashi Ali, che dagli anni ‘90 a oggi si è adoperato per proteggere, alimentare e digitalizzare l’immenso archivio sonoro della radio. O, per dirla con i Subsonica stessi sul loro profilo IG, «vecchi nastri pieni di sonorità visionarie che oggi fanno impazzire gli alternativi di mezzo mondo».

Radio Mogadiscio è sostanzialmente un brano di disco music in tonalità minore: un pezzo che fa muovere il culo, ma non ferma i pensieri. Come in molte canzoni dei Subs, basso e batteria si piazzano davanti e conducono le danze (dal vivo lo faranno in senso letterale). La chitarra di Casacci funkeggia nelle retrovie, le tastiere e gli altri ammenicoli elettronici di Boosta punteggiano misurati il susseguirsi di strofa-ritornello-bridge. Samuel rimane una delle voci maschili migliori che abbiamo in Italia.

È un pezzo ispirato, capace di entrare in testa immediatamente, che odora di Subsonica dei primi album: è tutto da capire quanto sarà rappresentativo del disco che la band piemontese ha in preparazione per il prossimo anno (quando festeggerà i trent’anni di carriera), ma come anticipazione fa ben sperare. Bello anche il video di Ivan Cazzola, fotografo prestato alla macchina da presa, girato appena un po’ meno a sud (Marocco).

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Th3 Minds: Car3ful in Car33r

Genere: ⚡Electro 🎸Rock

di Max Zarucchi

Quantomeno singolare e simpatica questa operazione, che da qualche mese ha riportato in attività pubblica Brian McGee, Derek Forbes e Michael MacNeil, ovvero tre ex Simple Minds che se ne andarono (o vennero cacciati, a seconda di chi parla) durante il periodo d’oro dei primi cinque album. Particolare perché in realtà non si tratta di uscite nuove in senso stretto, bensì di riletture attualizzate di alcuni brani storici della band ma (ed è lì la stoccatina sottile agli ex compagni) private di voce e chitarra.

Tra le varie reinterpretazioni disponibili sul loro canale YouTube, questa Car3ful in Car33r è forse una delle più rappresentative, in quanto la semplice sottrazione di quei due elementi regala un vestito completamente nuovo a un brano che, già bello di per sé, ora risulta essere addirittura quasi più interessante ed elegante.

Il bello di questa operazione è che pare non ci sia del vero e proprio risentimento, o che se c’è stato oramai l’ascia di guerra sia più o meno sepolta. Sembra più quell’atteggiamento molto british della serie “ormai è andata, abbiamo una certa, divertiamoci come si può senza togliere nulla a nessuno”. A questo punto sarebbe interessante se i Th3 Minds decidessero anche di esibirsi dal vivo: probabilmente i fan delle cose più pop rimarrebbero un po’ contrariati, ma, d’altra parte, tutti coloro che si erano innamorati degli scozzesi grazie alle prime uscite potrebbero assistere al concerto dei sogni. Rimanete sintonizzati.

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The Twilight Sad (feat. Robert Smith): Waiting for the Phone Call

Genere: 🎸Rock ✊Punk

di Max Zarucchi

Chissà perché i Twilight Sad ancora non ce l’hanno fatta. Le carte in mano le hanno, i pezzi sono anche piacevoli e soprattutto (cosa da non dimenticare) da una decina d’anni ovunque si spostino i Cure loro compaiono magicamente come supporto. La cosa va ben oltre il semplice tentativo di lancio di una band a cui si è affezionati (Robert Smith non ha mai negato di essere completamente innamorato di loro): gente ultra-talentuosa come i Cranes (che rimarranno per sempre ricordati nella memoria collettiva come la band supporto nel Wish Tour) ha potuto godere di questo beneficio solo per qualche mese mentre qua invece il legame sembra infinito.

È la seconda volta che il leader dei Cure compare in un loro brano. La prima fu con la cover di There’s a Girl in the Corner che i Nostri misero ovviamente come B-side del singolo omonimo. Stavolta invece lo troviamo in veste di chitarrista in questa nuovissima Waiting for the Phone Call. I tempi passano, cambiano le cose per tutti e onestamente non è come quando uscì la versione di Jewel dei sopracitati Cranes remixata da Smith, dove la sua mano era evidente: qui se uno non lo avesse saputo, nessuno se ne sarebbe accorto.

Ma il brano com’è? Beh, né più né più né meno che un solito pezzo alla Twilight Sad, di quelli che faranno cementare ancora di più l’amore nei confronti del gruppo da parte dei fan ma che lasceranno indifferenti tutti coloro che ancora non hanno trovato qualcosa di davvero piacevole nella loro musica.

Forse questa estrema staticità sonora è proprio il tallone di Achille di un gruppo che, potenzialmente, aveva tutte le possibilità (e sponsorizzazioni) per svoltare, ma in realtà esclusi i tour monumentali in compagnia di Ciccio si ritrova dopo più di vent’anni a navigare ancora nell’underground, perlopiù in maniera abbastanza anonima. È un vero peccato.

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